A ventiquattro anni di distanza da Ali G Indahouse (2002), Sacha Baron Cohen riporta sul grande schermo uno dei personaggi più irriverenti e controversi della propria carriera, al pari di quel Borat che tanta fortuna gli ha dato presso il grande pubblico. Con Ali G: Who Iz I? recupera un’icona della comicità britannica, con un film che costruisce la propria essenza sull’estraneità di un personaggio concepito alla fine degli anni Novanta rispetto a una società profondamente diversa da quella di allora.

Se ai tempi certe tematiche sporche e scomode venivano infatti affrontate meno apertamente nei contesti sociali, ci troviamo ormai in un’epoca nella quale l’appropriazione culturale, la questione identitaria e il politicamente corretto sono concetti opinabili, con la stessa libertà d’espressione quanto mai sotto attacco quotidiano. Per l’occasione Baron Cohen è quindi tornato a vestire i panni del rapper improvvisato di Staines, cercando di trovare un senso in un presente che di senso ne ha sempre meno.

Ali G is back – recensione

La trama cerca di ricollegarsi alla carriera del personaggio, così bruscamente interrotta ai tempi, con Ali G, improbabile rappresentante della cultura hip-hop, sparito dai riflettori da due decenni: ormai dimenticato quasi da tutti, è alle prese con evidenti difficoltà economiche. Inoltre Julie, la sua compagna di una vita, aspetta un bambino e vorrebbe che lui le chiedesse finalmente di sposarlo.

Un giorno, casualmente, il protagonista si imbatte in un vecchio fax e scopre un messaggio dell’HBO che gli proponeva un ricco contratto da oltre tre milioni di dollari per realizzare una terza stagione di Da Ali G Show. Ali decide di partire immediatamente per gli States insieme a Julie, convinto di poter tornare al successo, ma una volta giunto a Los Angeles scopre che la comunicazione risale ai primi anni Duemila e che l’accordo non è più valido. Ciò nonostante, nuovi progetti, ma anche nuove insidie, attendono la coppia.

Vero o falso?

Ci troviamo davanti a un’operazione che recupera le dinamiche del mockumentary e di quella comicità giocata sulla presenza di telecamere più o meno nascoste, al fine di mostrare senza filtri le brutture e le contraddizioni della società. L’ora e mezza di visione alterna così una cornice narrativa dichiaratamente fittizia a incontri con persone reali, spesso ignare di essere coinvolte in una rappresentazione comica. Il problema è che a tratti viene dato troppo per scontato e non si comprende bene quanto sia vero e quanto invece ricreato ad hoc, un difetto non di poco conto in una produzione che vorrebbe giocare molte delle sue carte sulla spontaneità dell’assunto.

Un ibrido che vorrebbe recuperare il metodo già utilizzato da Baron Cohen in Borat e soprattutto in Brüno, ma che trovava nelle disavventure del giornalista kazako un modello ben più riuscito. Qui la presunta storia di riscatto personale, con Ali che va alla ricerca delle proprie origini e una forzata nemesi che cerca di mettergli il bastone tra le ruote, perde ben presto di interesse, lasciando che il susseguirsi di gag e battute – con un ruolo importante affidato all’IA – si smarrisca in un ritratto sì amaro di ciò che si intende criticare, ma anche inevitabilmente gratuito.

Conclusioni finali

Un’operazione che punta tutto o quasi sulla provocazione, ma non sempre con la lucidità necessaria per renderla una satira effettivamente tagliente. Sacha Baron Cohen torna a uno dei suoi personaggi chiave dopo molti anni, ritrovandosi alle prese con una realtà che è già di per sé parodia e nella quale finisce paradossalmente per risultare più amalgamato che in passato.

Il meccanismo narrativo, a metà tra mockumentary e riprese di persone reali coinvolte inconsapevolmente nella messa in scena, si rivolge a un pubblico che conosce ormai le consolidate strategie dell’attore e quindi meno incline alla sorpresa, con qualche buona intuizione che viene ben presto sommersa da gag e battute che spaventano assai meno della società in cui viviamo.

La stagione natalizia sta arrivando e, come di consueto, non possono mancare i film legati a questo periodo dell’anno. Questo dicembre, su Prime Video, arriva Missione: Salvare Il Natale, una nuova pellicola con Arnold Schwarzenegger e Alan Ritchson. In arrivo dal 2 dicembre sulla piattaforma, il film è un’avventura natalizia fatta di seconde possibilità, amicizie improbabili e la immancabile magia del Natale. Scopriamo insieme tutte le informazioni su questa nuova comedy.

Missione: Salvare Il Natale: arriva su Prime il film natalizio con Arnold Schwarzenegger

Diretto da Adam Shankman e scritto da Allan Rice, il protagonista è Arnold Schwarzenegger che, dopo tre decenni, torna al genere natalizio vestendo i panni di Babbo Natale.

La storia segue proprio il vecchio Santa Claus a cui viene rubato il suo sacco magico. Consultando la sua lista dei bambini cattivi trova Vance, ormai adulto e ladro, e decide di farsi aiutare da lui per recuperare il suo sacco. Accompagnato anche da sua figlia, da Babbo Natale e da un gruppo di eccentrici personaggi, Vance dovrà mettere a segno il più grande colpo della sua vita per salvare il Natale.

In un irresistibile mix di azione, commedia e incanto natalizio, combinando la tensione di un furto impossibile con il calore, il divertimento e lo spirito festoso tipici di quel periodo, il film sarà disponibile su Prime Video dal 2 dicembre.

Con le interpretazioni di Schwarzenegger e Alan Ritchson che arricchiscono il film, il regista Adam Shankman propone una rilettura originale e ricca di azione dei classici film di Natale, capace di strappare qualche risata ma anche di emozionare.

Dalla durata di circa 1 ora e 50, nel cast, oltre ai due attori principali, troviamo anche Berkeley James, Michael Cyril Creighton, Liza Koshy, Kyle Mooney, Jane Krakowski, insieme a Ken Jeong e Awkwafina, ed è prodotto da Lawrence Grey, Ben Everard, Reg Tigerman, Dan Spilo, e Alan Ritchson.

Una bomba inesplosa, un intero quartiere londinese da evacuare in fretta e furia e una banda di rapinatori che ha pianificato una rapina in banca, sfruttando proprio quelle ore di panico generale. Un action-thriller all’insegna del caos organizzato il nuovo film di David Mackenzie, che dopo l’exploit di Hell or High Water (2016) – candidato a quattro premi Oscar – è un po’ uscito dai riflettori del grande pubblico.

Presentato al Toronto International Film Festival nel 2025, Fuze – Conto alla rovescia vede il regista tornare a confrontarsi con quei racconti crime che tanta fortuna gli hanno dato a inizio carriera, affidandosi a un cast eterogeneo che nei ruoli principali vanta le presenze di Aaron Taylor-Johnson, Theo James, Sam Worthington e Gugu Mbatha-Raw.

Fuze: questione di tempismo – recensione

Nel corso di alcuni lavori di scavo in un cantiere di Paddington, viene ritrovato un ordigno inesploso risalente secondo le prime analisi alla Seconda guerra mondiale. La scoperta spinge le forze dell’ordine e l’esercito a un’evacuazione di massa della zona, nel timore di una possibile deflagrazione. A coordinare le operazioni è la sovrintendente Zuzana Greenfield, mentre il maggiore Will Tranter, esperto artificiere con un passato in zone di guerra, viene incaricato di procedere in prima persona al relativo disinnesco.

La situazione offre un’occasione irrinunciabile a una banda di criminali, che travestiti da tecnici della manutenzione, sfruttano un appartamento nella zona interdetta per raggiungere, tramite un passaggio sotterraneo, il caveau di una banca. La rapina sembra andare per il meglio mentre le autorità stanno ancora lavorando alla bomba, ma forse non tutto è quello che sembra…

Il troppo stroppia?

Ci troviamo davanti a un film nel quale la costruzione dell’intreccio sembra assumere un peso decisamente maggiore rispetto alla cura dei personaggi e alle motivazioni dalle quali dovrebbero essere spinti. Tanto che una rivelazione chiave viene affidata a un tardivo flashback proprio nelle fasi finali, trascinando il racconto verso un epilogo poco soddisfacente e forzato in maniera sin troppo meccanica.

Il problema principale viene alla luce quando la sceneggiatura di Ben Hopkins comincia a moltiplicare le variabili, tra colpi i scena, tradimenti e identità nascoste che cercano di ribaltare continuamente lo status quo, con risultati disomogenei. L’impianto narrativo si affida così a un numero di coincidenze e incastri che ne penalizzano inevitabilmente la verosimiglianza.

Dove Fuze – Conto alla rovescia funziona è nella sua anima action e tensiva, secca al punto giusto e a tratti citante – più o meno consapevolmente – atmosfere di produzioni a tema degli anni Settanta. Un feeling di genere che potrebbe piacere a un certo tipo di pubblico, lontano dalle sequenze spesso caotiche e confusionarie di molti titoli contemporanei, e concentrato sulla fisicità dei corpi e sul loro peso effettivo in scena.

Conclusioni finali

Una premessa sulla carta accattivante che soffre di una gestione narrativa a tratti schizofrenica, incapace di tenere a bada tutte gli spunti e colpi di scena che scappano ben presto di mano, depotenziando di fatto la stessa credibilità dei personaggi e dell’intreccio criminale nel quale sono invischiati in ruoli assai diversi.

Fuze – Contro alla rovescia possiede invece una personalità distinta nella scattante messa in scena, con diverse sequenze ad alto tasso tensivo e un cast di facce giuste al posto giusto. Peccato che lo script non valorizzi al meglio il lavoro corale da parte loro.

Il tentativo era già stato fatto pochi anni fa, ma con un’accoglienza critica negativa e risultati commerciali deludenti: Resident Evil: Welcome to Raccoon City (2021) non aveva convinto quasi nessuno, senza riuscire a rilanciare il franchise sul grande schermo dopo la conclusione della lunga saga che Paul W. S. Anderson aveva portato avanti dal 2002 al 2016, diventata nelle ultime incarnazioni unicamente un veicolo per il fascino di sua moglie Milla Jovovich.

E quando ormai nessuno sperava più che il popolare videogioco potesse ricevere un live-action all’altezza, ci ha pensato Zach Cregger a smentire tutti. Reduce dall’exploit di Weapons (2025), il regista americano si è approcciato al materiale di partenza con personalità, scegliendo di alleggerire il tutto in una confezione che unisce orrore e macabra ironia, per quello che è a conti fatti uno dei guilty pleasure di questa stagione cinematografica.

Resident Evil: dove si cela l’orrore – recensione

La trama vede protagonista il giovane Bryan Hodukavich, un corriere incaricato di trasportare del materiale medico riservato fino al Raccoon City General Hospital, una struttura isolata tra le montagne del Colorado. Messosi in viaggio proprio mentre sulla zona si sta abbattendo una bufera di neve, il ragazzo è ignaro di ciò che lo attende da lì a poche ore. Durante il tragitto investe una donna che ha attraversato la strada all’improvviso, salvo scoprire poco dopo che è questa è vittima di una mutazione che la rende estremamente aggressiva nei confronti di qualsiasi altro essere umano.

Il primo a farne le spese è un agente di polizia giunto sul luogo dell’incidente, e Bryan finirà per ritrovarsi in fuga in quei boschi innevati, trovando momentaneo rifugio in una fattoria lì vicino, dove però lo attendono altri pericoli. Capirà ben presto che l’intera cittadina è rimasta vittima di una misteriosa epidemia e che proprio il “pacco” che deve consegnare potrebbe essere determinante per sintetizzare una cura prima che sia troppo tardi.

Un sano intrattenimento a tema

Ci troviamo davanti a un film che decide di non affidarsi ciecamente alla lore del franchise, spesso così ingombrante da soffocare nuovi spunti, bensì di concentrarsi sul piacere morboso e strisciante di trovarsi intrappolati in un territorio ostile, nel quale le minacce possono nascondersi dietro ogni angolo e nessun posto può dirsi veramente sicuro.

Le atmosfere del videogame, pur rivisitate in questa forma atipica ma accattivante, rivivono nella lotta per la sopravvivenza di un personaggio sui generis, costretto ad andare avanti un passo alla volta, sempre timoroso di cosa lo attende oltre la prossima soglia. Munizioni e risorse limitate amplificano quel senso di urgenza che chi ha impugnato in passato il joypad sa bene essere tipico dei giochi Capcom, in un racconto che diventa incredibilmente sensoriale e trova la giusta sintesi per intrattenere il pubblico.

Nessuno dei personaggi chiave di Resident Evil fa la sua comparsa, una scelta che permette di dare vita a svolte inedite anche in fase di sceneggiatura, epilogo incluso, tanto che questo nuova trasposizione può sì rappresentare un potenziale nuovo inizio e un rilancio della saga, ma è anche godibilissima come stand-alone e si presta alla visione da parte dei neofiti, giacché le dinamiche, a conti fatti, sono quelle di un classico film sui morti viventi di nuova generazione, pur con evidenti citazioni che noteranno soltanto i fan.

Conclusioni finali

Divertimento e paura convivono in un ibrido incredibilmente riuscito, che conferma il talento di Zach Cregger quando si tratta di unire anime e suggestioni potenzialmente antitetiche. Il suo Resident Evil è un film al contempo rispettoso e personalissimo, dove all’orrore mutante si mescola una beffarda ironia di genere, in una trasposizione che trasferisce nel migliore dei modi le dinamiche del videogioco sul grande schermo.

Ritmo e atmosfera caratterizzano l’ora e mezza di visione, che non si perde mai in inutili divagazioni o spiegoni, lasciando che le emozioni vengano comunque esposte nella caratterizzazione di un protagonista sballottato suo malgrado in una situazione estrema, perfetto veicolo di immedesimazione per lo spettatore, pronto insieme a lui ad aprire la prossima porta e a scaricare ondate di proiettili verso l’incombente minaccia di turno.

Nel mese di Novembre il catalogo di Prime Video continua ad allargarsi. Tra nuove serie tv come Campus Drivers, ma anche la seconda stagione di The Traitors, show con Alessia Marcuzzi che ha conquistato tantissimi spettatori, le novità sono davvero interessanti. Di seguito, vi elenchiamo alcuni dei prossimi titoli più attesi di questo mese da vedere sulla piattaforma.

Prime Video: i film e le serie tv più attese di Novembre 2026

Le novità partono dal 4 novembre con The Greatest, la prima serie autorizzata su Muhammad Ali. Questo titolo esplora la vita eccezionale del campione di pugilato, filantropo e icona mondiale come mai prima d’ora, grazie anche a Lonnie Ali, la vedova, come executive producer.

Il 6 novembre invece verrà rilasciata sul catalogo Campus Drivers, altra serie tv young adult particolarmente attesa. La storia segue Lois, una ragazza appena ammessa alla prestigiosa Belrose University insieme a Max, il ragazzo che ama da sempre. Tutto cambia quando la ragazza si presenta alla porta di Lane, uno studente affascinante e il creatore di Campus Drivers, l’app più in voga del campus. Immediatamente i loro mondi si scontrano e scatta un’attrazione impossibile da ignorare.

Nella stessa data però arriva anche la seconda stagione di The Traitors, lo show che ha conquistato il pubblico con i suoi intrighi psicologici e un susseguirsi di colpi di scena. Condotto da Alessia Marcuzzi, nel cast di questo nuovo capitolo troviamo Awed, Francesca Barra, Biondo, Camihawke, Lorella Cuccarini, Mario Ermito, Daniele Gattano, Pasquale La Rocca, Filippo Magnini, Valentina Nappi, Giorgia Palmas, Jolanda Renga, Giulia Salemi e Gianluca Torre. A rendere il gioco ancor più imprevedibile, questa volta ci sarà anche un “traditore segreto” chiamato ad agire nell’ombra.

Dall’11 Novembre invece spazio al fantasy con la terza stagione de Il Signore degli Anelli: Gli Anelli del Potere. Ambientata cinque anni dopo la caduta di Eregion, la Terra di Mezzo è in guerra. Le armate di Sauron hanno ormai marciato su tutto il mondo, conquistando qualunque cosa incontravano sul proprio cammino. Solo poche roccaforti isolate si frappongono ora tra l’Oscuro Signore e la vittoria totale. Nelle profondità della terra di Mordor intanto, il Signore Oscuro lavora senza sosta, ossessionato dall’idea di acquisire un potere che metterà tutti in ginocchio. Ora, i popoli liberi della Terra di Mezzo – Nani, Elfi, Uomini e Maghi – dovranno trovare il modo di unire le forze.

Infine, dal 25 novembre, sarà disponibile la serie tv Blade Runner 2099. Composta da 8 episodi, è ambientata cinquant’anni dopo gli eventi di Blade Runner 2049. La trama ruota intorno a Cora, una fuggitiva. La ragazza, in un estremo tentativo di scappare, assume l’identità di una Blade Runner. Costretta a collaborare con Olwen, un Replicante con pochi giorni ancora da vivere, dà la caccia a un fuggitivo che nasconde una verità in grado di far crollare la loro fragile città.

La Storia insegna come le dittature si accaniscano sui più deboli nel tentativo di conservare o guadagnare il potere, al quale restano poi aggrappate con le unghie e con i denti. L’Hangar Rosso, esordio nel lungometraggio di finzione del documentarista Juan Pablo Sallato, ripercorre la vera vicenda del capitano Jorge Silva nelle ore prima e dopo il colpo di Stato dell’11 settembre 1973 in Cile.

Un film che non intende ripercorrere gli eventi nel loro complesso, ma sceglie di concentrarsi sul punto di vista di un unico personaggio: un militare, ex responsabile dei servizi d’intelligence dell’Aeronautica, che si ritrova alle prese con la propria coscienza mentre nel Paese si scatena il caos e proprio l’esercito è in prima linea nella sanguinosa repressione.

L’Hangar Rosso: per non dimenticare – recensione

La storia, come detto, ha inizio a Santiago del Cile l’11 settembre 1973, il giorno che cambiò tutto. Jorge Silva, capitano dell’Aeronautica militare, un tempo responsabile dei servizi d’intelligence, presta servizio presso una scuola di aviazione, dove si occupa di formare i giovani cadetti. In passato ha avuto un rapporto di stretta collaborazione con il presidente Salvador Allende, un legame che porta i suoi commilitoni a guardarlo con sospetto.

Quando il golpe ha luogo, ponendo fine al governo democraticamente eletto, il luogo in cui Silva lavora viene destinato a diventare un centro di detenzione, dove verranno reclusi e torturati giovani considerati potenzialmente pericolosi per il nuovo regime. La presenza del crudele colonnello Jahn in un ruolo chiave non fa che complicare ulteriormente le cose, spingendo il protagonista a prendere decisioni difficili che rischiano di metterlo in pericolo.

Lo sguardo sul male

Un membro dell’esercito che ha sempre rispettato il proprio ruolo e i superiori, ma che ora è chiamato a confrontarsi con la progressiva trasformazione della propria istituzione in uno strumento di ingiustizia, con le sevizie e sommarie esecuzioni alle quali vengono quotidianamente sottoposti i presunti oppositori politici. L’Hangar Rosso lascia la violenza fuori campo, ma rende ben evidente quanto avviene dietro quel casermone degli orrori, con il bianco e nero a restituirci un’epoca idealmente sospesa nel tempo, simbolo di dittature passate e presenti.

La Storia con la maiuscola rimane costantemente sullo sfondo, attraverso le notizie e quella tensione sotterranea che permea gli oltre ottanta minuti di visione, mentre in primo piano si consuma la crisi personale di un uomo che ha costruito la propria identità sulla disciplina e sul rispetto delle gerarchie, fino a non riconoscersi più negli ordini che gli vengono impartiti.

La scelta di seguire il protagonista da vicino, con la macchina da presa che si ritrova spesso a pedinarlo, sottrae il racconto alla dimensione puramente illustrativa ed evita di ridurre la dittatura a un semplice sfondo ambientale, permettendo al regista di interrogarsi sui meccanismi attraverso i quali un sistema dispotico prende progressivamente forma e si consolida.

Conclusioni finali

Il terrore del golpe, la violenza dell’esercito, un Paese nel caos: elementi che fanno da sfondo alla crisi di coscienza di un protagonista diviso tra il dovere e la pietà, che non riconosce più ciò in cui ha sempre creduto. L’Hangar Rosso del titolo non è soltanto un luogo di tortura per i prigionieri, ma anche una prigione per chi si trova a dover prendere decisioni in contrasto con i propri principi.

Una visione secca e concisa, fotografata in un magnifico bianco e nero, che evita di offrire risposte o giudizi rassicuranti, privilegiando una narrazione più sfumata, nella quale il fuori campo diventa un silenzioso amplificatore di quelle ingiustizie che hanno segnato profondamente il popolo cileno.

La seconda stagione di Carrie, serie tv di Prime Video, si farà. L’annuncio è arrivato recentemente, dopo il grande debutto del primo capitolo sulla celebre piattaforma di streaming. Creata dall’acclamato showrunner Mike Flanagan, la serie è tratta dall’omonimo e iconico romanzo di Stephen King e vede Summer H. Howell nei panni della protagonista Carrie White e Samantha Sloyan nel ruolo della madre, Margaret White. Ecco tutto quello che sappiamo finora sull’annuncio del secondo capitolo.

Carrie: arriva la seconda stagione della serie tv Prime Video

La prima stagione di Carrie è disponibile su Prime Video dal 7 ottobre. Composta da otto episodi, dalla sua uscita, la serie ha già raggiunto dei risultati straordinari, raggiungendo il primo posto su Prime Video in oltre 105 Paesi in tutto il mondo. Le interpretazioni del cast e la possibilità di esplorare il mondo di Carrie inserendolo in chiave contemporanea ha infatti avvicinato vecchi e nuovi fan a livello internazionale.

Ma la storia della protagonista non si concluderà con la famigerata notte del ballo del liceo. Infatti, Flanagan e King hanno ancora moltissimo da offrire, ampliando ancora questa storia e aggiungendo nuove rivelazioni, importanti sviluppi dei personaggi e tantissimi colpi di scena sconvolgenti.

A raccontare le prospettive della serie sono proprio loro due: “Per 50 anni, il pubblico ha conosciuto e amato la storia di Carrie White. Fin dall’inizio, abbiamo immaginato una storia che andasse ben oltre il ballo di fine anno, e sono incredibilmente grato a Stephen per la fiducia e il supporto che ci ha dimostrato nell’esplorare cosa potesse accadere dopo” ha affermato lo showrunner Mike Flanagan.

Anche Stephen King, che è anche executive producer della serie, si è detto entusiasta per questo nuovo capitolo: “Non vedo l’ora che il pubblico scopra cosa il futuro riserva a Carrie White. Io e Mike Flanagan siamo entusiasti di ciò che ci aspetta. Sarà sicuramente emozionante”.

Come abbiamo sottolineato più volte in altre recensioni, e come d’altronde recita il detto, l’assassino torna sempre sul luogo del delitto. Mai come in quest’occasione, però, la frase calza a pennello, in quanto a sedersi nuovamente dietro la macchina da presa per Return to Silent Hill è proprio Christophe Gans, che già vent’anni fa diresse il primo adattamento cinematografico del popolare videogioco.

Silent Hill (2006), pur non essendo un’operazione priva di sbavature, è stato considerato a lungo tra le migliori trasposizioni cinematografiche tratte da un videogioco, grazie anche ad alcuni passaggi discretamente inquietanti e a una storia che si ispirava, più o meno liberamente, alla fonte originaria. Ora il regista francese è tornato a confrontarsi con questa lugubre cittadina del mistero, senza però ritrovare la stessa ispirazione e dando alla luce un progetto a dir poco problematico.

Return to Silent Hill: ricominciamo – recensione

Il protagonista è James Sunderland, un pittore alle prese con gravi traumi esistenziali in seguito alla morte dell’amata moglie Mary Crane. I due si erano conosciuti nei pressi di Silent Hill, cittadina nella quale lei viveva e teatro di eventi misteriosi che hanno progressivamente contribuito ad allontanarli. Un giorno, l’uomo riceve una lettera dalla moglie defunta, che gli chiede di tornare al più presto in quella località per lei natale.

Il messaggio riapre una ferita mai rimarginata e spinge James a mettersi in viaggio, ignaro di ciò che lo attende una volta arrivato. L’intera cittadina è ormai in rovina e abbandonata, ricoperta da una fitta cenere e popolata da creature mostruose che iniziano a dargli la caccia. Tra realtà e immaginazione, il protagonista dovrà scoprire cosa gli stia accadendo prima che sia troppo tardi.

Nei meandri dell’orrore

Questa volta Gans ha scelto di affrontare direttamente quello che per molti appassionati del videogioco rappresenta l’episodio più maturo e doloroso dell’intera saga, ovvero Silent Hill 2. Uscito originariamente nel 2001, prima dei più recenti remake, aveva trasformato l’horror psicologico in un’indagine sulle zone più oscure dell’animo umano, dando vita a un’esperienza destabilizzante che ancora oggi si ricorda con malinconico terrore.

Un materiale di partenza particolarmente complesso da tradurre in immagini. E difatti Return to Silent Hill sbaglia praticamente tutto, cadendo in facili tranelli e nelle convulsioni di una trama che perde progressivamente consistenza, nella quale le allucinazioni e i numerosi flashback cercano di rappresentare una mente sempre più frammentata. I mostri classici del franchise fanno capolino, a cominciare da un Pyramid Head più anonimo del solito e dalle iconiche infermiere, mentre alcune sequenze dal taglio espressionista, tra sussulti di body horror, provano a restituire almeno in parte le suggestioni dell’originale. Il risultato è però fiacco, soprattutto a causa di una narrazione inutilmente confusionaria.

I vari tasselli che compongono questo puzzle delirante non conducono a una catarsi davvero significativa, ma si riducono spesso a semplici espedienti per suscitare spaventi di routine, in un’ottica da B-movie che stona parecchio con le sfumature infernali e psicologiche della vicenda originaria.

Conclusioni finali

Con Return to Silent Hill Christophe Gans tenta di riprodurre il relativo, ispiratissimo, immaginario videoludico su grande schermo, ma in questo suo secondo approccio al franchise Konami non può contare su una sceneggiatura degna di tal nome, finendo per tramutare le suggestioni di partenza in un pasticcio inutilmente arzigogolato e a corto di emozioni, privo dell’angoscia e della malinconia che avrebbero dovuto essere pilastri portanti dell’impianto emotivo.

Nonostante alcune suggestioni visive degne di nota, il film fatica a costruire un racconto organico e finisce per smarrire, tra quelle strade immerse nella cenere e una mente in frantumi, quella complessità emotiva che aveva reso memorabile il secondo episodio della saga, qui rimasticato in una confezione urlata e inevitabilmente superficiale.

Stati Uniti, tre anni da ora nel futuro. In un Paese sempre più bigotto, è entrata in vigore una legge che impone il divieto assoluto a rapporti sessuali tra individui non sposati per 364 giorni all’anno. Soltanto in una determinata notte, per un tempo massimo di dodici ore, i single possono finalmente darsi alla pazza gioia, prima di tornare alla quotidiana, assurda, astinenza imposta dal governo. Astinenza controllata tramite tatuaggi elettronici, con pene severe per chi trasgredisce alle regole.

In One Night Only è finalmente arrivato quel fatidico dì, e conosciamo così i protagonisti. Owen è un pizzaiolo convinto di trascorrere quei momenti di passione con la fidanzata Malika, ignara che questa sia pronta a confessargli che farà sesso con un altro. Allie è invece un’aspirante cantante che si guadagna da vivere tramite jingle in spot pubblicitari, una ragazza romantica che sogna di incontrare la sua anima gemella. Pur andando in cerca di una passione più o meno effimera, le strade dei due finiranno per incrociarsi inevitabilmente.

One Night Only: una notte indimenticabile – recensione

La premessa è paradossale ma a suo modo si fa satira di un’America contemporanea dove ci si può aspettare veramente di tutto e dove il fanatismo, religioso e non, è tornato a dominare l’agenda politica, con conseguenze visibili anche a chi non vive in quei lidi. Partendo da questo spunto provocatorio, tragicomica distopia sul controllo dei corpi e conseguentemente delle menti, il film segue la scia lanciata dalla saga ad alta tensione de La notte del giudizio, dove lì per un giorno intero era la violenza a essere legalizzata.

Qui invece il regista Will Gluck – lo ricordiamo tra gli altri per Easy Girl (2010) e il recente Tutti tranne te (2023) – ha optato per una strada dichiaratamente leggera, seguendo le classiche dinamiche della commedia romantica degli equivoci e delle incomprensioni, contestualizzata per l’appunto in questo prossimo futuro carico di incognite, dove trovare l’amore diventa una questione quanto mai complicata. Il tutto in una New York quale frenetico palcoscenico della nascente relazione tra i protagonisti, sempre sul punto di incendiarsi salvo andare incontro a nuovi ostacoli.

Un amore da conquistare

Monica Barbaro e Callum Turner si muovono in questa girandola di situazioni più o meno forzate e la chimica tra loro funziona discretamente, permettendo ad alcuni passaggi di essere effettivamente convincenti dal punto di vista emozionale. Peccato che One Night Only sembri tirare un po’ troppo la corda, affidandosi a una certa ciclicità nella gestione delle gag e nei vari intoppi che sembrano voler allontanare quell’epilogo che tutti si aspettano.

Allo stesso modo il fatto che la parola d’ordine sia “leggerezza”, una scelta ben precisa già a monte sia chiaro, impedisce alla sceneggiatura di addentrarsi con profondità nelle numerose contraddizioni sociali insite nel proprio universo narrativo. Perché se è vero che l’amore ha bisogno di tempo e di affinità reali, come d’altronde il genere ci insegna da tempo immemore, lo è altrettanto che una realtà nella quale l’intimità viene regolata da governi autoritari possedeva sulla carta materiale per riflessioni ben più scomode. Il film preferisce invece andare sul sicuro nella sua anima pop rivolta al grande pubblico, risultando però a conti fatti più banale di quanto ipotizzabile.

Conclusioni finali

Una notte all’anno per dare sfogo alle proprie voglie, salvo dover tornare alla castità assoluta per i giorni rimanenti: un futuro da incubo per i single quello di One Night Only, distopia tragicomica che, dietro la sua apparente futilità, avrebbe potuto nascondere sfumature ben più incisive e satiriche. E invece il film preferisce il certo all’incerto, seguendo le dinamiche di una rom-com relativamente classica, pur adattate a tale, paradossale, contesto.

La buona chimica tra i protagonisti Monica Barbaro e Callum Turner permette di chiudere un occhio su una sceneggiatura che si affida a soluzioni facili e risapute, non prive di una certa monotonia nel susseguirsi di ostacoli e incomprensioni che ritardano l’amore in divenire, salvo poi ricordarci che, per trovare l’anima gemella, vale anche la pena aspettare il momento giusto.

Gli effetti speciali sempre più avanzati, coadiuvati ora da quell’IA che diventa più imperante in ogni ambito – cinema in primis – stanno contribuendo alla realizzazione di remake su remake, pronti ad aggiornare prototipi consolidati con tecnologie ed estetiche rinnovate. Disney lo sa bene e ha ormai da tempo cominciato a monetizzare in tal campo producendo versioni live-action dei suoi classici animati, non soltanto quelli più datati ma anche opere recenti.

Questo è il caso di Oceania – in originale Moana, difficilmente trasportabile pari pari in italiano per ovvi motivi – che a dieci anni dall’originale ha visto uscire nei cinema il suo relativo adattamento in carne, ossa e muscoli. E che muscoli, se a interpretare il semidio Maui è di nuovo Dwayne Johnson, che allora prestava unicamente le vesti di doppiatore e qui invece mette in mostra i pettorali scolpiti per condividere il set con la giovanissima Catherine Laga’aia, al suo esordio assoluto su grande schermo.

Oceania: come prima, uguale a prima – recensione

La storia è la medesima e non è cambiata di un millimetro, ricreata quasi shot-to-shot nel corso delle sfiorate due ore di visione. Vaiana – il nome della protagonista nella versione nostrana – è la figlia del capo villaggio Tui e vive sulla ridente isola di Motunui, dove il suo popolo ha sempre rispettato il divieto di oltrepassare la barriera corallina. La ragazza fin da quando è piccola però un richiamo irresistibile verso l’oceano, che diventerà ancora più forte quando le risorse provenienti dal mare cominciano progressivamente a esaurirsi.

La nonna Tala, custode della memoria degli antenati, intuisce come sia destinata a qualcosa di più grande e la incoraggia a seguire l’istinto e realizzare il suo desiderio. Vaiana dovrà mettersi sulle tracce del semidio Maui, che anni prima aveva rubato il cuore di Te Fiti – dea primordiale della Natura e della Vita: una pietra dotata del potere della creazione. Ma una volta rintracciato Maui, convincerlo ad accompagnarla in quell’improba missione non sarà per nulla semplice.

Una storia già vista

Come vi abbiamo accennato in apertura, ci troviamo davanti ad una sorta di operazione fotocopia, che ripropone pressoché integralmente trama, personaggi, canzoni, gag e principali bivi narrativi. Chi ha già visto il cartone, difficilmente troverà qualcosa di originale in Oceania 2026, con la formula esattamente identica che però non ha replicato uguale fortuna al botteghino.

Il regista Thomas Kail, al debutto in un lungometraggio dopo aver firmato episodi televisivi nonché il successo teatrale di Hamilton, sembra aver ricevuto la direttiva dai piani alti di modificare il meno possibile. Il risultato è un’operazione dignitosa ma artisticamente inutile, un live-action che usa una quantità strabordante di effetti digitali per riportare in vita ciò che prima era stato affidato all’animazione in computer grafica; computer grafica che aveva già raccontato con maggiore libertà, colore e fantasia la scatenata avventura alla base del racconto.

Cosa ancor più grave è che siano in ogni caso gli effetti digitali a dettar legge anche nel live-action, che di fatto si trasforma in una sorta di animazione depotenziata dove si muovono degli attori reali: un risultato straniante e quasi paradossale, date le premesse di partenza.

Conclusioni finali

Canzoni, paesaggi, scene d’azione e svolte narrative: tutto nel nuovo Oceania è identico alla sua versione del 2016, trasposto in live-action con il “ritornante” Dwayne Johnson e la giovane e fresca Catherine Laga’aia a vestire i panni dei protagonisti. E proprio la discreta chimica tra i due è il pregio maggiore di un’opera non necessaria, una fotocopia che aggiorna un titolo recente amato da grandi e piccini.

Chi arriva già col ricordo del prototipo troverà ben poche sorprese, con il senso stesso dell’avventura che viene meno quando ogni passaggio è telefonato e riciclato in egual misura. I nuovi spettatori possono invece trovare uno scorrevole intrattenimento a tema, colorato e divertente, ma in ogni caso inferiore all’opera da cui deriva, che aveva maggior senso nella sua forma d’origine.

Quattro anni possono bastare per cambiare completamente un individuo, soprattutto se il suo nome è Peter Parker, conosciuto da tutti gli appassionati di fumetti come l’Amichevole Uomo Ragno di Quartiere. E in questa nuova interazione dell’MCU finalmente diventa quell’eroe popolare che da sempre i fumetti ci raccontano, stando in mezzo alla gente e diventandone una sorta di idolo nella lotta contro la criminalità. Spidey è New York, New York è Spidey, come ci ricorda anche la carrellata di immagini finali rappresentanti la Grande Mela.

Dopo aver sacrificato ogni legame con la propria vita privata per proteggere il mondo, scelto di essere dimenticato anche dalle persone che più ama, a cominciare dalla sua anima gemella MJ, il protagonista di Spider-Man: Brand New Day deve vedersela ora con un nuovo, misterioso, nemico. Un nemico che trasmuta di corpo in corpo, possedendo persone comuni pur di arrivare a ottenere i propri enigmatici scopi. Un parallelismo chiave quello dell’identità, come vedremo a breve nell’esposizione della sinossi di questo nuovo cinecomic, che ha fatto sfracelli al botteghino worldwide soltanto pochi mesi fa.

Spider-Man: il potere del ragno – recensione

Chi ha visto Spider-Man: No Way Home (2021) saprà bene quale scelta dolorosa ha dovuto fare il Nostro, con nessuno che ricordi chi si nasconda dietro la maschera, nemmeno l’amata MJ e il suo migliore amico Ned Leeds. Per lui ora conta soltanto la lotta al crimine, tanto che anche la stessa polizia mantiene un filo diretto con lui – pur ignorandone le generalità – tramite una risoluta detective che lo contatta telefonicamente. Peter vive da solo – la morte di zia May è ancora un lutto doloroso da digerire – dorme poco e trascorre gran parte del tempo osservando a distanza coloro che un tempo gli erano più vicini.

A complicare ulteriormente la situazione compare una minaccia di origine sconosciuta, capace di entrare nella mente delle persone e di trasferire la propria coscienza di corpo in corpo. Questa presenza è sulle tracce di un qualcosa chiamato “V-Max”, apparentemente collegato al Department of Damage Control, l’agenzia incaricata di gestire le minacce superumane. Peter si ritroverà coinvolto in prima persona nelle indagini, ritrovandosi durante il percorso a unire le forze con Bruce “Hulk” Banner e Frank Castle, alias Il Punitore, in quella che diventa una missione sempre più carica di incognite, che gli permetterà di fare i conti col suo recente passato.

In cerca di risposte

Inizialmente Spider-Man: Brand New Day sembra guardare più che mai ai fumetti, con questo Uomo Ragno che sembra davvero solo, e non soltanto metaforicamente. Non ha più il mentore Tony Stark, o Doctor Strange o il suo grande amore: è semplicemente un ragazzo, ormai giovane uomo, che sa che “da grandi poteri derivano grandi responsabilità” e cerca di usarli per fare la cosa giusta. In più comincia a notare un sostanziale mutamento del DNA che lo porta a momenti di furia incontrollata, una trasformazione da tenere d’occhio per evitare di diventare lui stesso ciò che combatte.

E qui il film di Destin Daniel Cretton – che ne arrivava da un altro tassello del MCU, ovvero il sottovalutato Shang-Chi e la leggenda dei Dieci Anelli (2021) – gioca le sue carte migliori, sublimate poi in quelle fasi finali dove il protagonista deve finalmente trovare la giusta sintesi tra l’individuo e il supereroe. Il problema principale è che la sceneggiatura non ha sempre il coraggio di seguire questa strada, forzata anche da logiche future sui prossimi capitoli del franchise a inserire elementi propedeutici all’Universo Marvel a venire.

Non vi sveleremo chi si nasconde dietro i panni del misterioso/a villain – anche se probabilmente sarete già incappati in qualche spoiler – ma anche la gestione stesso delle “spalle” è alquanto gratuita, dal Bruce Banner il cui Hulk finisce forzatamente fuori controllo a un Frank Castle che appare una sorta di involontaria caricatura rispetto a quanto visto, soltanto pochi mesi fa, nel violentissimo speciale televisivo The Punisher: One Last Kill (2026).

Gli ottimi effetti speciali e le avvincenti coreografie d’azione, che funzionano soprattutto quando non si affidano esclusivamente al digitale – vedasi la parte in stile “wuxia” nella lotta contro i guerrieri ninja della Mano – offrono comunque un solido intrattenimento a tema, più riuscito almeno a livello narrativo del diretto predecessore e con una componente emotiva da non sottovalutare, anche se ancora non privo di qualche imperfezione.

Conclusioni finali

Essere Peter Parker o l’Uomo Ragno? La sola risposta possibile è semplicemente entrambi, in un film che ci restituisce un supereroe ad altezza d’uomo, immerso tra la sua gente, che ne ignora l’identità ma lo trasforma in un simbolo, così come i fumetti ci hanno insegnato da tempo. Da un lato è forse il miglior film sul personaggio del nuovo corso MCU, dall’altro si porta ancora qualche peso narrativo dovuto alle scelte di un franchise in continua evoluzione, con collegamenti diretti e figure secondarie – anche di peso – non sempre sfruttate nel migliore dei modi.

Tom Holland è ormai un tutt’uno con Spider-Man e il suo legame anche nella vita reale con Zendaya riempie le scene tra i due di genuina alchimia, aumentando il carico emozionale di una storia che vive su ricordi smarriti e fiducie da recuperare, non prima di aver ritrovato se stessi in una lotta non tanto contro villain che poi villain forse non sono, ma contro i propri demoni.

Kris Williams è una giovane regista di cinema indipendente che ha già ottenuto una certa fama grazie al suo film di debutto, particolarmente apprezzato nei circuiti festivalieri. Grande appassionata di horror, non può credere ai suoi occhi quando le viene affidato il compito di rilanciare il franchise di Camp Miasma, storica serie slasher finita da tempo nel dimenticatoio dopo molti sequel improbabili.

La protagonista di Camp Miasma – Adolescenza, sesso e morte ha visto il primo capitolo da bambina e da allora ne è diventata la prima fan, al punto da conoscerne ogni dettaglio e la storia completa del personaggio di Little Death, serial killer armato di lancia e col volto coperto da un’inquietante maschera a forma di bocchetta piramidale. Per convincere Billy Presley, star dell’originale, a partecipare al reboot, Kris la raggiunge nel luogo stesso delle riprese del capostipite, dove l’attrice ha continuato a vivere in una dimora che poggia sulle fondamenta del fittizio massacro. Ma come Krist scoprirà ben presto, l’orrore rischia di diventare realtà.

Camp Miasma: dentro e fuori lo schermo – recensione

Il cinema horror come una sorta di rifugio, in bilico costante tra l’ossessione e il trauma da elaborare, alla ricerca di una potenziale catarsi a venire. Jane Schoenbrun rimastica lo slasher anni ’80, immergendolo a fondo nella propria memoria e cultura cinefila per plasmarlo in qualcosa di inedito, pur continuando a rispettarne la mitologia.

A due anni dal già folgorante I Saw the TV Glow (2024), coming-of-age che esplorava la sessualità tramite le formule di un cinema fantastico, sospeso tra Lynch e le influenze moderne del filone, la regista trans realizza un’altra opera ricchissima, metacinematografica e ricolma di amore e desiderio, con il sottotitolo incluso in Camp Miasma – Adolescenza, sesso e morte che racchiude mondi e suggestioni che saranno poi effettivamente esplorate nel corso delle quasi due ore di visione.

Un film senza mezze misure

Come nei suoi precedenti lavori, anche qui l’autrice affronta in modo viscerale ed esplicito le tematiche relative alla disforia di genere, all’esplorazione dell’identità queer e della transizione, adoperando l’animo splatter del racconto in un’ottica simbolica per nulla banale. La sceneggiatura parte da un immaginario volutamente derivativo, immerso in una connotazione grezzamente richiamante i titoli anni Ottanta a tema – dalla saga di Venerdì 13 a quella di Halloween, e così via – per addentrarsi nelle molteplici sfere della sessualità contemporanea.

Hannah Einbinder e Gillian Anderson, la prima ideale alter-ego della stessa Schoenbrun, la seconda affascinante incarnazione delle archetipiche scream queen dell’epoca, formano una coppia semplicemente irresistibile, con una chimica palpabile anche e soprattutto nelle scene più controverse e sensuali, dove l’eros stesso viene brutalizzato e aperto a riflessioni più profonde. Ferite da rimarginare e orgasmi da raggiungere, in un mix al sangue dove carne e fluidi trovano ideale unione, fino a quell’epilogo che aggiunge ulteriore ambiguità, sorta di exploit purificatore dai mali del mondo.

Presentato come film d’apertura di Un Certain Regard al Festival di Cannes 2026, Camp Miasma – Adolescenza, sesso e morte è un omaggio che non vive solo di nostalgia, ma si arricchisce di una personalità distinta che dà vita a scene madri potenti, con paesaggi suggestivi che giocano sul confine tra vero e falso e uno sguardo visionario che riesce a farsi al contempo citazione e aggiornamento, dicendo molto sul rapporto tra lo spettatore e il cinema, tra chi guarda e chi viene guardato, sull’occhio voyeuristico e sulla fama effimera.

Conclusioni finali

Rivisitare l’immaginario slasher per dare vita a un ibrido contenitore, opera metacinematografica che si carica di continue suggestioni, sfruttando l’horror come veicolo per dire altro, vomitando riflessioni sulla sessualità e sull’identità di genere con sensibilità e furore, tra erotismo e violenza orgogliosamente splatter.

In Camp Miasma – Adolescenza, sesso e morte troviamo anche un film nel film che dice molto su quanto la regista Jane Schoenbrun intendesse raccontare, riflettendo sul rapporto tra immagini e pubblico. Due protagoniste straordinarie nel dar vita a un legame che da professionale diventa sempre più un’intima indagine sulla transizione, su ciò che lo spettatore si aspetta e su come lo schermo sia pronto a darglielo, in un gioco di specchi crudo e straniante, dove tensione e (macabra) ironia sono al servizio di una sofisticata e serissima parodia.

In un’America distopica, dominata da un regime autoritario, il governo organizza ogni anno la cosiddetta Lunga Marcia, una competizione alla quale partecipano una cinquantina di giovani, ognuno proveniente dai vari Stati dell’Unione. La regola per quella competizione, trasmessa in diretta televisiva e seguita da milioni di spettatori, è tanto semplice quanto spietata: bisogna continuare a camminare per centinaia di miglia senza scendere mai al di sotto della velocità minima di tre miglia orarie.

Come scopriranno ben presto gli spettatori di The Long Walk, chi rallenta riceve inizialmente un avvertimento e pochi secondi per riprendere il ritmo. Alla terza segnalazione, o qualora si decida di abbandonare il percorso, si viene uccisi senza pietà dai militari che scortano la comitiva. Soltanto chi arriva fino in fondo ancora in piedi ottiene un’immensa somma di denaro e può esprimere un desiderio, qualunque esso sia. Rar Garraty, diciassettenne del Maine, è entrato in gara con uno scopo ben preciso, ma non sarà semplice raggiungere il traguardo.

The Long Walk: fino all’ultimo passo – recensione

Cinquanta ragazzi poco più che adolescenti in cammino, una strada apparentemente infinita che si staglia davanti a loro, immersa in quell’America rurale dove le cittadine si contano sulle dita di una mano e lì, in mezzo al nulla, il massacro può essere compiuto senza scomodi occhi indiscreti. Un massacro legalizzato, figlio di un’idea mostruosa che prende a piene mani dalla letteratura distopica e in questo caso dal maestro del brivido Stephen King.

The Long Walk è infatti l’adattamento del romanzo del re del brivido, una delle prime opere da lui pubblicata nel 1979 lo pseudonimo di Richard Bachman. Una materia narrativa ricca di sfumature che avrebbe forse meritato un regista migliore di Francis Lawrence, colpevole di aver già rovinato un libro cult della sci-fi come Io sono leggenda (2007), e che qui si limita al minimo sindacale, realizzando un compitino che convince più per la storia raccontata che per come è poi stata effettivamente messa in scena.

Ne resterà soltanto uno?

Una storia di sopravvivenza che prova a scavare nel cuore e nei pensieri di questi giovani personaggi che sono in cerca della gloria o della ricchezza – o di altro ancora – ma vanno progressivamente incontro a una morte implacabile, con i soldati che li scortano per quell’asfalto infinito soltanto allo scopo di eliminarli l’uno dopo l’altro al primo momento di debolezza. Normale che in un tale contesto la tensione tocchi a tratti picchi notevoli, complice anche un cast eterogeneo capitanato dal figlio d’arte Cooper Alexander Hoffman, che si sta costruendo una notevole carriera sulle orme di cotanto, compianto, padre Philip Seymour Hoffman.

Il periodo storico nel quale è ambientato The Long Walk resta volutamente imprecisato, con alcuni dettagli che suggeriscono un passato alternativo – non troviamo smartphone di sorta e l’abbigliamento è volutamente non chiarificatore – e anche il breve background è poco interessato a spiegare la società che ha generato quella follia. La sceneggiatura e la storia alla base sono unicamente intente a osservare degli esseri umani costretti a camminare verso il proprio trapasso, consapevoli che soltanto uno potrà farcela.

Un’operazione a tratti accattivante che però paga gioco-forza una certa monotonia, per cento minuti di visione che riescono in ogni caso a trasmettere una sincera inquietudine e si fanno specchi più o meno paradossali del mondo contemporaneo, popolato da spauracchi che corrono e corrono, senza sapere verso quale meta.

Conclusioni finali

La violenza arriva brutale e inaspettata, quando quella marcia infinita diventa crudo e spoglio corteo funebre per la maggior parte dei partecipanti, giovani mossi dalla brama o dalla vendetta in una gara che non potrà che lasciare solo perdenti. Il villain di un irriconoscibile Mark Hamill è la pura, agghiacciante caricatura di tanti dittatori contemporanei – dichiarati o meno – in un’operazione che spaventa più per quello che dice rispetto al come.

Francis Lawrence si affida a un impianto relativamente schematico, con l’ingranaggio che procede senza particolari deviazioni, trovando intensità nelle riuscite performance del cast e in quella tensione sotterranea che non abbandona mai quella camminata apparentemente infinita. La distopia funziona, anche se avrebbe forse meritato uno sguardo ancor più consapevole e meno assoggettato a certe logiche mainstream.

La diciottenne Alma Lancaster proviene da una famiglia di nobili origini e suo padre Édouard vorrebbe che dopo aver completato gli studi di legge rilevasse il prestigioso studio di proprietà. Purtroppo per lui la ragazza ha altre aspirazioni e sogna di fare cinema, al punto che si iscrive al relativo corso universitario. Proprio in questo modo incontra Vadim Arcadi, un ragazzo di poco più grande e dall’indole ribelle: i due sono stati assegnati a un compito comune dal loro insegnante e posso così conoscersi meglio.

Nonostante le evidenti differenze, tra i protagonisti di Io+Te – Soli contro tutti si sviluppa una chimica sempre maggiore, anche se le voci sulla doppia vita criminale di Vadim rischiano di incrinare la fiducia che lei aveva riposto nei suoi confronti. Peccato che Alma sia già fidanzata e lui sia effettivamente invischiato in loschi giri, dinamiche che complicano inevitabilmente la nascente relazione tra loro, rischiando di condurre a conseguenze potenzialmente irreparabili.

Io+Te: insieme contro ogni logica – recensione

Una ragazza di buona famiglia che si innamora del classico bad boy, nascondendo il tutto ai genitori: una storia già ampiamente vista e rivista, che viene qui declinata senza particolari variazioni di sorta. Alla base di Io+Te – Soli contro tutti vi è come spesso accade un romanzo, lo young-adult pubblicato da Emma Green – pseudonimo dietro il quale si nascondono in realtà due scrittrici francesi.

L’ora e mezza di visione vorrebbe essere al contempo una love-story, un racconto di formazione sentimentale e in minima parte un crime-thriller, ma fallisce clamorosamente su pressoché ogni fronte, limitandosi a un inerme copia-incolla di situazioni ormai abusate nelle dinamiche del filone. Gli opposti che si attraggono sono al centro di una confezione patinata e priva di tensione e di chimica, con i due protagonisti che si rivelano inadatti a ruoli di primo piano. Vittoria Di Savoia, erede al suo debutto davanti alla macchina da presa, e Lucas Barski sono infatti ancora acerbi per reggere il peso melodrammatico di una vicenda già a corto di personalità nelle pagine scritte.

Vorrei ma non posso

Anche laddove i due sembrano voler tentare di trasmettere qualcosa ai relativi personaggi, la sceneggiatura non offre loro materiale sufficiente per costruire una relazione credibile. I dialoghi didascalici, i colpi di scena telefonati e una caratterizzazione del contorno che sfiora la parodia rendono Io+Te – Soli contro tutti una fiera delle banalità in piena regola. Tutto viene introdotto velocemente, rimarcato almeno un paio di volte e poi rapidamente abbandonato per passare al successivo stereotipo, all’insegna di un meccanismo prevedibile e ripetitivo, che nell’epilogo si apre ovviamente a una telefonatissima continuazione.

Paradossale che il cinema, comune passione dei due amanti, venga continuamente evocato quale veicolo di libertà e creatività quando poi il film stesso si affida ad una messa scena stanca e anonima, mai capace di suscitare quel minimo di emozione richiesto. La regia di Manon Gaurin, attrice al suo esordio in un lungometraggio in tali vesti, è inutilmente manierata e non offre nemmeno qualche scorcio suggestivo a cercare di rendere palpabile almeno il contesto, che va di così di pari passo con la banalità dell’assunto.

Conclusioni finali

Un film romantico senz’anima, che si smarrisce in cliché assortiti e non riesce a rendere mai credibile la nascente storia d’amore tra i suoi protagonisti. Lei di famiglia ricca, lui cresciuto nei bassifondi e invischiato in giri criminali: non poteva che essere colpo di fulmine – più o meno immediato poco importa – secondo le controverse logiche del moderno young adult.

Adattamento dell’omonimo romanzo, Io+Te – Soli contro tutti si presenta come primo capitolo di una saga dove probabilmente il peggio deve ancora arrivare, dato quell’epilogo aperto che promette un futuro, forzato, ricongiungimento. In quest’ora e mezza di visione, un copione prevedibile e un cast anonimo, nel quale si segnala l’esordio di Vittoria Di Savoia nel ruolo principale, danno vita a una love-story a corto di emozioni.

Campus Drivers, la prima serie Prime Original francese Young Adult, arriva sulla piattaforma dal 6 novembre. Composta da sei episodi, è tratta dai romanzi bestseller di C.S Quill, pubblicati in Italia dalla casa editrice Il Castoro, che hanno venduto quasi un milione di copie in Francia. Ecco tutto quello che c’è da sapere su questo nuovo titolo.

Campus Drivers: trama e cast della nuova serie Young Adult di Prime Video

Non manca molto all’arrivo di Campus Drivers su Prime Video. Dopo l’uscita del film Io+Te – Soli contro tutti del 18 settembre, ma anche sulla scia del successo internazionale della trilogia Culpables, di Maxton Hall – Il mondo tra di noi e, più recentemente, di Off Campus e Sterling Point – L’isola dei segreti, è evidente sempre di più la volontà di Prime Video di porsi come piattaforma di riferimento per il pubblico Young Adult e amante del romance.

La storia di Campus Drivers segue Lois, una ragazza che sembra avere tutto dalla vita. È inoltre appena stata ammessa alla prestigiosa Belrose University insieme a Max, il suo fidanzato, che ama da sempre. Lane, invece, vive secondo le sue regole. È il creatore di Campus Drivers, l’app più in voga del campus, ha un sorriso irresistibile ed è incapace di impegnarsi in una relazione. Anche se le loro strade non sembravano destinate ad incontrarsi, una notte tutto cambia. Lois, con il cuore spezzato, si presenta alla porta di Lane, e inizia una convivenza inaspettata. Così diversi eppure così affascinati l’uno dall’altra, iniziano a un’attrazione impossibile da ignorare. Ma alcuni incontri sono destinati a cambiare tutto, persino a riaprire ferite che sembravano ormai sepolte. E coì, anche le certezze più solide iniziano ad andare in frantumi.

Il cast vede come protagonisti Carmen Kassovitz nei panni di Lois e Baptiste Masseline in quelli di Lane. Ma sono presenti anche Madior Fall, Esteban Vial, Felix Nebel, Enzo Lorente, Paolo Luka-Noé, Eloïse Rey, Louna Balavoine e Cassandra Cano. Creata da Thomas Boullé, la serie è scritta e diretta da Tom Goris e Vianney Lebasque, ed è prodotta da Campus Entertainment, una società di Empreinte Digitale.

Hank Malon, reduce da una profonda tragedia familiare, vive a Brisbane, in Australia, dove si guadagna da vivere come corriere, disposto a trasportare praticamente qualsiasi cosa per conto di Iggy, il suo misterioso referente. Il protagonista di The Rush – Corsa contro il tempo ha un passato come Navy SEAL e si porta dietro non soltanto i traumi della guerra, ma anche la dolorosa perdita della figlioletta Isabelle, morta di leucemia.

Poco dopo l’inizio del film lo vediamo alle prese con il suo ultimo incarico, che prevede di scortare il medico Ben Wilson, che viaggia con un fegato destinato a una bambina di sette anni e conservato in un dispositivo termico ad alta sicurezza. L’organo deve arrivare in tempo utile all’ospedale per il relativo trapianto, ma la situazione si complica quando sulle loro tracce si mette nientemeno che il cartello colombiano guidato da Damián Zaldívar, interessato a mettere le mani su quel materiale organico ad ogni costo. Hank dovrà così fare affidamento sulle sue capacità di combattimento per completare la missione e fare al contempo pace con i propri demoni.

The Rush: a tutto gas – recensione

Ormai Alan Ritchson è un volto noto agli amanti del cinema action e dopo il grande successo ottenuto con la serie Reacher – con ogni stagione che riscuote record di visualizzazioni – sbarca nuovamente nel catalogo di Amazon Prime Video con questo The Rush – Corsa contro il tempo. Fisico massiccio, l’attore è il classico “gigante buono” pronto a fare la cosa giusta nella difesa dei più deboli e anche qui si prende particolarmente a cuore il caso della piccola in attesa dell’intervento, anche perché gli ricorda la figlia scomparsa.

A fargli compagnia Owen Wilson, con la narrazione che cerca di sfruttarne la verve comica per abbinarla al magnetismo atletico del compagno di set, sfruttando così le classiche dinamiche da buddy-movie. Il risultato è una scorribanda caotica, tra inseguimenti, sparatorie e combattimenti corpo a corpo, che si tinge qua e là di inaspettate svolte drammatiche in un’ora e mezza di visione relativamente essenziale.

Un film a corto di sorprese

Dietro la macchina da presa troviamo Scott Waugh, ex stuntman diventato regista che da Need for speed (2014) a I mercenari 4 – Expendables (2023) ha avuto una carriera discendente e anche qui conferma tutti i limiti del suo cinema. Cinema che funziona più nelle fasi a quattro ruote e si rivela invece maggiormente derivativo quando si ha da menare le mani, con la resa dei conti tra le mura dell’ospedale che assume risvolti involontariamente ridicoli. Certo fin dalla caratterizzazione assai caricaturale del villain di Rodrigo Santoro, cattivo più che mai, The Rush – Corsa contro il tempo dava l’impressione di non prendersi troppo sul serio, ma non trova mai il giusto equilibrio per giocare sull’anima pulp senza scadere in eccessi gratuiti.

La vicenda corre talmente veloce che non offre il tempo necessario per approfondire i propri personaggi, con molte sottotrame lasciate all’immaginazione dello spettatore in un impianto generico che procede dal punto A al punto B senza particolari deviazioni di sorta. Viene difficile da credere che suddetto script sia entrato nella Black List 2023, ovvero la lista delle sceneggiature non ancora prodotte più apprezzate dagli addetti ai lavori di Hollywood, segnale che ormai l’originalità è davvero difficile da rintracciare nelle produzioni mainstream anglofone.

Conclusioni finali

Due protagonisti complementari che uniscono le forze per salvare una bambina in attesa di un trapianto. Il gigante dal cuore d’oro Alan Ritchson e la lingua tagliente di Owen Wilson impegnati in quella che il titolo italiano The Rush – Corsa contro il tempo cita già esplicitamente, seguendo le tipiche dinamiche da action buddy movie.

Se alcune sequenze, soprattutto quelle al volante, possiedono una discreta componente adrenalinica, a mancare è soprattutto un’idea di sceneggiatura, che si rivela disomogenea e carica di gratuiti colpi di scena, fino a quell’epilogo che tutto è fuorché una sorpresa. Un intrattenimento usa e getta che scorre veloce, ma si dimentica altrettanto in fretta.

Il catalogo di Ottobre su Prime Video è pronto ad arricchirsi. Tra nuovi film come Masterplan, con Stanley Tucci, Simona Tabasco e Victor Belmondo nei panni di tre ladri, ma anche serie tv tra cui Ingorgo, anche questo mese le novità sembrano molto interessanti. Di seguito, vi elenchiamo alcune delle più attese in uscita prossimamente.

Prime Video: i titoli più attesi di Ottobre 2026

Le novità partono il 2 ottobre con Ingorgo, nuova serie tv comedy italiana. Composto da sei episodi, questo titolo parte da un enorme ingorgo che sconvolge i piani di migliaia di automobilisti. Tra situazioni paradossali ed esasperate, emergeranno anche dei punti di convergenza tra personaggi diversissimi tra loro. Del cast fanno parte Ninni Bruschetta, Selene Caramazza, Antonio Catania, Mario Ermito, Donatella Finocchiaro, Stefano Fresi, Matilde Gioli, Corrado Guzzanti, Alessandra Mastronardi, Lucia Ocone, Francesco Pannofino, Ilenia Pastorelli, Valentina Romani, Gian Marco Tognazzi.

Il 6 ottobre invece approda sulla piattaforma in esclusiva Tintoria Prime, 4 nuove puntate inedite di Tintoria, il podcast di successo condotto da Daniele Tinti e Stefano Rapone, co-prodotto da The Comedy Club e per l’occasione in associazione con The Jackal. L’ospite della prima puntata è Sabrina Impacciatore poi, di mese in mese, ci saranno altre 3 puntate che ospiteranno amatissimi volti del mondo dello spettacolo e non solo. Su Prime Video saranno inoltre disponibili 50 tra gli episodi più amati di Tintoria.

Dal 7 ottobre invece arriva una delle serie tv più attese di questo mese: Carrie. Rivisitazione contemporanea del romanzo di Stephen King, la trama ruota intorno all’adolescente emarginata Carrie. La ragazza ha trascorso tutta la sua vita rinchiusa tra le mura di casa insieme alla madre Margaret, estremamente protettiva. Catapultata nell’universo di un liceo pubblico, tra pressione costante e la crudeltà dell’era dei social media, Carrie scopre anche misteriosi poteri telecinetici. Questa rivelazione è destinata a cambiare per sempre la sua vita.

Passando ai film, invece, dal 16 ottobre sarà disponibile Masterplan. Con Stanley Tucci, Simona Tabasco e Victor Belmondo, la storia segue un ladro che decide di reclutare Chiara, un’abile esperta italiana di crimini informatici, e Jay, uno specialista francese di esplosivi dall’ego smisurato. Il trio ha un unico obiettivo: rubare la Gioconda. Solo in seguito, il ladro rivela loro che sono in realtà fratelli perduti da tempo e che lui è il loro padre. In questa reunion familiare caotica, i tre dovranno imparare a lavorare insieme, cercando di non uccidersi a vicenda.

Infine, dal 23 ottobre arriva LOL Halloween Special. Questo speciale di LOL: Chi ride è fuori vede sei dei protagonisti delle edizioni precedenti dello show, che rivivranno l’esperienza del comedy-show in un’atmosfera da brividi. Maccio Capatonda, Katia Follesa, Lucia Ocone, Herbert Ballerina, Brenda Lodigiani e Andrea Pisani, si sfideranno infatti per quattro ore consecutive. I concorrenti dovranno non solo rimanere seri, ma anche non spaventarsi.

Il regista di un horror cult del calibro di If follows (2014) – del quale attendiamo il seguito They Follow, le cui riprese si sono concluse proprio in questi giorni – alle prese con una storia fantascientifica che tira in ballo i dinosauri. Un sogno a occhi aperti per molti, per quello che si è rivelato uno dei titoli più atipici degli scorsi mesi, tanto affascinante quanto imperfetto.

Rispetto ai precedenti lavori, e sotto l’egida produttiva di J.J. Abrams, il regista David Robert Mitchell si è approcciato a una premessa da gigantesco film d’intrattenimento, destinato anche al grande pubblico. La trama è semplice ma carica di potenzialità, con l’ambientazione anni Ottanta, la classica zona residenziale americana e animali preistorici che invadono quei quieti sobborghi. La fine di Oak Street si fa forza proprio sulla sua stranezza, riuscendo a trovare spunti originali anche quando la sua stramberia rischia di eccedere oltre misura.

La fine di Oak Street: senza via d’uscita – recensione

La storia ha inizio nel 1982, nell’omonimo quartiere residenziale di Flowervale, Michigan. Schiere di dimore unifamiliari, abitate da famiglie apparentemente tranquille che condividono la loro quotidianità. Tra queste vi è quella formata da Denise e Greg Platt, sposati da vent’anni e genitori dei preadolescenti Audrey e Brian. I coniugi stanno attraversando un periodo di crisi, anche se cercano in ogni modo di tenere insieme il loro matrimonio per il bene dei figli.

La situazione prende una piega del tutto imprevedibile quando iniziano a verificarsi dei fenomeni inspiegabili. In un giardino cresce improvvisamente una pianta estinta da milioni di anni, in un altro compaiono degli escrementi giganti e via dicendo. Una notte salta l’elettricità in tutto il vicinato e il mattino dopo il guasto non è ancora stato sistemato; mentre Denise e Greg escono per cercare il cane Starbuck, scomparso nel nulla, scoprono come l’intera zona sia ora popolata da dinosauri in cerca di cibo. E i residenti di Oak Street sembrano destinati a far parte del loro menù!

Jurassic Terror

L’apocalisse preistorica, la cui genesi è spiegata tramite una teoria scientifica poco verosimile, funge principalmente come detonatore di problemi familiari che esistevano ben prima dell’arrivo di quei voraci, insaziabili, predatori. E in questo La fine di Oak Street convince a più riprese, arrivando a una decostruzione della provincia americana, raccontata come un qualcosa di fragile e potenzialmente illusorio: l’american dream si trasforma così in un incubo e la sicurezza della classe media deve fare i conti con una minaccia insondabile, proveniente dalle fantasie più spaventose.

Un film che come detto evidenzia la sua atmosfera eighties, dalle corse in bicicletta dei ragazzini alle enciclopedie vecchia scuola, con l’assenza di cellulari o dispositivi moderni quale ulteriore handicap alla lotta per la sopravvivenza da parte dei protagonisti. Protagonisti che possono contare sulle divertite performance di Ewan McGregor e Anne Hathaway, che sembrano essersi divertiti parecchio in quello che a conti fatti rimane un giocattolone.

Giocattolone che non manca di sorprendere in diversi passaggi, con un improvviso scatto di violenza e tensione che riguarda il destino di uno dei personaggi, del tutto spiazzante, fino a quell’epilogo più rassicurante che assume un tono ironicamente beffardo, quasi di consapevolezza che certe regole possono essere infrante ma solo se poi sistemate a fin di bene.

Gli ottimi effetti speciali, il ritmo incalzante e una buona gestione di quelle ambientazioni che diventano, paradossalmente, sempre più claustrofobiche garantiscono cento minuti di gradevole intrattenimento, che dietro la sua patina commerciale nasconde sfumature più sottili del previsto, per quanto non sempre espresse al meglio.

Conclusioni finali

Orde di dinosauri che azzannano, metaforicamente e non, la classe media americana. Immerso in un contesto anni Ottanta ormai di diritto nell’immaginario cinefilo, La fine di Oak Street è un film che dietro l’anima giocosa nasconde risvolti sottilmente inquietanti, come sottolineato anche da quella svolta brutale e inaspettata nell’ultima mezz’ora.

David Robert Mitchell non va per il sottile in una confezione da medio blockbuster che può contare su solidi effetti speciali e un cast più che adatto ai rispettivi ruoli, con le dinamiche da survival-movie che seguono linee guida relativamente classiche salvo poi sovvertirle in momenti topici, fino a quell’epilogo parzialmente rassicurante. Tra nostalgia e paradossi, un divertissement imperfetto ma carico di spunti, la maggior parte non chiaramente esplicitati.

Olive Smith è una giovane dottoranda di Stanford che si impegna molto nella ricerca sul cancro, al punto da tralasciare complicazioni sentimentali. Quando scopre che Jeremy, il ragazzo per cui ha una cotta mai dichiarata, ha chiesto alla sua migliore amica Ahn di uscire con lui, decide di fingere di essere già fidanzata per non causarle dei sensi di colpa. La scelta ricade casualmente su Adam Carlsen, un affascinante professore che bacia di impeto per provare quella finta relazione.

Ma in The Love Hypothesis: Il teorema dell’amore è quasi scontato che ciò nasce per finta sia destinato a trasformarsi in qualcosa di vero. Inizialmente l’uomo accetta di stare al gioco, anche per risolvere una complicazione professionale non da poco, e così i due cominciano a uscire insieme come se fossero una vera coppia. Passando ore e ore fianco a fianco, per Olive e Adam non potrà che essere amore.

The Love Hypothesis: dalla carta allo schermo – recensione

Dal bestseller di Ali Hazelwood, nato originariamente come fanfiction di Star Wars – sì, a volte le vie della letteratura commerciale sono davvero infinite – ecco un adattamento che rispecchia pienamente la formula dei successi streaming contemporanei, con Amazon Prime Video che non si è fatto sfuggire l’occasione. Ci troviamo infatti davanti a una commedia romantica di routine, che intende riciclare l’appeal che le rom-com d’ambientazione universitaria da sempre hanno su quel corposo target di riferimento.

The Love Hypothesis – Il teorema dell’amore riprende una delle formule più abusate del genere, ovvero quella del finto appuntamento di convenienza destinato a trasformarsi in qualcosa di autentico. Una premessa che avrebbe diverse carte in regola per funzionare, e almeno dal punto di vista delle visualizzazioni l’impresa sembra riuscita, come conferma la cima della top 10 raggiunta nel momento in cui scriviamo. Ma che dal punto di vista critico non possiamo che analizzare in maniera ben meno accondiscendente…

Un film che non conquista

Nonostante una Lili Reinhart che si cala idealmente nel ruolo, la sceneggiatura finisce infatti per incastrarsi eccessivamente nei propri cliché e, cosa forse ancor più grave, non è palpabile nessuna alchimia tra l’attrice e la sua co-star, un quanto mai bolso Tom Bateman. Anzi, le scene romantiche che li vedono protagonisti scadono spesso nell’imbarazzo e nel ridicolo involontario, non rendendo per niente credibile quel legame in divenire.

Allo stesso modo le ricerche sul cancro condotte da Olive cercano di aggiungere un pizzico di verve melodrammatica, ma risultano per lo più gratuite e atte unicamente a inscenare quella tensione finale, che tra ricatti di terzi, non detti dolorosi e rivelazioni last-minute prova a incrinare almeno parzialmente il sentiero conducente all’epilogo che tutti si attendono. E quegli istinti da potenziale satira degli ambienti accademici rimangono inesplorati, tra figure secondarie poco caratterizzate e un generale senso di anonimato, pensato per lasciare le luci della ribalta a questa coppia improbabile, che quando anche si innamora davvero sembra sempre fasulla.

Conclusioni finali

Gli ingredienti erano pure quelli giusti, ma la ricetta con cui sono stati messi assieme risulta fin troppo telefonata per riuscire a regalare emozioni o sorprese di sorta a un pubblico che ha già visto innumerevoli volte una storia di questo tipo. E se i protagonisti mancano di chimica, il risultato non può che essere ulteriormente acerbo.

The Love Hypothesis: Il teorema dell’amore gioca coi cliché, tra sottotrame abbozzate e una messa in scena anonima, accontentandosi della propria forzata premessa per raccontare la love-story tra un affascinante professore, imbranato in amore, e una giovane dottoranda di spiccata intelligenza che non dimostra pari acume nelle questioni di cuore.

Meral, conosciuta con il nome d’arte di Delizia Turca, è la star più importante del Sultana, esclusivo night club di Istanbul del quale è ormai una vera e propria celebrità. Lavora lì da molti anni, è la leader del gruppo di ballerine / stripper e conosce assai bene le regole non scritte di quel microcosmo in bilico tra legalità e criminalità. Lei è la stella, amata dagli uomini e irraggiungibile, ma tutto potrebbe ora cambiare.

La protagonista sa bene che il tempo passa e prima o poi arriverà qualcuna più giovane e affascinante, destinata a prenderne il posto. Consapevolezza che si insinua ulteriormente dopo che Anna, una ragazza di origini bielorusse, viene assunta nel locale e sin da subito colpisce tutti per la sua bellezza innocente. Meral decide di prenderla sotto la propria ala e di insegnarle i segreti del mestiere, ignara di come quel rapporto segnerà le esistenze di entrambe.

Sultana, di nome e di fatto – recensione

Sin dal prologo con la musica e il fisico slanciato di Tuba Büyüküstün che si esibisce in spettacolari e voluttuosi numeri di lap dance, il film turco mette in chiaro la sua impronta narrativa, sulla quale si focalizzerà poi tutto il resto. L’anima melodrammatica tipica delle produzioni provenienti da suddetti lidi galoppa velocemente nel racconto, con traumi di piccola o maggior entità a far capolino in questo amaro ritratto femminile ai margini della società.

Il regista Ali Kemal Güven rende il night club non soltanto l’ambientazione principale, ma una sorta di palcoscenico pulsante e quasi vivo, un luogo dove le luci stroboscopiche, i costumi attillati e la musica sono sfondo ideale per questa danza di anime e corpi. Sultana è una favola adulta – e a tal riguardo il sogno/incubo a tema Biancaneve è alquanto esplicativo – nel quale la ricerca di riscatto o di indipendenza va incontro a logiche brutali, con il lieto fine che non è affatto assicurato per le varie figure femminili in gioco.

L’occhio vuole la sua parte

In una sorta di parallelismo non forzatamente voluto, l’estetica supera la sostanza, con la bellezza delle immagini e la sinuosità delle esibizioni che non trovano adeguato supporto da una sceneggiatura che sembra limitarsi a uno stanco riciclo di situazioni più o meno strappalacrime. I sussulti di denuncia sociale che fanno pur capolino qua e là si risolvono in soluzioni improbabili, e lo stesso legame tra i due personaggi principali, modellato sul canonico legame tra “allieva e maestra”, finisce ben presto per cedere a diverse inverosimiglianze.

Sultana tende a rendere eccessivamente esplicito ciò che sarebbe stato più interessante suggerire, con i dialoghi che dicono anche troppo e la caratterizzazione dell’universo maschile figlia di stereotipi, positivi o negativi che siano: dal cliente che si innamora al magnaccia spietato e così via, gli uomini fanno una serie di “figuracce” assortite.

Il racconto mette sul tavolo il tema della rivalità in un contesto dominato dal malaffare e dalla violenza, affidandosi ad un accumulo di situazioni scomode che a un certo punto finisce per annoiare, con le due ore di visione che appaiono ingiustificate per una trama principale che si era esaurita assai già molto tempo prima.

Conclusioni finali

Un melodramma a sfondo sexy che racconta le vite di alcune ballerine di lap dance di Istanbul, che lavorano al Sultana, il locale che dà il titolo al film. Una veterana e una giovane promessa cercano di trovare il proprio posto nel mondo, un mondo dominato da tossicità e violenza dove le vie d’uscita sono ridotte al lumicino.

La sceneggiatura accatasta idee alla rinfusa, spingendo a più riprese sull’eccesso tragico, nella rappresentazione di quest’universo femminile ingabbiato da una realtà di maschi padroni. Se dal punto di vista estetico offre qualche passaggio accattivante, con i numeri sul palco ben realizzati, sul piano narrativo si smarrisce invece nell’addensarsi di sventure.