Paramount+ Serie TV e Film: le migliori serie tv e i migliori film da vedere

Invasione Domestica – Romanzo senza Titolo, una commedia nera senza guizzi – Recensione

Maurizio Encari — Fri, 18 Sep 2026 19:00:47 +0000

I più lo ricorderanno per aver prestato il volto al protagonista di American Pie, saga generazionale che ha cresciuto il pubblico a cavallo del nuovo millennio, tra prime cotte e lo sdoganamento del sesso nella sua forma più ilare e divertita. Jason Biggs non ha però proseguito con altrettante fortune la sua carriera, alternandosi tra grande e piccolo schermo – dove è da segnalare il suo ruolo ricorrente nella serie cult Orange Is the New Black.

All’età di quarantasette anni l’attore ha deciso di cimentarsi anche dietro la macchina da presa, con Invasione Domestica – Romanzo senza titolo a rappresentare per l’appunto il suo debutto da regista. Un film che cerca di trovare una propria voce ma non fa altro che limitarsi a una stanca riproposizione di topoi più o meno abusati, come scopriremo nel corso di quest’articolo.

Invasione Domestica: di amore e di follia – recensione

La trama vede per protagonisti Kevin Stanwell e sua moglie Suzie, il cui rapporto è ormai in crisi da diverso tempo. Lui è un attore in crisi, conosciuto soprattutto alcuni spot pubblicitari, che intende salvare a tutti i costi il loro matrimonio, al momento in una fase delicatissima dopo due mesi di separazione: decide di organizzare un romantico soggiorno presso la tranquilla comunità lacustre dove lei è cresciuta, con un piano ad hoc per cercare di riconquistarla.

Con l’aiuto dell’amico Ernie, conosciuto a un corso di recitazione, intende infatti mettere in scena una finta rapina in casa per poter intervenire al momento giusto e apparire come un eroe di fronte alla moglie presumibilmente terrorizzata. Peccato che un imprevisto e un relativo incidente stradale ritardi il suo ritorno a casa e la donna si ritrovi da sola ad avere a che fare con il finto criminale, finendo per ucciderlo in un gesto di legittima difesa. Come ovvio che sia, la situazione prenderà una piega sempre più tragicomica…

Essere o non essere

Il tono è quello da classica commedia nera di provincia, ma non sempre il film trova il giusto ritmo e l’ispirazione necessaria a rendere un costrutto narrativo relativamente scontato in qualcosa di originale. Invasione Domestica – Romanzo senza Titolo si perde nelle proprie, evidenti, ambizioni, con gli ottanta minuti di visione che si limitano a uno stanco riciclo di cliché; affidandosi per di più a forzati flashback per giustificare i caratteri dei personaggi principali. Tra chi non vuol vedere e chi non ha il coraggio di affrontare il peso, pur drammatico, dei propri sbagli, la sceneggiatura procede a tentoni fino a un epilogo meno soddisfacente del previsto.

Un’operazione che promette più di quanto mantiene, salvo lasciarsi andare in cadute di tono e stile più o meno evidenti. Equivoci e tensione cercano di ballare su un equilibrio precario, e pur con alcuni passaggi discretamente divertenti l’impressione è quella di assistere una farsa innocua, priva di sostanza e incapace di sfruttare la pur esistente verve comica dei protagonisti.

E nel cast più che lo stesso Biggs nel ruolo di uno sballottato Kevin a convincere è una scatenata Meaghan Rath, attrice canadese vista nelle serie Being Human e Hawaii Five-0, ambigua quanto basta per cercare di smuovere un po’ la altrimenti telefonata narrazione.

Conclusioni finali

Una coppia in crisi e una finta rapina per cercare di salvare quel matrimonio ormai agli sgoccioli innescano il sottotesto crime di una commedia nera che aveva pur qualche potenzialità, rimasta inespressa in una successione di eventi per gran parte prevedibili.

L’esordio alla regia di Jason Biggs è carico più di incognite che di certezze, sprecando discreti spunti in una confezione troppo breve e leggera che si affida a soluzioni poco armoniose nel procedere del racconto. Invasione Domestica – Romanzo senza Titolo, un titolo italiano tradotto automaticamente che non coglie le sfumature dell’originale, resta così un prodotto incompiuto, avaro di risate e suspense nella sua girandola di litigi e morti ammazzati.

One Mile: Chapter Two, un sequel superfluo – Recensione

Maurizio Encari — Sun, 30 Aug 2026 08:19:29 +0000

Ovvia premessa in apertura di articolo, chi non avesse ancora visto il primo episodio – di cui vi abbiamo parlato nella recensione di One Mile: Chapter One – farebbe meglio a non leggere quanto segue, in quanto ci troveremo ad affrontare gli eventi accaduti nel predecessore.

Predecessore che come vi avevamo premesso spalancava le porte a questo sequel realizzato back-to-back, mostrando come il villain fosse sopravvissuto e pronto a minacciare nuovamente la famiglia di Danny Beckett, ex militare pronto a tutto pur di salvare la sua famiglia. Quando la figlia Alex, ora al college, viene nuovamente rapita dal vendicativo Stanley Dixon e condotta sull’isola / comunità, toccherà allo stoico protagonista avventurarsi in una nuova, pericolosa, missione di recupero.

One Mile: miglio dopo miglio – recensione

L’originale era un titolo che poteva nascere e morire a sé stante, senza che quel forzato epilogo negasse di fatto alla sceneggiatura la sua natura autoconclusiva. E non a caso questa continuazione non è altro che un’anonima reiterazione di quanto già visto, con l’inverosimiglianza che fa ben presto capolino più che in passato. Perché in quest’occasione Danny non contatta le forze dell’ordine? Come fa l’antagonista a commettere ancora una volta i medesimi errori? Perché alcuni personaggi spawnano all’improvviso per complicare ulteriormente le cose?

Qui la narrazione chiede troppo e non offre risposte adeguate alle svolte e ai colpi di scena, lasciando che le stesse sequenze d’azione risultino prevedibili e scontate, con tanto di improbabile resa dei conti che mette a nudo le falle di una comunità chiusa, obnubilata dalle parole / leggi di un leader ormai sempre più fuori controllo e involontariamente caricaturale.

Come prima, meno di prima

One Mile: Chapter Two può tranquillamente essere definito come la seconda parte di una storia che non aveva bisogno di una seconda parte. Avanti e indietro, rivisitando i luoghi che avevano già fatto da spoglia ambientazione, in un congegno che gioco-forza ha ormai esaurito l’effetto sorpresa e si affida a soluzioni abusate. Ma la sana, ruvida, violenza del primo episodio è pressoché assente e anche le performance di Ryan Phillippe e C. Thomas Howell appaiono meno convincenti.

Il contesto rimane uno degli elementi più problematici. Nel primo film mistero che aleggiava dietro quest’isola fuori dal mondo, dove una sorta di moderna setta praticava il proprio credo, racchiudeva in sé diverse potenzialità, che qui restano totalmente inespresse. I vari membri che la abitano sono infatti dei manichini pressoché impalpabili e non basta il ripensamento del braccio destro del cattivo a giustificare il cieco seguito da parte di intere famiglie a logiche così assurde e inumane.

Il regista Adam Davidson pare conscio di avere in quest’occasione materiale più debole a disposizione e decide così di accelerare il ritmo, sacrificando però di rimando la tensione e la coerenza, con gli ottantaquattro minuti di visione che si esauriscono sì velocemente ma si dimenticano altrettanto in fretta.

Conclusioni finali

La caccia è riaperta in un sequel più superfluo che necessario, nel quale il malcapitato protagonista si trova a tornare nei luoghi del primo capitolo per salvare la figlia, nuovamente rapita dal redivivo villain, che già sapevamo essere sopravvissuto da quanto mostrato nell’epilogo del precedente episodio.

Ryan Phillippe continua a essere relativamente credibile nel ruolo di un eroe d’azione sui generis, ma la sceneggiatura di One Mile: Chapter Two offre poche sorprese e anche le sequenze più concitate e tensive appaiono sin troppo timide, unicamente destinate ad apparecchiare la tavola per la prevedibile e banale resa dei conti, che ha almeno il merito di chiudere definitivamente il cerchio.

Non entrare, un horror che ha paura di guardare oltre la soglia – Recensione

Maurizio Encari — Fri, 28 Aug 2026 09:01:44 +0000

I Creepers sono un gruppo di “esploratori del mistero” che pubblicano i loro video su internet. Quando le loro missioni cominciano a perdere visualizzazioni, decidono di alzare ulteriormente l’asticella del pericolo, scegliendo come loro prossima meta il famigerato Paragon Hotel, una gigantesca struttura abbandonata sulla costa del New Jersey.

I protagonisti di Non entrare sanno che sul luogo aleggiano torbide storie di gangster, apparizioni di presunti fantasmi e la leggenda riguardo a un ricchissimo tesoro di circa 300 milioni di dollari che si troverebbe nascosto tra quelle ormai decrepite mura. L’obiettivo è semplice, ovvero entrare, documentare tutto in diretta e trasformare l’impresa nello show capace di rilanciare definitivamente il loro share in crisi. Ma molto presto scopriranno che in quel luogo presumibilmente disabitato dimorano presenze assai spaventose…

Non entrare: dentro o fuori – recensione

Il titolo Non entrare, adattamento lineare dell’originale Do not enter, è un avvertimento in piena regola, quanto per il pubblico che per i personaggi. Personaggi che ovviamente non seguiranno tale invito, destinati come in ogni horror che si rispetti a subire le conseguenze della loro stupidità, se in maniera irrimediabilmente fatale o meno sta a chi guarda scoprirlo.

Il mondo del web, ma non soltanto come dimostrano le numerose trasmissioni televisive a tema trasmesse spesso su emittenti minori, è pieno di videoblog o canali dove appassionati del mistero si danno battaglia a suon di presunti scoop, con indagini su luoghi teatro del paranormale più o meno contraddittorie. E proprio tramite tale premessa il regista Marc Klasfeld, famoso soprattutto per aver diretto innumerevoli videoclip musicali, innesca le coordinate stilistiche di un film che, gioco-forza, finisce per diventare ripetitivo, involontaria parodia di quell’orrore che voleva sulla carta rappresentare.

Dalla carta allo schermo

Alla base vi è il romanzo Creepers di David Morrell, trasformato per l’occasione in un prodotto rivolto principalmente alla generazione dei social network, della fruizione rapida, aggiungendo passaggi in livestream a supporto della ricerca ossessiva della notorietà; quella notorietà che è linfa vitale per i protagonisti, ovviamente destinati a pagare dazio per la loro imprudenza. Qui oltre alla minaccia sovrannaturale se ne aggiunge una più prettamente umana, tra bande rivali e psicopatici ad aggiungere ulteriore carne al fuoco.

Ma l’insieme di Non entrare si sfalda ben presto sotto il peso di evidenti limiti concettuali, con una gestione della paura che si affida di sovente a riprese delle telecamere di sorveglianza o allo sguardo degli smartphone, che filtrato quel Male incarnato di derivazione satanica. Il design di queste creature mutanti che a un certo punto metteranno a repentaglio l’incolumità dei Nostri è quanto mai derivativo e le sequenze tensive si limitano a una manciata di inseguimenti tra le sale e i corridoi della pur ampia ambientazione che caratterizza la maggior parte del racconto.

Peccato che il palcoscenico, pur affascinante e carico di potenzialità, non venga mai sfruttato a dovere nelle sue timide contaminazioni found-footage, con una sceneggiatura che inoltre risolve fin troppo favorevolmente la situazione a favor di un epilogo assai meno amaro del solito, quasi a voler lasciare aperte le porte a un ipotetico sequel che probabilmente non vedrà mai la luce.

Conclusioni finali

Con un titolo che è già un programma, Non entrare genera aspettative purtroppo non mantenute. I novanta minuti vedono protagonisti un gruppo di videoblogger in calo di visualizzazioni che cerca il grande exploit in un hotel abbandonato, teatro di tetre leggende.

Vuoi per una serie di evidenti forzature nella componente soprannaturale, tra riti satanici e amenità varie, vuoi per inverosimiglianze ancora più marcate nella manichea caratterizzazione degli antagonisti umani, il film perde progressivamente credibilità e del destino dei malaccorti protagonisti finisce per importare ben presto assai poco.

One Mile: Chapter One, un teso survival-thriller – Recensione

Maurizio Encari — Thu, 27 Aug 2026 08:52:02 +0000

Reduce da una lunga carriera nelle forze speciali dell’esercito americano, Danny Beckett decide di ritirarsi nella speranza di poter finalmente recuperare il rapporto con la figlia Alex, ora adolescente, dalla quale si è allontanato proprio per via del suo lavoro. L’occasione per rinsaldare il legame è un viaggio attraverso gli Stati Uniti, durante il quale l’uomo accompagnerà la ragazza nella scelta del college.

Il relax del tragitto dura però ben poco e durante il percorso infatti i protagonisti di One Mile: Chapter One si ritrovano a dover superare un immenso territorio montuoso, nei cui pressi si trova una comunità isolata e apparentemente autosufficiente, i cui residenti mostrano sin da subito intenzioni tutt’altro che pacifiche. Braccati, Danny e Alex ingaggeranno una disperata lotta per la sopravvivenza contro i bifolchi guidati dallo spietato Stanley Dixon, intenzionato a catturare la giovane ad ogni costo.

One Mile: che la caccia abbia inizio – recensione

Un survival thriller in piena regola, che non nasconde le proprie coordinate narrative ma anzi le espone brutalmente già nel prologo, che ci mostra l’origine della minaccia e le potenziali motivazioni, con il destino toccato a una coppia di fidanzati che ha malauguratamente messo piede in quelle foreste isolate. One Mile: Chapter One, primo capitolo di un dittico, mette così le cose in chiaro sin da subito, da quel momento il pubblico pregusta l’attesa per ciò che sarà la sfida all’ultimo sangue tra il protagonista e la sua subdola nemesi.

Il contesto narrativo è alquanto semplice, con echi del franchise di Wrong Turn in chiave però meno orrorifica o richiamante a memorie hooperiane. La violenza va detto comunque non manca, soprattutto quando la figlia viene rapita e questo padre pronto a tutto non esiterà a torturare gli scagnozzi del villain pur di ottenere informazioni preziose su dove si trovi.

Ciak, azione

Proprio questa ruvidità da sano B-movie, per nulla scontata in un titolo che pur nella sua produzione medio-low-budget ambisce dichiaratamente a catalizzare l’attenzione del grande pubblico, permette a One Mile: Chapter One di passare meno inosservato del previsto. Ovviamente la sceneggiatura non offre grandi sorprese, con una trama relativamente lineare che si affida a personaggi e situazioni derivative, ma l’ora e mezza di visione scorre senza tempi morti, fino a quell’epilogo che spalanca le porte al succitato sequel a venire, realizzato back-to-back e reso disponibile in contemporanea.

Funziona l’alchimia tra Ryan Phillippe, inaspettatamente convincente nei panni del genitore-vendicatore, e la giovane Amélie Hoeferle, recentemente vista nella serie Sterling Point – L’isola dei segreti, tra le più viste su Prime Video. E pur con meno materiale a disposizione su cui lavorare, anche C. Thomas Howell riesce a dar vita a un cattivo sinceramente inquietante.

Pensare che la trama si basa su un’esperienza personale vissuta da uno dei produttori, che ha effettivamente accompagnato la figlia in giro per gli States alla ricerca del college perfetto: esperienza ovviamente rivisitata con tutte le modifiche del caso. Ci troviamo così davanti a un film che sicuramente non rivoluzionerà il filone, ma che a dispetto delle basse pretese sa garantire un discreto intrattenimento a tema, cosa che non sempre si può dire di titoli ben più pompati e costosi.

Conclusioni finali

Una sceneggiatura relativamente archetipica rivisitata con solidità, per quanto l’originalità non abiti da queste parti. One Mile: Chapter One riesce a far di necessità virtù del limitato budget e di una narrazione relativamente semplice, dando vita a un’ora e mezza carica di tensione e violenza inaspettate, prima con la fuga nei boschi di padre e figlia e poi con la missione del genitore per salvare la ragazza, gestita con una certa, scattante, rudezza di genere.

Ryan Phillippe e C. Thomas Howell convincono nei rispettivi ruoli, con il primo nei panni di un genitore costretto a rispolverare le proprie abilità militari e il secondo in quelli di un antagonista spietato e pronto a tutto, mentre le foreste fanno da sfondo a questa storia di “nascondino per la sopravvivenza”, prima che l’azione esploda in soluzioni a tratti brutali. Le forzature qua e là e quell’epilogo che riapre porte, che sembravano ormai chiuse, al sequel immediato, non rovinano perciò il piacere di una visione più avvincente di quanto si potesse inizialmente immaginare.

Paramount+: le novità e i ritorni più attesi di Febbraio 2026

Ludovica Terracciano — Mon, 02 Feb 2026 08:00:55 +0000

A Febbraio arrivano nuovi titoli su Paramount+. Tra grandi film come Mission Impossible: The Final Reckoning o alcuni ritorni tra cui la terza stagione di Italia Shore, il catalogo continua ad arricchirsi. Vediamo insieme ulteriori dettagli su le novità in arrivo questo mese sulla piattaforma.

Paramount+: i film in arrivo a Febbraio 2026

Si comincia il 2 febbraio con Mission Impossible: The Final Reckoning, ottavo capitolo della celebre saga action con Tom Cruise. Il film riprende gli eventi del precedente e porta a compimento lo scontro finale tra Hunt e l’intelligenza artificiale ribelle conosciuta come l’Entità. Quest’ultima pellicola è imperdibile, tra alta tensione, colpi di scena, sequenze estreme e stunt spettacolari, molti dei quali eseguiti dallo stesso Cruise.

Dal 13 febbraio si aggiunge invece al catalogo Amici Comuni. Diretto da Marco Castaldi, con Raoul Bova, Francesca Inaudi, Beatrice Arnera e Luca Vecchi, la storia segue quattro personaggi, tre amici e due coppie, alle prese con dilemmi amorosi. Marco e Giulia, sposati da diversi anni, ricevono la notizia del matrimonio imminente della loro amica Veronica con Claudio, un ragazzo conosciuto pochi mesi prima. La notizia sarà destinata a sconvolgere l’equilibrio di entrambe le coppie, tra desideri mai dichiarati e ferite rimaste aperte nel tempo.

Infine, dal 25 febbraio, arriva I Puffi – Il Film. Diretto da Chris Miller, con Matt Landon come co-regista, la storia vede Puffetta guidare una squadra di Puffi in una missione nel mondo reale per salvare Grande Puffo, rapito dal perfido Gargamella e da suo fratello Razamella. Il film esplora anche le origini della famiglia dei Puffi e introduce nuovi personaggi come i fratelli di Grande Puffo, Ken e Ron. Mescolando avventura, umorismo e canzoni originali, questa pellicola è un musical d’animazione tenerissima che reinventa la saga storica.

Paramount+: le serie tv e i ritorni di Febbraio 2026

Il 3 febbraio arriva la terza stagione di Italia Shore, la versione italiana del popolare show di MTV. Prodotta da Fremantle, in questa edizione ricca di novità si unisce Floriana Secondi nel ruolo di Boss. Floriana seguirà i ragazzi, organizza party ma vigilerà anche sulla cura della casa. Tra vecchie conoscenze come Spadino (Samuele), Marcolino (Piermarco); Nikita e Ale, si aggiungono anche volti nuovi, tra cui Stefano, Eleonora, Eduardo, Marta, Le sorelle Sara e Greta. Infine, tornano anche le Italia Shore Reactions, in cui lo youtuber Tony IPants e il cast dello show commentano insieme i momenti più indimenticabili di ogni episodio.

Disponibile dal 6 febbraio la seconda stagione di I Thunderman: In Missione, lo spin-off della celebre sitcom superhero family. Ritornano le avventure dei fratelli Phoebe e Max Thunderman insieme alla giovane Chloe nella cittadina balneare di Secret Shores, ma questa volta il trio sotto copertura affronta minacce sempre più imprevedibili, mentre cerca di aiutare Chloe a padroneggiare i suoi poteri da supereroina. I tre dovranno cercare di bilanciare il loro ruolo di eroi con le sfide della vita quotidiana da comuni cittadini.

Passando alle serie tv, dal 17 febbraio è disponibile la terza stagione di Mike Judge’s Beavis and Butthead, la celebre sitcom satirica animata creata da Mike Judge. Questa nuova stagione prosegue le avventure dell’irriverente duo in versione adulta e vede Judge nuovamente alla guida come creatore, voce e produttore. Tra gag demenziali e irriverenti, la trama si intreccia anche con l’evoluzione dei personaggi e il panorama mediatico contemporaneo.

Infine, dal 23 febbraio, si aggiunge al catalogo la quinta stagione di Germany Shore. Questi nuovi episodi sono pronti a riaccendere rivalità, relazioni esplosive e colpi di scena, tra feste estreme, amicizie messe alla prova e dinamiche sempre più intense.

Paramount+: le novità e i ritorni più attesi di Gennaio 2026

Ludovica Terracciano — Wed, 31 Dec 2025 15:24:41 +0000

Su Paramount+ sono in arrivo alcune novità. Infatti, il primo mese dell’anno vede il ritorno di alcune serie tv, come School Spirits, di cui sarà disponibile la terza stagione, ma anche il finale di stagione di Landman. Ma ci saranno anche dei nuovi titoli, come Girl Taken, serie tv thriller tratta dal romanzo La casa in fondo al viale. Di seguito, ecco quello che vedremo a Gennaio su Paramount+.

Paramount+: le novità in arrivo a Gennaio 2026

Il primo titolo in arrivo su Paramount+ è la serie tv thriller Girl Taken. Disponibile dall’8 gennaio, è ispirata al best-seller “La casa in fondo al viale” di Hollie Overton. La storia segue due sorelle gemelle, Lily e Abby, la cui vita viene sconvolta quando Lily viene rapita dall’insegnante Rick Hansen. Ma quando la ragazza riesce a fuggire, il ritorno alla libertà si rivela ben diverso dalle aspettative.

Il 15 gennaio arriva un’altra serie tv molto attesa: Star Trek: Starfleet Academy. Ambientata nel 32° secolo, nello stesso periodo di Star Trek: Discovery, la serie segue la prima nuova classe di cadetti della Flotta Stellare, impegnati a bordo della nave scuola U.S.S. Athena. Tra sfide, amicizie, rivalità e una minaccia inedita, le puntate si prospettano cariche di epiche avventure.

Il giorno dopo, il 16 gennaio, è la volta di una nuova serie animata intitolata Wylde Park. La trama si concentra su Lily e Jack, due fratellastri costretti a trascorrere l’estate insieme. Affrontando numerose difficoltà, come quelle legate alla gestione dell’attività lavorativa della famiglia Wylde Pak, i due passeranno una stagione all’insegna delle sfide quotidiane.

Il 22 gennaio invece si darà spazio a un reality show, versione canadese del franchise MTV che ha conquistato il pubblico di tutto il mondo: Canada Shore. Il programma porta in scena un nuovo gruppo di protagonisti pronti a convivere sotto lo stesso tetto, tra feste senza limiti, attrazioni improvvise, scontri frontali e legami messi costantemente alla prova.

Paramount+: i ritorni in arrivo a Gennaio 2026

Grandi ritorni previsti per l’inizio del nuovo anno. Il 9 gennaio arriva la seconda stagione di Aussie Shore, con nuovi episodi pronti a riaccendere rivalità, relazioni esplosive e colpi di scena.

Il 18 gennaio invece ci sarà il Finale di Stagione di Landman. Ambientata nelle città in espansione del Texas occidentale, mentre il petrolio emerge dalla terra, fuoriescono anche dei segreti del passato che si pensava fossero sepolti. Sopravvivere nel Texas Occidentale sotto la crescente pressione della M-Tex Oil di Cami Miller e dell’ombra della sua famiglia, rischia di essere sempre più brutale.

Infine, il 28 gennaio, si aggiunge al catalogo la terza stagione di School Spirits. Riprendendo dallo scioccante finale della seconda stagione, nel nuovo capitolo Maddie, per per salvare la sua migliore amica, dovrà affrontare il pericoloso mistero che si cela dietro la Split River High School.

I titoli più attesi da vedere a Dicembre 2025 su Paramount+

Ludovica Terracciano — Mon, 08 Dec 2025 15:12:10 +0000

A Dicembre anche il catalogo di Paramount+ si amplia con alcuni nuovi titoli. Da Incanto, il l’ultimo film di Pier Paolo Paganelli con Vittoria Puccini, alla seconda stagione di Matlock, la piattaforma propone delle novità molto interessanti. Ecco cosa ci aspetta su Paramount+ durante il mese natalizio.

I titoli più attesi da vedere a Dicembre 2025 su Paramount+

Sulla nota piattaforma arrivano nuovi titoli pronti a intrattenere gli spettatori. Dal 5 dicembre è già disponibile Incanto, l’ultimo film di Pier Paolo Paganelli con Vittoria Puccini, Mia Mcgovern Zaini, Claudio Gregori e Giorgio Panariello. La storia segue Margot, una bimba di 10 anni rimasta orfana. Dopo la morte del padre, la piccola viene affidata alla governante, che fa di tutto per ottenere il suo patrimonio. Quando Margot riesce a fuggire dalle sue perfide grinfie, la bimba si ritrova in un circo. Lì viene accolta da Charlie, il clown bianco, che la introduce alla magia del suo grande vecchio tendone.

Dall’8 dicembre è disponibile Trust, un thriller contemporaneo diretto da Carlson Young. La storia segue Lauren Lane (Sophie Turner), una giovane star di Hollywood travolta dalla diffusione non consensuale di immagini private. Quando Lauren decide di rifugiarsi in una baita remota per sottrarsi alla pressione dei media, si ritrova inaspettatamente coinvolta in una violenta lotta per la sopravvivenza contro degli intrusi, e quello che credeva il suo rifugio si trasforma in una vera e propria trappola.

Il 9 dicembre invece arriva la dodicesima stagione di Teen Mom Uk. Il reality segue l’evoluzione di alcune giovani madri britanniche alle prese con la genitorialità, la loro crescita e le sfide e complessità della vita quotidiana.

L’11 dicembre si aggiunge al catalogo una serie thriller psicologica: Little Disasters – l’errore di una madre. Tratta dal romanzo bestseller di Sarah Vaughan, questo titolo segue quattro donne (Jess, Liz, Charlotte, Mel) unite dalla maternità. Quando Jess porta la figlia in ospedale con una strana ferita, l’amica e dottoressa Liz si trova davanti a una scelta etica che scatenerà una serie di eventi capaci di svelare le imperfezioni dietro le loro vite apparentemente perfette.

Infine, il 21 dicembre, verranno rilasciati gli ultimi due episodi della prima parte della seconda stagione di Matlock. La serie vede Kathy Bates nei panni di Madeline Matlock, brillante avvocata che, dopo anni di ritiro, torna al lavoro presso un prestigioso studio legale con l’obiettivo di smascherare reati e corruzione

I nuovi arrivi su Nickelodeon

Anche dal mondo Nickelodeon ci saranno alcune novità. Il 15 dicembre è la volta di A Paw Patrol Christmas, dove tornano i cuccioli più famosi della TV con un’avventura natalizia. Dal 19 dicembre si rinnova invece anche l’universo di Dora con la quarta stagione e dei contenuti speciali dedicati all’esploratrice più amata. Nella stessa data, anche la seconda stagione di Teenage Mutant Ninja Turtles, con le tartarughe ninja alle prese con nuove avventure.

Alma and the Wolf: un folk-horror tra mostri reali e metaforici – Recensione

Maurizio Encari — Mon, 27 Oct 2025 09:16:05 +0000

Spiral Creek, Oregon. Il vice-sceriffo Ren Accord è un uomo tormentato che cerca di tenere insieme i pezzi della propria travagliata esistenza. Divorziato, ha un rapporto difficile con il figlio adolescente, dal quale si è progressivamente allontanato. Una mattina Ren trova lungo una strada secondaria la conoscente Alma, una sua ex compagna di scuola, che cammina scalza e ricoperta di sangue. Profondamente turbata, la donna racconta di essere stata attaccata da un enorme lupo che ha ucciso brutalmente il suo cane.

In Alma & the Wolf durante l’interrogatorio alla stazione di polizia, Alma fa promettere a Ren, che ha un debole per lei, di uccidere la creatura. Ma proprio quando l’uomo sembra avvicinarsi alla verità su cosa sia realmente accaduto, suo figlio scompare misteriosamente durante le indagini e lui stesso si ritrova alla prese con una serie di situazioni sempre più inquietanti e spaventose, che mettono a dura prova la sua sanità mentale.

Alma and the Wolf, recensione: attenti al lupo

Il regista nonché attore protagonista Michael Patrick Jann è un nome conosciuto nel panorama audiovisivo americano: autore di cult numerosi episodi televisivi di serie comiche come Pushing Daisies, Ugly Betty e Resident Alien, ha dimostrato nel corso degli anni una particolare predilezione per il dark humour e il tono surreale. Con Alma & the Wolf si cimenta per la prima volta nell’horror, dichiarando la propria passione per il genere e citando come ispirazione The Wolf of Snow Hollow (2020), un titolo nella premessa parecchio similare.

Ci troviamo davanti ad una produzione indipendente low-budget, girata interamente in Oregon, nelle località costiere e nei boschi innevati che conferiscono all’opera una certa atmosfera isolata e claustrofobica. Perché a un certo punto il film prende una deriva da folk horror puro, con creature animali e umanoidi che iniziano a tormentare il malcapitato – o forse no – sceriffo, già alle prese con una routine alquanto complicata.

Vorrei ma non posso

La sceneggiatura non nasconde le sue alte ambizioni narrative e tematiche, nel tentativo di sovvertire le aspettative del genere attraverso il colpo di scena che nell’ultima mezzora cambia drasticamente le carte in tavola. Un approccio sicuramente coraggioso, non pienamente supportato da una messa in scena che rischia di frammentare troppo il cuore della rivelazione, andando ad affrettare forse eccessivamente la resa dei conti finale.

Alcune intuizioni sono indubbiamente affascinanti, dai caproni impazziti che attaccano le vetture che incrociano sul loro cammino fino a quei lupi umanoidi che, reali o meno che siano, destabilizzano la psiche di Ren con apparizioni maliarde e grottesche. Ma i limitati sforzi produttivi rischiano di smorzare la carica tensiva di queste scene e di farle scadere involontariamente nel territorio di confine con lo scult.

E per un progetto che aspirava a creare atmosfera e suspense psicologica a tema, una carenza tecnica di questo tipo rischia di rappresentare un deficit sul quale viene difficile chiudere un occhio.

Conclusioni finali

Il comico Michael Patrick Jann si cimenta nell’horror psicologico con un film dalle ambizioni narrative superiori ai mezzi produttivi a disposizione. Il regista veste i panni, con un’interpretazione comunque convincente, di un vice-sceriffo che indaga su un misterioso attacco da parte di un lupo, mentre la sua realtà comincia a sgretolarsi progressivamente intorno a lui.

Alma and the Wolf possiede qualche accattivante suggestione folk-horror, ma il budget limitato penalizza la resa delle sequenze a tema, con l’incubo psicologico affrontato dal protagonista ricco di potenziali sfumature non del tutto espresse. Per un film al quale sicuramente non mancano le idee, ma bensì i mezzi per realizzarle degnamente.

Carlo Verdone torna con “Vita da Carlo” su Paramount +: data di uscita, cast e anticipazioni

Chiara Di Tommaso — Mon, 20 Oct 2025 12:50:20 +0000

Sta per arrivare la stagione finale di Vita da Carlo. La serie ironica che si ispira alla vita di Carlo Verdone è stata presentata in anteprima alla Festa del Cinema del Roma. Scopriamo insieme la data di uscita, la trama e chi fa parte del cast.

Finale di stagione per Vita da Carlo: data di uscita e trama

Grande attesa per l’ultima imperdibile stagione di Vita da Carlo. La serie farà il suo debutto in esclusiva su Paramount+ il 28 novembre 2025 e sarà visibile anche su Sky Q, Sky Glass e Now tramite la app Smart Stick.

Ma qual è la trama? La serie riprende da dove era finita la terza stagione con la gaffe durante il Festival di Sanremo. Stanco della gogna mediatica, Carlo va in esilio a Nizza dove riflette su se stesso ma la sua passione per il cinema ritorna nella sua vita. Viene infatti chiamato dal direttore del Centro Sperimentale di Cinematografia che gli offre una cattedra di regia. Come prof, proverà a trasmettere la sua esperienza ai sei giovani e ad aiutarli per far uscire la loro voce. Guiderà i ragazzi nella realizzazione di un film collettivo su un tema attuale, quello della solitudine, cercando di abbattere le differenze generazionali.

Il cast della serie

Vita da Carlo è prodotta da Luigi e Aurelio De Laurentiis su un’idea di Carlo Verdone insieme a Nicola Guaglianone e Menotti. La scrittura è firmata dallo stesso attore con Pasquale Plastino e Luca Mastrogiovanni. Co-registi sono Valerio Vestoso con Verdone.

In questo finale di stagione vedremo accanto a Carlo Versone, Sergio Rubini, Monica Guerritore, Antonio Bannò, Caterina De Angelis, Maria Paiato, Claudia Potenza, Filippo Contri e Maccio Capatonda. Saranno presenti anche alcune guest star come Francesca Fagnani, Renzo Rosso, Giovanni Veronesi, Vera Gemma e Alvaro Vitali, ultima sua apparizione.

E ancora nel cast ci saranno Roberto Citran, Aida Flix, Tommaso D’Agata, Adele Cammarata e Phaim Bhuiyan.

Winter Spring Summer or Fall: una prevedibile love-story da una stagione all’altra – Recensione

Maurizio Encari — Tue, 02 Sep 2025 11:17:46 +0000

La storia è ambientata in quattro “capitoli,” ognuno ambientato in una stagione diversa, a scandire i momenti chiave della relazione tra Remi e Barnes, i due protagonisti di Winter Spring Summer or Fall. L’inverno segna il loro primo incontro, del tutto casuale, che serve a delineare il rispettivo background: lui appassionato di musica e con l’intenzione di prendersi un anno sabbatico, lei prossima ad essere ammessa alla prestigiosa Università di Harvard.

Remi inizialmente lo respinge, in quanto preferisce concentrarsi esclusivamente sui suoi studi, ma la primavera successiva anch’essa comprende come i sentimenti nei confronti di Barnes non possano restare inespressi. La love-story procede tra alti e bassi, nelle successive due stagioni che compongono anche il titolo del film.

Recensione Winter Spring Summer or Fall: Un anno d’amore?

L’operazione, sulla carta, sembrava tanto innocua quanto potenzialmente vincente per intercettare i gusti del principale target di riferimento. Prendere come protagonista la lanciatissima Jenna Ortega, tornata a monopolizzare le classifiche di Netflix con la seconda stagione di Mercoledì, affiancargli Percy Hynes White, già sua co-star proprio nella serie dedicata alla “pargola” della famiglia Addams, poteva essere una mossa azzeccata.

Peccato che la sceneggiatura non faccia altro che riciclare per l’ennesima volta una formula abusata, che tolta qualche piccola variazione segue uno status qua abbastanza classico, tra romanticismi, liti e riappacificazioni dell’ultimo minuto dal taglio alquanto tradizionale. Nonostante già compagni di set, tra i due interpreti principali latita la necessaria alchimia e le varie evoluzioni del loro rapporto risultano poco credibili, con buona pace della Ortega che pur si impegna parecchio a differenza del più svogliato collega.

Un film che ha poco da dire

Il personaggio di Barnes presenta inoltre alcune problematiche non da poco, al punto da risultare parzialmente ambiguo in diversi passaggi. Definito ironicamente .- ma non erroneamente — da Remi come una sorta di stalker, rischia di portare l’amata su una cattiva strada. Non che i genitori di lei siano molto meglio, infantili al punto da rompere dei piatti per terra in segno di disapprovazione per le scelte di quella figlia alle prese con un momento difficile.

L’impressiona lasciata da Winter Spring Summer or Fall è quella di un progetto privo di particolari pretese, confezionato per un consumo rapido e indolore, senza la voglia di prendersi qualche rischio. Una scarsità di vedute condivisa con l’anonima regia di Tiffany Paulsen, sceneggiatrice al suo esordio dietro la macchina da presa, la quale si fa spesso aiutare dalla colonna sonora per caricare le diverse scene chiave di una raffazzonata emotività, con il più prevedibile dei lieto fine già dietro l’angolo.

Il film è disponibile nel catalogo di Paramount+.

Conclusioni finali

Lei ha un futuro roseo davanti a sé, con Harvard che la attende a braccia aperte; lui ha tanti sogni e nessuna certezza, con la musica quale perno chiave della sua vita. Secondo la logica degli opposti che si attraggono, non potrà che essere amore – seppur travagliato – tra le due anime presuntivamente gemelle di Winter Spring Summer or Fall.

Jenna Ortega e Percy Hynes White, già insieme sul set di Mercoledì, non trovano la giusta chimica e i loro personaggi cadono vittima di cliché e stereotipi assortiti. La sceneggiatura incespica parecchio, facendo diversi salti mortali per seguire i tipici step delle love-story generazionali, e anche la regia fatica a star dietro a una storia la cui ora e mezza è anche troppo per ciò che ha da dire.

L’omaggio di Carlo Verdone all’amico Alvaro Vitali in una clip

Ludovica Terracciano — Sat, 28 Jun 2025 08:09:56 +0000

Recentemente è scomparso Alvaro Vitali, storico attore romano diventato celebre per il ruolo di Pierino e volto simbolico della commedia sexy all’italiana. Un grande lutto nel cinema italiano che ha lasciato un grande vuoto tra i fan e tra i colleghi. Tra questi, Carlo Verdone, con cui Vitali ha collaborato per la serie tv Vita da Carlo, disponibile su Paramount+. Oggi, la piattaforma ha rilasciato sui suoi canali una clip commemorativa dell’attore sul set.

L’omaggio di Carlo Verdone all’amico Alvaro Vitali in una clip

Alvaro Vitali, scomparso all’età di 75 anni, si è spento nella sua casa di Roma. Pur essendo ricordato soprattutto per il ruolo di Pierino, la sua carriera è iniziata con Federico Fellini, che lo scoprì durante un provino. Il regista lo volle in diverse pellicole, tra cui Fellini Satyricon, I Clowns, Roma e Amarcord.

L’ultima apparizione di Vitali sul set risale alla quarta stagione di Vita da Carlo, la serie autobiografica di Carlo Verdone. In una clip diffusa oggi da Paramount+, Vitali appare sorridente e a suo agio, in quello che sarà l’ultimo set della sua carriera.

Carlo Verdone ha voluto ricordarlo con parole affettuose e commosse: “La scomparsa di Alvaro Vitali mi fa provare tanta tristezza perché eravamo diventati veramente amici – ha dichiarato. Poi prosegue: “Lui ha fatto la quarta ed ultima stagione di Vita da Carlo che uscirà in autunno e dove lo vedrete recitare per l’ultima volta.

Sul set era una cassaforte di aneddoti di quel bel cinema anni 70, anni 80. Del cinema felliniano, soprattutto, perché lui nasce con Fellini e grazie alle sue intuizioni, sapeva scegliere le facce, i caratteri. E Alvaro Vitali era una maschera incredibile, oltre ad essere un uomo molto profondo, molto colto. Faceva delle riflessioni bellissime. Quello che più mi ha fatto piacere è che fosse felice di essere tornato su un grande set, con tantissimi attori, come quello di Vita da Carlo.

Io ho cercato di esaltarlo come meglio potevo. Mi mancherà molto e lo ricorderò sempre con affetto e con amore, ma soprattutto perché mi ricorderà sempre il gran bel cinema di Federico Fellini. È stato anche Pierino, un momento di un cinema spensierato, ma per me lui era il cinema di Federico Fellini”.

Il gladiatore II: un sequel che smarrisce l’epica dell’originale – Recensione completa e senza Spoiler

Maurizio Encari — Sun, 11 May 2025 14:03:53 +0000

Se “ciò che facciamo in vita, riecheggia nell’eternità“, Sir Ridley Scott potrebbe avere qualche problema un giorno visto che il sequel di uno dei suoi film più famosi si è rivelato un vero e proprio flop, non tanto a livello di incassi – più che soddisfacenti – ma quanto al risultato. Chi ha amato la tragica epica del primo film non può che rimanere deluso da Il gladiatore II, che strizza continuamente l’occhio al predecessore senza mai ritrovarne il feeling e anzi scadendo di sovente nel ridicolo involontario.

Da anni si parlava di come far continuare la storia, tra ipotesi che avrebbero riportato su schermo l’iconico Massimo Decimo Meridio di Russell Crowe – il cui fisico è da diverso tempo ben lontano da quello sfoggiante nel cult del 2000 – e sceneggiature che avrebbero tirato addirittura in mezzo l’aldilà. Si è infine propenso per la scelta sulla carta più semplice e ovvia, ovvero quella di rendere assoluto protagonista, in una sorta di continuità genetica, il figlio segreto del compianto gladiatore, frutto di una relazione illecita avuta con Lucilla, figlia di Marco Aurelio interpretata nuovamente dalla ritornante Connie Nielsen.

Il gladiatore II, recensione: un sogno chiamato Roma?

Una soluzione in ogni caso forzata che va di pari passo con una storia che soffre di diversi problemi. Passino le inesattezze storiche e alcuni particolari che si chiede come siano potuti sfuggire in fase di messa in scena, ma il modo in cui la premessa si insinua lentamente nel substrato narrativo, ripercorrendo quanto visto nel prototipo, avviene in maniera fin troppo meccanica e innaturale.

Mentre Roma è governata dagli imperatori, gemelli e imbelli, Geta e Caracalla, la Numidia viene attaccata dalle truppe del generale Giusto Acacio, che cattura molti prigionieri: tra questi vi è Annone, che in battaglia ha visto morire la sua amata moglie e viene ora venduto come schiavo. Il mercante Macrino nota le sue abilità nell’arena e decide di condurlo nella Città Eterna, dando inizio inconsapevolmente alla sua missione di vendetta. Lì Annone scopre infatti le sue vere origini e il destino dell’Impero finirà per dipendere dalle sue decisioni.

Epos a corto di idee

Le due ore e venti di visione scadono in più occasioni nel kitsch quando non nello scult assoluto, con i combattimenti contro i babbuini “mannari” e la sequenza nella quale il Colosseo viene riempito di acqua, con tanto di squali che nuotano, a superare ogni immaginazione. Certamente anche nel primo film la verosimiglianza non era il punto forte, ma qui le esagerazioni sembrano costruite ad hoc unicamente allo scopo di scioccare, alla ricerca di una grandezza a tutti i costi che finisce per depotenziare l’anima tensiva e la conseguente credibilità della storia.

Storia che si perde ancora in altri sussulti gratuiti, con una violenza quasi splatter nella parte finale e una caratterizzazione a dir poco grottesca dei due giovani e sadici imperatori, che diventano così dei villain di cartapesta. Con lo stesso Paul Mescal, altrove ottimo, qui poco credibile in questo ruolo che scimmiotta cotanto genitore di finzione, a spiccare nel cast è Denzel Washington, anche se pure lui è “complice” dell’anemica resa dei conti finale, che mette in mostra un gran numero di comparse e di contorni per poi risolversi in una fredda baruffa a due.

E la colonna sonora che cita quella di Hans Zimmer senza recuperarne la magia non fa che confermare l’impressione di aver assistito ad una scialba copia di quanto già fatto da Scott in passato; ciò nonostante il regista ha già confermato di essere al lavoro su un terzo episodio, anche se troviamo difficile capire come la saga potrebbe ulteriormente evolvere o regredire.

Il film è disponibile dall’11 maggio nel catalogo di Paramount+.

Conclusioni finali

Un sequel che si rivela una copia sbiadita del cult originale, un sequel forzato che punta al grande spettacolo ma perde per strada la potenza epica e l’emozione viscerale, scivolando spesso nel ridicolo e nel kitsch. Il gladiatore II parte da alte ambizioni ma finisce per annacquare tutto ciò che aveva reso il primo indimenticabile, tra sequenze assurde e inutilmente esagerate e personaggi inconsistenti, buoni o cattivi che siano.

Non si spreca solo il pur talentuoso cast, ma anche un comparto tecnico ed effettistico di prim’ordine. Se lo spettacolo certo non manca a farlo è invece la sostanza, con l’estetica di superficie non controbilanciata da una storia svuotata di pathos, dove la tensione e il cuore belligero non vengono nemmeno sfiorati in favore di un intrattenimento gratuito e fine a se stesso.

Smile 2: un sequel horror che supera l’originale – Recensione

Maurizio Encari — Wed, 23 Apr 2025 08:46:54 +0000

“Quel sorriso, quel maledetto sorriso…” da una frase / meme ormai entrata nell’immaginario di internet – e non solo – a un film dove il sorriso è effettivamente maledetto, in quanto chi lo fa per l’ultima volta viene poi spinto da una misteriosa entità a togliersi la vita. Lo sanno bene gli spettatori del primo Smile (2022), horror scritto e diretto da Parker Finn che ha ottenuto un clamoroso successo ai botteghini, anche al di là dei suoi reali meriti.

Ora il regista, che ai tempi era al suo esordio in un lungometraggio, torna letteralmente sul luogo del delitto per firmare un sequel che si rivela più ispirato dell’originale, almeno consapevole della sua anima giocosa e pronto a esagerare quando necessario, con l’intento di scioccare un pubblico sempre affamato di paura e terrore.

Smile 2, recensione: (sor)ridi che ti passa

Al centro di questa nuova vicenda, che ci presenta personaggi tutti nuovo, troviamo la popolare cantante Skye Riley, che ha recentemente fatto il suo ritorno sulle scene a un anno di distanza dal drammatico incidente automobilistico, nel quale ha perso la vita il suo fidanzato – un affermato attore – e lei stessa è sopravvissuta per miracolo. Dopo essersi disintossicata dalle droghe e aver superato in qualche modo quel doloroso trauma, la ragazza è pronta a ricominciare ma i dolori che ancora prova dopo l’invasivo l’intervento chirurgico la spingono a recarsi dal suo ex pusher di fiducia, nella speranza che proprio alcune pastiglie ad hoc possano alleviare la sua sofferenza.

Lo trova però in condizioni psico-fisiche fortemente alterate e poco dopo, davanti ai suoi occhi, si toglie brutalmente la vita spaccandosi un cerchio di metallo sulla fronte; non prima di aver fatto un sorriso inquietante. Perché lo spacciatore ha così passato a Skye una maledizione, che ora la vedrà cadere vittima di inquietanti allucinazioni, con il confine tra realtà e immaginazione che diventa sempre più labile e mette a rischio non soltanto la sua carriera, ma anche la sua vita.

Una condanna senza fine?

Passare il fardello a qualcun altro, seguendo quella linea guida che aveva già caratterizzato uno degli horror dello scorso decennio, il cult – che a breve avrà anch’esso un seguito – It Follows (2014). Ma non è così semplice, come scoprirà la malcapitata protagonista in un crescendo di inquietudine e impotenza, oppressa da queste visioni – fittizie o reali che siano – che mandano a monte il suo annunciato come-back e la fanno dubitare della sua sanità mentale.

La formula del primo film – a cui si collega con l’intenso prologo – che si prendeva anche troppo sul serio, viene qui riadattata con una verve più sfrontata e grottesca, anche perché no volontariamente alla ricerca di scene scult (basti pensare all’apparizione del corpo di ballo) per cercare di creare un contesto ad alto ritmo, sempre intenso e dalle tonalità pop. Il tutto per tracimare poi in un epilogo grandguignolesco, che richiama gli archetipi del body horror in un’ottica volutamente sopra le righe e aprire al contempo le porte ad un terzo capitolo ancora più grande, dando infinite potenzialità al prosieguo dell’intero franchise.

La cantante e attrice inglese Naomi Scott è perfetta nel ruolo di ideale vittima sacrificale che vittima proprio non vuol essere e il cast di contorno può contare sul breve cameo del figlio d’arte Ray Nicholson, il cui folle sorriso scimmiotta proprio quello iconico di papà Jack nell’immortale Shining (1980) di Stanley Kubrick.

Conclusioni finali

Sorridere fino alla fine è un motto che prendono alla lettera i malcapitati perseguitati della maledizione di questa saga horror ormai destinata a restare, il cui secondo capitolo offre un approccio più intrattenente ed esagerato, anche a costo di spaziare sopra le righe nell’omaggiare o riprendere topoi di un vasto immaginario horror.

Una cantante pronta al grande ritorno dopo un doloroso trauma, che l’ha segnata non solo nella mente ma anche nel fisico, alle prese con quest’incubo ad occhi aperti, con la violenza che le si spalanca davanti agli occhi in un tripudio pop e grottesco, tra jump-scare e body horror. Smile 2 non racconta nulla di effettivamente originale, ma nelle due ore di visione possiede quel pizzico di personalità tale da mantenere costante l’interesse fino ai titoli di coda, dopo quell’epilogo che apre non porte, ma portoni.

Hard Home: una sadica vendetta in un b-movie fine a se stesso – Recensione

Maurizio Encari — Mon, 31 Mar 2025 08:40:09 +0000

Mary è una donna reduce da una tragedia che ha l’ha profondamente segnata: la figlia adolescente, che da poco tempo si era ripresa da una grave patologia agli arti inferiori, è stata infatti brutalmente uccisa da un serial killer conosciuto come El Diablo. Questi non soltanto l’ha violentata ma l’ha anche torturata per lungo tempo prima di condurla alla morte, utilizzando il medesimo modus operandi che aveva già sperimentato con altre sue malcapitate vittime.

In Hard Home la protagonista è pronta a tutto pur di farla pagare all’aguzzino e per farlo ha organizzato un piano nei minimi dettagli. Dopo averlo rintracciato tramite una serie di indizi e alcune informazioni sensibili concessele da un’agente dell’FBI all’oscuro delle sue reali intenzioni, Mary riesce a sedarlo e lo rapisce, chiudendolo nel bagagliaio della sua auto per poi condurlo nella sua casa super-tecnologica. Lì inizia un sadico gioco del gatto col topo, per fargliela pagare nella stessa crudele maniera con cui El Diablo aveva tolto la vita a sua figlia.

Hard Home, la recensione: casa dolce casa

La violenza è nulla, senza controllo, potrebbe essere un motto adatto a questo b-movie che punta tutte le proprie carte sulla missione all’insegna della vendetta da parte di questa madre affranta che, senza mai aver assorbito il lutto, ha trasformato in una vera e propria ossessione la caccia all’assassino. Ma per dar vita ad un racconto con così pochi personaggi – il 90% del minutaggio vede esclusivamente i due antagonisti su schermo – serve una sceneggiatura di ferro, che invece manca ad Hard Home.

Disponibile nel catalogo di Paramount+, dove è balzato al primo posto dei titoli più visti scavalcando anche produzioni di ben altro livello arrivate recentemente sulla piattaforma come The Substance (2024), il film è una sorta di rape & revenge per interposta persona, dove appunto è la madre della compianta vittima a prendere in mano le redini della situazione.

Occhio per occhio

La sceneggiatura non è credibile, con alcune figure di contorno francamente inutili – la vicina impicciona in primis – e altre che fanno la loro comparsa proprio nel momento del bisogno, trainando la resa dei conti finale verso l’unico epilogo possibile data la staticità della premessa. Quando i ruoli si confondono e la crudeltà diventa un gioco delle parti, Hard Home perde totalmente la propria bussola narrativa e stilistica, privo di quell’equilibrio tale da rendere la figura di Mary quanto meno meritevole di immedesimazione.

Invece qui lo spirito reazionario è esasperato all’eccesso e i confini tra il bene e il male diventano sempre più labili, al punto che lo spettatore perde progressivamente interesse nei confronti di una vicenda svuotata di senso e di sentimento, sorretta unicamente da quella caccia senza esclusione di colpi – ma con un sacco di forzature – che si trascina ininterrottamente fino ai titoli di coda.

Conclusioni finali

Una madre distrutta dal dolore ha trasformato il lutto per la morte della figlia in un odio profondo e annichilente verso l’assassino, un sadico serial killer ancora a piede libero. Dopo averlo catturato in prima persona, ha trasformato la sua casa iper-tecnologica in una labirintica prigione di tortura, ma lo psicopatico non ha nessuna intenzione di stare al gioco e intender rendere quella vendetta più complicata del previsto.

Di complicato in realtà vi è molto poco in Hard Home, b-movie che per un’ora e mezza – scarsa – di visione segue le dinamiche di un rape&revenge di quart’ordine, in un divenire dozzinale e privo di sostanza. Violenze assortite e forzature in serie in un film che mostra limiti evidenti, concettuali e di relativa messa in scena.

The Substance, la recensione del cult body-horror

Maurizio Encari — Fri, 14 Mar 2025 16:00:31 +0000

Spente le fatidiche cinquanta candeline, la star di Hollywood Elisabeth Sparkle scopre di essere stata licenziata dallo show televisivo sull’aerobica che conduceva da ormai molto tempo per via della sua età e che sarà sostituita da una collega più giovane. Un ché di inaspettato per un’attrice la cui fama l’aveva portata ad avere anche una stella sulla Walk of Fame, un riconoscimento ambitissimo da chiunque lavori in quel mondo apparentemente dorato.

Vittima di un incidente al volante in preda a rabbia e umiliazione, in ospedale Elisabeth riceve una chiavetta USB da un misterioso infermiere, al cui interno vi è del materiale che pubblicizza The Substance, un’innovativa droga che promette di creare una versione di se stessi più giovane, bella e idealizzata. Inizialmente la protagonista se ne tiene alla larga, ma infine cede e telefona alla fantomatica azienda per ordinare il miracoloso siero. Siero che dopo iniettato genererà una copia perfetta di lei, che prenderà il suo posto a settimane alterne. Le due versioni infatti dovranno sostituirsi con regolarità o altrimenti ne pagheranno amare conseguenze…

The Substance, recensione: questione di sostanza

Agli Oscar è rimasto quasi a bocca asciutta, aggiudicandosi esclusivamente la statuetta (sacrosanta) per il miglior trucco e acconciatura, ma con la profonda delusione di non aver visto Demi Moore – pur data per favorita alla vigilia – trionfare come attrice non protagonista. Ora anche chi non l’ha visto in sala può finalmente recuperare The Substance, data la sua entrata nel catalogo di Paramount+, e cimentarsi con la visione di una delle vere e proprie sorprese della scorsa stagione cinematografica.

Un body-horror con un successo tale di critica e di pubblico non si era forse mai visto, tanto che tra i vari premi segnaliamo anche quello per la miglior sceneggiatura al Festival di Cannes. Sceneggiatura che è una sorta di aggiornamento in forma di lungometraggio di un precedente lavoro della regista Coralie Fargeat, ovvero il corto Reality+ (2014). Qui il tutto ovviamente potenziato, sin a cominciare da quei disturbanti effetti speciali prostetici che ci accompagnano via via nell’incubo.

Specchio, specchio delle mie brame

Un film utile e necessario per riflettere sulle logiche dello star system, dove invecchiare – soprattutto se si è donna – vuol dire finire nel dimenticatoio, con l’ossessione per l’eterna giovinezza che è la base di questa narrazione progressivamente più nevrotica e inquieta, pronta a trascinare di forza lo spettatore nell’incubo, psicologico ma anche e soprattutto fisico, affrontato dalla protagonista, vittima sì dei propri sbagli ma anche di un mondo mediatico corrotto e spietato.

L’estetica pop e colorata, con la doppelganger ringiovanita affidata ad una sexy ed esuberante Margaret Qualley e un villain sopra le righe di un Dennis Quaid gigione come non mai, fa da contraltare all’anima horror che carbura minuto dopo minuto e chi si poteva attendere che le sequenze più forti potessero essere ormai alle spalle dovrà fare i conti con un finale da brividi e per stomaci forti. Tra Carrie – Lo sguardo di Satana (1976) ed Elephant Man (1980), una rivisitazione di un immaginario dell’orrore in un tripudio gore folle e iconoclasta, volutamente disgustante in quell’apparente gratuità che si fa portatrice di molteplici significati, come l’ultimo fotogramma sottolinea ulteriormente.

Conclusioni finali

Gloria e vita alla nuova Elisabeth, attrice in declino la cui carne è destinata a mutare, rinascere e deteriorare in un racconto dove l’horror si fa specchio di inquietudini ataviche, con la paura di invecchiare che prende il sopravvento sul buon senso scatenando apocalissi psicologiche ed estetiche.

Tra le sorprese dello scorso anno, The Substance arriva nel catalogo di Paramount+ con la sua irriverenza da body horror senza compromessi, aggiornamento e rimasticazione di tematiche non nuove che tra le mani della regista e sceneggiatrice Coralie Fargeat trovano linfa inedita, senza timore di scandalizzare e inorridire quel grande pubblico che è anche palesemente messo sotto accusa nella sua idealizzazione della vita da star.

The Substance arriva su Paramount+: ecco quando, trama e cast

Ludovica Terracciano — Fri, 28 Feb 2025 10:06:20 +0000

The Substance, il body horror di Coralie Fargeat con Demi Moore e Margaret Qualley, arriva prossimamente su Paramount+. Vincitore del premio per la miglior sceneggiatura all’ultimo Festival di Cannes, il film è valso a Demi Moore un Golden Globe come migliore attrice protagonista. È inoltre candidato agli Oscar 2025 in cinque categorie: miglior film, miglior regia, migliore attrice protagonista, migliore sceneggiatura e miglior trucco. Scopriamo ulteriori dettagli su questo film.

The Substance su Paramount+: data, trama e cast

Dopo il grande successo in sala, The Substance è pronto a sbarcare sul piccolo schermo. Subito dopo la cerimonia degli Oscar, che si terrà nella notte tra il 2 e il 3 marzo, il film sarà disponibile su Paramount+ dal 4 marzo.

La trama segue Elisabeth, un’attrice di cinquant’anni che, proprio nel giorno del suo compleanno, viene licenziata dal programma di fitness che conduce. La rete infatti vuole una donna più giovane, destinata a diventare il nuovo volto tra le star di Hollywood. Disperata, Elisabeth decide di sottoporsi a una cura sperimentale che genera una nuova versione di sé. Ma l’esperimento prevede determinate regole ed equilibri: se infrante, le conseguenze possono essere sconvolgenti.

Prodotto da Universal Pictures, Working Title Films e Blacksmith Pictures, il film vede Demi Moore nei panni della protagonista Elisabeth, Margaret Qualley in quelli di Sue e Dennis Quaid nel ruolo di Harvey. Completano il cast Joseph Balderrama, Oscar Lesage, Gore Abrams, Vincent Colombe, Olivier Raynal, Tiffany Hofstetter, Matthew Geczy, Philip Schurer e Jiselle Henderkott.

Uno dei film più chiacchierati degli ultimi mesi, The Substance è un film che parla di corpi femminili e di come vengano percepiti nella società. La regista Coralie Fargeat ha dichiarato infatti come i corpi delle donne siano sempre oggetto di scrutinio, fantasie e critiche all’interno dello spazio pubblico. “Le donne sono portate a pensare di non avere scelta se non essere perfette, sexy, sorridenti, magre, giovani e belle per avere valore nella società.” – ha affermato Fargeat – “E se osano distaccarsi da quei canoni, che sia per l’età, il peso, le curve, vengono cancellate dallo spazio pubblico.”

Air Force One Down, la recensione dell’action-movie (no spoiler)

Maurizio Encari — Wed, 04 Dec 2024 14:22:10 +0000

L’agente segreta Agnes Miles, nipote del capo dei servizi segreti americani, viene reclutata proprio da cotanto zio per entrare a far parte del team di sicurezza incaricato di proteggere il giovane Presidente neo-eletto, Edwards. Nel frattempo in un fittizio Paese dell’Europa dell’Est, tale Astovia, un leader rivoluzionario, il generale Rodinov, si scaglia contro il governo democraticamente eletto, prossimo a firmare un accordo energetico già predisposto in precedenza con gli Stati Uniti.

In Air Force One Down, Edwards e gli uomini incaricati della sua incolumità si trovano a bordo dell’aereo presidenziale, diretti proprio in quella sperduta nazione dove avrà luogo il trattato, quando alcuni dei passeggeri ospiti si palesano per quello che sono, ovvero dei terroristi agli ordini di Rodinov. Toccherà allora ad Agnes prendere in mano la situazione per salvare lo chief-in-commander dalle mire del dittatore.

Air Force One Down, recensione: tra cielo e terra

Un’eroina tutta d’un pezzo, biondissima e tostissima, il cui senso patriottico va di pari passo con l’attrazione per quell’affascinante Presidente, non soltanto anch’esso aitante e combattente ma anche incredibilmente single, senza first-lady quale possibile scocciatura. Sembra una barzelletta ma a un certo punto il legame che si crea tra questi due personaggi prende sempre più campo, contaminando quell’anima action che cerca di guardare ai moderni cult del filone senza troppa ispirazione.

Ecco così che agli ormai abusati slow-motion si aggiunge anche un ormai immancabile piano sequenza, con la Nostra che affronta a mani nude e con armi da fuoco decine di scagnozzi nemici, implacabile e determinata nella sua improbabile missione in terra nemica, fino ad un epilogo nel quale si aggiunge un superfluo colpo di scena ben più che evitabile.

Un cast sprecato

E soprattutto questo Uomo al Comando non ha certo il carisma di Harrison Ford, che in un film prototipo come Air Force One (1997) si divertiva un sacco a sfidare i cattivi in prima persona. Peccato che qui, come sottolinea anche il discorso enfatico sullo scorrere dei titoli di coda, sceneggiatura e relativa messa in scena si prendano dannatamente sul serio, con tanto di digressioni geo-politiche che lasciano il tempo che trovano e ancora una volta gli Stati Uniti come salvatori del mondo.

In questa narrazione improbabile si è inoltre sprecato un interprete di grande talento come il croato Rade Šerbedžija, indimenticato protagonista dello splendido Prima della pioggia (1994), qui ridicolizzato nelle vesti di un villain involontariamente caricaturale.

E allo stesso modo Anthony Michael Hall nei panni dello zio non ha alcuna ragione d’essere, giacché dei personaggi e del loro destino finisce per importare poco o nulla non appena compresa la linearità dell’approccio, troppo elementare e dozzinale per risultare anche appassionante.

Il film è disponibile nel catalogo di Paramount+, nella top 10 dei film più visti.

Conclusioni finali

Una coraggiosa agente speciale entra a far parte del team di sicurezza del presidente degli Stati Uniti e si trova subito impegnata in una pericolosa missione quando l’Air Force One viene dirottato da alcuni terroristi, facenti capo al leader ribelle di un immaginario Stato dell’Est Europa.

In Air Force One Down, come già fa presagire la sinossi, tutto è derivativo oltre misura e non si può nemmeno far forza sull’arma dell’autoironia, qui del tutto assente. Un paio di discrete sequenze d’azione non riescono a cancellare le enormi falle di una sceneggiatura inconsistente e improbabile, dove tutto accade per caso e la distinzione tra buoni e cattivi è talmente netta da suscitare involontaria ilarità.

Paramount+, tutte le novità di novembre 2024: le serie tv e i film da non perdere

Chiara Di Tommaso — Sat, 02 Nov 2024 17:41:57 +0000

Tante le novità in arrivo a novembre 2024 nel catalogo di Paramount+, il servizio di streaming statunitense gestito da Paramount Streaming, divisione del gruppo Paramount Global. Non solo serie tv, ma anche spettacoli di successo e film popolari di ogni genere provenienti da marchi e studi di produzione di fama mondiale. Vediamo insieme tutte le uscite di questo mese.

Paramount+, il catalogo di novembre 2024: serie tv, film e documentari

Tra i titoli più attesi c’è la terza stagione di ‘Vita da Carlo‘, la serie comica in cui Carlo Verdone interpreta se stessi e il film ‘Amici per caso‘. Sarà possibile vedere anche la diretta degli Emas 2024.

I principali Film

AMICI PER CASO. Il film disponibile dall’8 novembre – Pietro, ragazzo rozzo e sfegatato della Roma, si ritrova da un giorno all’altro messo alla porta dalla fidanzata Lolly, stufa di sentirsi in secondo piano rispetto al calcio e agli amici. Omero, un ragazzo gay, serio e raffinato, viene lasciato dal compagno Andy che gli chiede di sposarlo, improvvisando un flashmob e mettendolo in difficoltà davanti a tutti. I due, per un divertente equivoco, si ritrovano ad abitare insieme. Nel cast, tra gli altri, anche Rocco Fasano, Beatrice Bruschi, Mirko Frezza, Giulia Schiavo, Ludovico Fremont, Daniel McVicar e Marina Suma.

AIR FORCE ONE DOWN – Film disponibile dall’8 novembre. AIR FORCE ONE DOWN è un film thriller del 2024 diretto da James Bamford, scritto e prodotto da Steven Paul. Un agente dei Servizi Segreti al suo primo incarico con la Air Force One affronta una prova estrema quando dei terroristi dirottano l’aereo e prendono di mira il presidente, coinvolgendola in una lotta che potrebbe cambiare il corso della storia. Nel cast, Katherine McNamara, Ian Bohen, Dascha Polanco, Rade Šerbedžija, Paul S. Tracey e Anthony Michael Hall.

TALES OF THE TEENAGE MUTANT NINJA TURTLES – I RACCONTI DELLE TARTARUGHE NINJA S1b – Film disponibile dall’8 novembre – Dal film Tartarughe Ninja: Caos Mutante, nasce la nuovissima serie originale Paramount+ TALES OF THE TEENAGE MUTANT NINJA TURTLES – I RACCONTI DELLE TARTARUGHE NINJA che racconta le avventure dei quattro eroi golosi di pizza che emergono dalle fogne delle strade di New York. Leo, Raph, Donnie e Mikey si trovano ad affrontare nuove minacce e si uniscono ai vecchi alleati per sopravvivere sia alla vita da adolescenti che ai cattivi in agguato all’ombra della Grande Mela.

TALES OF THE TEENAGE MUTANT NINJA TURTLES – I RACCONTI DELLE TARTARUGHE NINJA è prodotto da Chris Yost (The Mandalorian, Thor: Ragnarok) e Alan Wan (Blue Eye Samurai, L’Ascesa delle Tartarughe Ninja, Teenage Mutant Ninja Turtles [serie 2012]). La produzione è supervisionata per Nickelodeon da Claudia Spinelli, Vicepresidente senior, TV Series Animation Nickelodeon, e Nikki Price, Direttore dello sviluppo e dirigente responsabile della produzione.

La colonna sonora del film, che contiene un brano inedito di Jean Michel Byron, frontman dello storico gruppo dei Toto, è distribuita da Warner Music Italia. Presentato in anteprima al Filming Italy e al Comedy Film Fest e vincitore del premio come Miglior Commedia conferito da Avanspettacolo Venezia, AMICI PER CASO è prodotto da Reset Production in associazione con Adler Entertainment, che è anche distributore.

Le principali serie di novembre su Paramount+

RAY DONOVAN S1-7, S1-4 serie disponibile dal 1° novembre e S5-7 dall’8 novembre – Ray Donovan (interpretato da Lieb Schreiber) è un faccendiere che risolve con abilità e destrezza i problemi di molte personalità di spicco di Los Angeles, atleti, cantanti e uomini d’affari, ma con la stessa abilità non riesce a risolvere i suoi problemi personali. Tutto si complica quando il padre, con cui ha da sempre un rapporto conflittuale, viene inaspettatamente scarcerato, sconvolgendo la sua vita e il suo nucleo familiare.
RAY DONOVAN, creata da Ann Biderman, è tra le serie americane più iconiche, nonchè una delle serie SHOWTIME più viste di tutti i tempi nell’attesa del suo sequel europeo “The Donovans”, la nuova serie originale Paramount+, Showtime/MTV Entertainment Studios e 101 Studios liberamente basata su Ray Donovan, diretta da Guy che sarà anche il produttore esecutivo. La serie debutterà su Paramount+ nel corso dell’anno.

VITA DA CARLO, TERZA STAGIONE. La serie disponibile dal 16 novembre, la terza stagione ruoterà attorno al mondo musicale: a Carlo Verdone viene proposta la direzione artistica del Festival di Sanremo. La sua enorme cultura musicale rende Carlo la persona ideale per dare vita ad una kermesse all’insegna della competenza e dello spettacolo, senza contare che lui è indubbiamente tra i personaggi più amati del Paese.

In quell’assurda ipotesi c’è qualcosa che lo alletta. La musica, insieme al cinema, è da sempre la sua più grande passione e, dentro di sé, Carlo nutre la convinzione di poter allestire un Festival indimenticabile. Prodotta da Luigi e Aurelio De Laurentiis la serie “Vita da Carlo” è stata creata da Carlo Verdone, Nicola Guaglianone e Menotti, ed è interpretata dallo stesso Carlo Verdone che la dirige in alternanza con Valerio Vestoso. La terza stagione della serie è stata scritta da Carlo Verdone con Pasquale Plastino e Luca Mastrogiovanni.

Nel cast, oltre a Carlo Verdone anche Monica Guerritore, Stefania Rocca, Caterina De Angelis, Antonio Bannò, Filippo Contri, Maria Paiato, Stefano Ambrogi, Ema Stokholma, Maccio Capatonda, Gianna Nannini, Zucchero Fornaciari, Gianni Morandi, Nino D’Angelo, Serena Dandini, Roberto D’Agostino, Francesco Motta, Lucio Corsi, Betty Senatore, Giovanni Esposito, Giada Benedetti, Pietro Ragusa, Demetra Bellina, Radu Murarasu, Gianluigi Molteni, Laurence Belgrave, Loredana Piedimonte, Aurora Sardo, Luca Guastini, Alex Badiglio, Gabriel Elia Salvotti, Leone Bonanni, Aida Flix Filella, Mascia Musy e altri.

LANDMAN S1 – La serie disponibile dal 18 novembre. Ambientata nelle proverbiali “boom town” del Texas occidentale, LANDMAN racconta la ricerca di fortuna nel mondo delle piattaforme petrolifere. Basata sul famoso podcast in 11 puntate “Boomtown”, la serie è una storia di piani alti e bassi, di manovali e miliardari selvaggi che alimentano un fenomeno così grande da modificare clima economia e geopolitica.

LANDMAN è prodotto da Taylor Sheridan, David C. Glasser, David Hutkin, Ron Burkle, Bob Yari, Christian Wallace, Geyer Kosinski, Michael Friedman e Stephen Kay. Dan Friedkin e Jason Hoch, per Imperative Entertainment, e J.K. Nickell e Megan Creydt, per Texas Monthly, sono anche produttori esecutivi. Peter Feldman è produttore esecutivo. LANDMAN è distribuita da Paramount Global Content Distribution.

Documentari

IL CASO CARRETTA – Disponibile dal 25 novembre – Un documentario sulla misteriosa scomparsa della coppia Carretta e del loro figlio minore, e sulla ricerca della verità durata quasi 10 anni. Ferdinando, il fratello maggiore, ha poi confessato il suo terribile crimine durante un’intervista del popolare programma TV “Chi l’ha Visto?”.

LARGER THAN LIFE: L’ASCESA DELLE BOY BAND – Disponibile dal 13 novembre – Prodotto da MTV Entertainment Studios in collaborazione con Gunpowder & Sky, questo affascinante documentario esplora l’evoluzione delle boy band, uno dei movimenti musicali più duraturi della cultura pop, e ne celebra la storia ricca e appassionante, dall’influenza pionieristica dei Beatles alla crescita globale del K-pop, con approfondimenti sui gruppi iconici degli anni ’90 e 2000.

LARGER THAN LIFE intreccia queste storie in una playlist curata alla perfezione, passando da un gruppo all’altro per raccontare cosa significasse realmente essere un membro – o un fan – durante il periodo di massimo splendore di ogni band. Narrato dagli stessi artisti che hanno vissuto quel periodo, dai manager che hanno orchestrato il loro successo e da altre figure chiave del settore, LARGER THAN LIFE è un omaggio a coloro che hanno fatto battere i nostri cuori.

Da The Beatles e The Jackson 5 a New Edition, *NSYNC, New Kids on the Block e Backstreet Boys, fino a SEVENTEEN e altri ancora, il documentario offre uno sguardo dall’interno sulle boy band che hanno definito un’epoca. Tra le personalità presenti, AJ McLean, Chris Kirkpatrick, Donnie Wahlberg, Donny Osmond, Jeff Timmons, HANSON, Lance Bass, Michael Bivins, Nick Lachey, SEVENTEEN (HOSHI & VERNON) e Tiffany.

LARGER THAN LIFE è prodotto da Johnny Wright e da Van Toffler per Gunpowder & Sky, insieme ai produttori esecutivi Barry Barclay, Floris Bauer e Joanna Zwickel per Gunpowder & Sky, e Bruce Gillmer, Vanessa WhiteWolf e Michael Maniaci per MTV Entertainment Studios. La regia è di Tamra Davis.

La diretta degli Emas 2024

Su PARAMOUNT+, sarà disponibile anche la diretta degli EMAs 2024, con Rita Ora che condurrà lo show come presentatrice per la terza volta alla Co-op Live di Manchester domenica 10 novembre. L’edizione italiana della diretta sarà commentata da Jody Cecchetto e Shade su MTV, domenica 10 novembre a partire dalle 21.00 con il Live Show in lingua originale su MTV (canale Sky 131 e in streaming su NOW), MTV Music (canale Sky 132 e 704) e Comedy Central (canale 129 Sky e in streaming su NOW).

Lo show sarà disponibile in diretta anche su Pluto TV canale VH1+ Music Legends il 10 novembre dalle 20.00.

Nuovi film di Verdone

In occasione del lancio li “Vita Da Carlo Terza Stagione”, nuovi film dell’Amato attore e regista si aggiungono alla Library: Borotalco (1982), Acqua E Sapone (1983), Compagni Di Scuola (1988), Viaggi Di Nozze (1995), Sono Pazzo Di Iris Blond (1996), L’Amore è Eterno Finché Dura (2004). E altri nuovi titoli con i protagonisti della Serie: Caccia Al Tesoro (2017), Puoi Baciare Lo Sposo (2018), Mamma O Papà? (2017), Non Si Ruba A Casa Dei Ladri (2016), Italiano Medio (2015), Quel Bravo Ragazzo (2016), Ex (2009), Amici Per Caso (2024), Mario: Una Serie Di Maccio Capatonda (2013).

INFINE, NUOVI ANNUNCI DA PARAMOUNT+ PER THE AGENCY, attualmente in produzione a Londra per Paramount+ con SHOWTIME®: Hugh Bonneville, Reza Brojerdi, Adam Nagaitis, Ambreen Razia, Bilal Hasna, David Harewood, Kurt Egyiawan, Ray BLK, Sabrina Wu e Tom Vaughan-Lawlor entrano a far parte del cast in vari ruoli del thriller politico-spionistico THE AGENCY (ex The Department).

I nove attori si aggiungono al protagonista della serie e al due volte candidato all’Oscar Michael Fassbender (Martian) e ai già annunciati series regular Jeffrey Wright, Jodie Turner-Smith, Katherine Waterston, John Magaro, Alex Reznik, Andrew Brooke, Harriet Sansom Harris, India Fowler, Saura Lightfoot-Leon e Richard Gere. THE AGENCY, è commissionato da Showtime Studios e prodotto in associazione con 101 Studios. George Clooney e Grant Heslov sono produttori esecutivi attraverso la Smokehouse Pictures.

Dexter: New Blood, la recensione (senza spoiler) della serie tv

Ludovica Terracciano — Mon, 23 Sep 2024 07:51:10 +0000

Dexter: New Blood è una miniserie televisiva uscita nel 2021 scritta da Clyde Phillips e diretta da Marcos Sieg. Sequel dell’iconica Dexter, questa nuova produzione riporta in scena lo spietato serial killer interpretato da Michael C. Hall, ambientando la storia circa dieci anni dopo gli eventi conclusivi della serie originale.

Il protagonista si è trasferito in una piccola città di Iron Lake, nello stato di New York, sotto lo pseudonimo di Jim Lindsay, nel tentativo di lasciarsi alle spalle il proprio passato. Ha una relazione con il capo della polizia, Angela Bishop, e conduce una vita tranquilla e lontana dalle preoccupazioni. Tuttavia, una serie di eventi inaspettati riaccenderanno l’oscuro “passeggero” che da anni è riuscito a tenere a bada.

Dexter: New Blood, la recensione del sequel

Rilasciata otto anni dopo la conclusione della serie originale, che aveva deluso molti dei fan più affezionati, Dexter: New Blood mira a riportare gli spettatori all’interno della glaciale mente del protagonista e delle sue inquietanti vicende.

L‘obiettivo viene raggiunto in modo interessante, facendo tornare in scena uno dei personaggi più iconici del crime televisivo, ma, sfortunatamente, anche questa volta il finale potrebbe non soddisfare appieno le aspettative del pubblico.

La serie ripropone gli elementi distintivi di Dexter, come i monologhi introspettivi e i meticolosi piani da sociopatico del protagonista, affiancandoli a nuovi personaggi e storyline avvincenti. Purtroppo però, non riesce a catturare l’attenzione con la stessa intensità della serie originale e fatica a conquistare pienamente il pubblico.

Il ritorno di Michael C. Hall

Rivedere Michael C. Hall nei panni di Dexter Morgan, l’impeccabile serial killer ed ex esperto della polizia scientifica, è un piacere per gli appassionati. La sua interpretazione, già un punto di forza nella serie originale, resta uno degli elementi più convincenti anche in Dexter: New Blood.

Composta da dieci episodi, la miniserie esplora non solo la nuova vita di Dexter, ma approfondisce anche i suoi legami familiari, facendo riemergere un passato che pensava di aver ormai sepolto da anni. Lo sguardo glaciale del protagonista, i suoi piani scrupolosi e attenti, il suo complesso mondo interiore e i fantasmi del passato ritornano come cardini della narrazione, riaccendendo l’interesse attorno a un personaggio inquietante che ha lasciato un’impronta indelebile nella storia della serialità.

Inoltre, l’introduzione di nuovi personaggi e crimini aggiunge un tocco di freschezza alla trama e stimola curiosità e sorpresa. Purtroppo però, nonostante la scelta intelligente di riportare in scena Dexter, soprattutto alla luce del controverso finale della serie originale, questa miniserie fatica a offrire un contributo davvero significativo alla narrazione e a riconquistare completamente i fan.

Conclusioni

In conclusione, Dexter: New Blood si presenta come un sequel interessante, volto a rimediare al deludente finale della serie originale, aggiungendo nuove sfumature e sviluppi alla storyline.

Nonostante l’indiscutibile bravura di Michael C. Hall e l’intrigante curiosità di seguire le nuove e sanguinose vicende del protagonista, la miniserie non riesce però a eguagliare il successo dell’originale e, anche in questo caso, il finale ha suscitato perplessità tra i fan più fedeli.

Una visione consigliata agli amanti del genere crime e thriller, nonché ai fan più appassionati di Dexter e delle sue vicende, che apprezzeranno il ritorno del personaggio sul piccolo schermo. È preferibile però, per godersi maggiormente la visione, non avere aspettative troppo alte.

Mean Girls – la recensione (senza spoiler) della teen comedy

Ludovica Terracciano — Wed, 18 Sep 2024 12:36:56 +0000

Mean Girls è il reboot dell’omonimo film del 2004, iconica pellicola degli anni 2000 con protagoniste Lindsay Lohan e Rachel McAdams.

Attualmente in tendenza su Paramount+, questa nuova versione, presentata anche in forma di musical, segue la storia di Cady, un’adolescente che, dopo aver vissuto in Kenya, si trasferisce negli Stati Uniti e si iscrive alla North Shore High School. Inserirsi nel nuovo ambiente non sarà facile, soprattutto a causa del sistema di regole imposto da Regina George, l’implacabile e incontrastata Queen del liceo.

Ma quando Regina invita Cady a far parte del suo esclusivo gruppo di amiche, gli equilibri iniziano a vacillare, e Cady rimarrà inevitabilmente affascinata da questo nuovo mondo.

Mean Girls – la recensione – un reboot evitabile

Sebbene l’idea di rinnovare l’iconico film originale trasformandolo in un musical, con un nuovo cast e un linguaggio più vicino alla Gen Z, sembri promettente sulla carta, il risultato finale vacilla sotto diversi aspetti.

Alcune coreografie e motivi musicali risultano interessanti, ma nessuna canzone riesce davvero a imprimersi nella memoria. Gli outfit delle protagoniste, in particolare quelli di Regina George, che nel 2004 erano parte integrante dell’estetica del film, non riescono a replicare lo stesso impatto visivo, ma anzi risultano anonimi e dimenticabili.

L’uso di inquadrature simili a quelle della fotocamera del cellulare per mostrare come i ragazzi usano i social media, dai video di ammirazione per il proprio idolo del momento alla denigrazione immediata al primo errore, è un espediente narrativo intrigante che affronta una tematica attuale e ricca di potenziale. Purtroppo però, l’esecuzione resta superficiale e poco approfondita, non esplora a fondo queste dinamiche.

Nonostante la presenza di attori di rilievo come Tina Fey, che ha nuovamente curato la sceneggiatura, il cast giovanile fatica a emergere, con poche eccezioni, come quella di Jaquel Spivey nel ruolo di Damian Hubbard.

Le differenze con il primo

Nonostante alcuni elementi restino in comune con il film originale, come l’ambientazione, i nomi di alcuni personaggi e l’iconico Burn Book (il diario di Regina che raccoglie i pettegolezzi sui compagni di scuola), il nuovo Mean Girls, ambientato nel 2024, presenta inevitabilmente delle differenze significative rispetto alla versione del 2004.

Oltre all’introduzione del formato musical, assente nel primo film, una delle novità principali è la maggiore inclusività, con un cast più diversificato che riflette una maggiore attenzione alla rappresentazione etnica, mentre nel film originale il cast era in gran parte composto da attori bianchi.

Inoltre, come il predecessore aveva messo in luce le problematiche scolastiche dell’epoca, anche questa nuova versione affronta temi attuali, come l’uso spietato dei social media e il cyberbullismo, che rispecchiano le difficoltà contemporanee degli adolescenti di oggi.

Conclusioni

In conclusione, Mean Girls è una teen comedy pop e colorata, arricchita da coreografie e canzoni, che punta a evidenziare le problematiche attuali del sistema scolastico, ma che riporta una storia già raccontata, che non sentiva la necessità di essere riproposta.

Il successo dell’originale è infatti un fardello troppo ingombrante, rendendo inevitabile, per chi è amante del film del 2004, una delusione nel confronto tra le due versioni. La visione è quindi consigliata a chi cerca un’esperienza che, sebbene leggera, è anche capace di mettere in luce alcune delle sfide della nuova generazione, ma è importante non lasciarsi condizionare dalle aspettative e dalla nostalgia per il Mean Girls del 2004, che potrebbe influenzare negativamente il giudizio su questa nuova versione.