La dottoressa Jen Bell è legata a Ethan da un’amicizia che risale ai tempi del liceo e che negli ultimi anni si è fatta sempre più stretta, al punto che la figlia di lei lo vede come una sorta di figura paterna. Ciò nonostante il loro legame continua a restare rigorosamente platonico, per quanto entrambi auspicherebbero dall’altro quel “grande passo” che però sembra, per un motivo o per l’altro, non voler arrivare mai.

Ecco così che i protagonisti di You, always si trovano alle prese con qualcosa di imprevisto quando Jen ha modo di conoscere Patrick, autore dei suoi romanzi rosa preferiti, che dimostra sin da subito un debole nei suoi confronti. Ha inizio una relazione che rischia di rovinare per sempre il legame tra gli amici / amanti mancati, mentre nel frattempo anche Ethan comincia a frequentare una ragazza, più per ripicca che per reale convinzione.

You, always: io, te e gli altri – recensione

Il classico gioco di tira e molla e situazioni equivoche in una commedia romantica che non nasconde la sua essenza puramente derivativa, strizzando senza pudore l’occhio agli appassionati, pronti a farsi trascinare in una love-story che tutti sanno già come sia destinata a concludersi.

In You, always ci troviamo davanti a un triangolo romantico ambientato tra le acque turchesi del Queensland, palcoscenico suggestivo sfruttato soprattutto nella prima parte e ideale per rendere il film esteticamente avvolgente e rassicurante, tra panorami costieri e natura incontaminata. Un contesto nel quale si dipana una vicenda tanto parzialmente scorrevole quanto strutturalmente prevedibile fin dal suo incipit, modellato sulla situazione archetipica della cosiddetta “regola dell’amico che non sbaglia mai“.

Insieme per sempre

Sulla carta ci sarebbero tutti gli ingredienti per costruire un’incertezza credibile – il contrasto tra un legame di lunga data e una passione improvvisa, il timore di rovinare un’amicizia decennale contro il rischio di lasciar scappare un’occasione che potrebbe non ricapitare mai più – ma nella pratica si riesce facilmente a intuire dove la storia stia andando a parare, giacché il film stesso smette presto di trattare la scelta come una vera scelta e la trasforma in una sorta di formalità che si affida ai canonici step da rispettare prima dei titoli di coda.

Un racconto potenzialmente carico di sfumature emotive si perde così in un bicchiere d’acqua e non basta la simpatia dei protagonisti, interpretati da Adrian Grenier e Jessica De Gouw, a nascondere i limiti di uno script fin troppo timido. Script che paradossalmente potrebbe anche rivelarsi un punto di forza per gli onnivori del filone, mostrandosi come una garanzia di genere, una sorta di sigillo di familiarità: la sicurezza con cui la narrazione conduce chi guarda verso l’esito prefissato può essere da questi vista come un pregio e non come una scorciatoia.

Conclusioni finali

Un compitino di routine, svolto con cura ma senza particolare ambizione e soprattutto senza l’intento di raccontare qualcosa di effettivamente nuovo. Le atmosfere placide e i luoghi esotici fanno da sfondo alla love story – per ora ancora una strettissima amicizia – tra i due protagonisti, che si conoscono da anni ma non hanno mai trovato il coraggio di dichiararsi i reciproci sentimenti.

Terzi incomodi e proposte radicali non cambiano di fatto quella sensazione di già visto che You, Always si porta inevitabilmente dietro fino all’epilogo. La simpatia e la relativa chimica dei personaggi principali possono fare breccia nel principale target di riferimento, ma chi è in cerca di originalità farebbe meglio a rivolgere lo sguardo altrove.

Choong-sik, dopo anni di caccia serrata, riesce finalmente ad arrestare il boss della droga Ma Do-jun. La gloria professionale dura però pochissimo: la moglie del gangster, Hye-ran, orchestra infatti il rapimento di Si-nae, l’ex compagna di Choong-sik, come ritorsione. L’investigatore si troverà a dover unire le forze con il nuovo partner della donna, un veterinario, per cercare di salvarla.

In Husbands in Action l’improbabile coppia di alleati / rivali avrà anche altri problemi da risolvere nel corso di quella missione così delicata. La momentanea uscita di scena di Ma Do-jun ha creato un improvviso e drastico vuoto di potere nel mondo criminale cittadino, scatenando una guerra spietata e senza esclusione di colpi tra gang rivali per il controllo del territorio.

Husbands in Action: finché morte non li separi – recensione

Cosa succede quando due uomini che si detestano per ragioni del tutto comprensibili – uno ha sposato la ex moglie dell’altro – sono costretti a collaborare per salvare la persona che entrambi amano? Il merito principale del regista e sceneggiatore Park Gyu-tae è quello di averlo capito sin dal primo minuto come impostare le dinamiche narrative, sfruttando senza pensarci troppo le dinamiche alla base dei più classici buddy-movie.

Un film che vive proprio sulle ovvie idiosincrasie tra i protagonisti, che si ritrovano al centro di un qualcosa di paradossale mentre attraversano la scena malavitosa locale, ritrovandosi alle prese con situazioni estremamente pericolose prima che la narrazione dia effettivamente loro una mano, con tanto di epilogo aperto a potenziali prosiegui del franchise. Narrazione che segue con precisione una formula che, quando viene eseguita con questa cura, è in grado di funzionare a prescindere dalla sua mancanza di originalità di base.

A tutto gas

Inseguimenti in automobile – con tanto di breve sequenza d’animazione ad hoc – paracaduti, motoscafi, celle frigorifere, vecchi magazzini abbandonati e chi più ne ha più ne metta: a livello di mezzi e di location Husbands in Action non bada a spese, cercando una varietà di fondo sulla quale innescare le dinamiche da tipica action-comedy a tema. Il tutto all’insegna di una leggerezza che fa rima con consapevolezza, in quanto il racconto non prende in giro i propri personaggi ma “si diverte” insieme a loro, generando una dose di contagiosa simpatia da parte di chi guarda.

Certo non tutto funziona nei cento e rotti minuti di visione, e difficilmente chi poco avvezzo ai toni e alle atmosfere del cinema sudcoreano più mainstream e catchy riuscirà a farsi conquistare da una comicità così particolare. E allo stesso modo la trama paga diverse forzature, che giocano proprio sul contesto esagerato e scanzonato al contempo del progetto. Ma se approcciato sapendo già a cosa si va incontro, il film può offrire una sana dose di disimpegnato divertimento.

Conclusioni finali

Il tipo di operazione che il cinema popolare coreano ci regala ormai con costanza da diverso tempo: un piacevole film “medio”, un buddy-movie che, tra azione e risate, ci accompagna nell’improbabile missione di due uomini intenti a salvare la donna amata da entrambi, ex moglie di uno e nuova compagna dell’altro.

Husbands in Action ha l’intelligenza di non vergognarsi della propria essenza di facile consumo, offrendo una discreta varietà di situazioni e un mix equilibrato tra adrenalina e comicità, complice anche un cast che sceglie di non prendersi troppo sul serio. Intrattenimento senza pretese, che si dimentica in fretta ma riesce comunque a divertire durante la visione.

Netflix si prepara ad uno dei mesi più caldi, quello di Luglio 2026 con diverse serie tv e film per tutta la famiglia. Vediamo insieme tutte le novità della piattaforma di streaming che propone alcuni titoli attesissimi dai fan e molte prime visioni.

Netflix, film e serie tv: le novità nel catalogo di Luglio 2026

Grande attesa per ‘Enola Holmes 3‘ con protagonista l’attrice Millie Bobby Brown, disponibile dal 1 luglio 2026 su Netflix. In questo film, la detective Enola si trova a Malta dove i preparativi per le sue nozze si scontrano con la scomparsa di Scherlock che la trascina in un caso pericoloso. Mentre il 9 luglio uscirà sulla piattaforma di streaming ‘La casa della prateria‘ adattamento ai romanzi di Laura Ingalls Wilder. La serie reboot sarà composta da 8 episodi.

Inoltre il 6 luglio sarà disponibile la puntata finale di ‘Nuova scena 3‘, in cui gli artisti che hanno superato le diverse fasi si sfideranno per vincere il premio di 100 mila euro. Per chi ha amato Heartstopper, arriva ora il capitolo finale con la storia tra Nick e Charlie: Heartstopper Forever sarà disponibile dal 17 luglio.

Le serie e i film di Luglio di Netflix

Questi i titoli (tra film, serie e documentari), disponibili su Netflix a luglio 2026.

• Enola Holmes 3, dal 1 luglio
• Succede anche nelle migliori famiglie, 1 luglio
• La coda del diavolo, 1 luglio
• Estate ‘36, 1 luglio
• Worst Neighbor Ever – Vicini letali, 1 luglio
• Fast and Furious, 3 luglio
• 2 Fast 2 Furious, 3 luglio
• The Fast and the Furious: Tokyo Drift, 3 luglio
• Fast & Furious – Solo parti originali, 3 luglio
• Fast & Furious 5-8, 3 luglio
• Fast & Furious – Hobbs & Shaw, 3 luglio
• Heroes S1-4, 4 luglio
• Nuova scena 3, puntata finale il 6 luglio
• La casa della prateria, 9 luglio
• The Hawk, 16 luglio
• Heartstopper Forever, 17 luglio
• La mappa dei desideri, 17 luglio
• WWE: La storia dietro le quinte S3, 21 luglio
• A Toxic Love Story: Il caso Michelle Hadley, 22 luglio
• Ransom Canyon S2, 23 luglio
• 72 Hours, 24 luglio

Quando esce Lupin parte 4? La quarta stagione della serie, amatissima su Netflix, ha ora una data ufficiale. L’annuncio è stato dato dalla piattaforma di streaming sui social, dove è stato svelato quando vedremo il ladro gentiluomo in azione a Parigi. Scopriamo insieme il numero di episodi e le prime info trapelate.

Lupin 4: su Netflix dal 23 ottobre 2026

Dopo il successo delle prime tre stagioni, Netflix un anno fa ha comunicato di aver messo in cantiere la parte 4. Ora è arrivata la data ufficiale di quando vedremo la serie che si preannuncia essere uno dei titoli più attesi di questo autunno.

Come scritto sui social dalla piattaforma di streaming:

“Spoiler: Parigi è di nuovo il suo campo di gioco. Lupin Parte 4, 23 ottobre”. 

Si dovrà attendere il 23 ottobre 2026 per conoscere il futuro di Assane Diop e della sua famiglia. Sarà possibile vedere Lupin 4 anche su Sky Glass, Sky Q e tramite app su NOW Smart Stick. Ma cosa sappiamo sulla nuova stagione di Lupin? In totale saranno 8 gli episodi nei quali ritroveremo sempre l’attore Omar Sy nel ruolo del protagonista Assane Diop. Interpretazione che nel 2022 lo ha portato a essere candidato come Miglior attore in una serie drammatica.

Prime info sulla nuova stagione

La serie è liberamente ispirata ai romanzi di Maurice Leblanc dal titolo ‘Arsenio Lupin, il ladro gentiluomo‘. Nella terza stagione, uscita nel 2023, Assane Diop aveva finto di essere morto continuando però ad agire sotto copertura. Sul finale, il ladro aveva deciso di costituirsi per lasciare liberi la moglie e i figli ma mentre sta leggendo un libro, gli arriva una lettera del suo vicino, Hubert Pellegrini. Quali misteri si nascondono e chi l’ha tradito?

Omar Sy nel cast della quarta stagione dovrebbe ritrovare Ludivine Sagnier, Antoine Gouy, Soufiane Guerrab, Shirine Boutella, Théo Christine e Laïka Blanc-Francard. Non sono stati rese note ancora eventuali new entry.

Belinda è una professoressa universitaria di antropologia, incinta del suo primo figlio dopo aver già perso un bambino. La donna, afroamericana, è alle alle prese con un ambiente accademico in cui il razzismo è comunque presente. Il marito Norman, bianco, riceve un giorno una chiamata che lo informa della morte del padre, che non vedeva da anni: questi nel testamento gli impone, per aver accesso alla cospicua eredita, di prendersi cura dell’anziana matrigna Solange, con cui Norman non ha mai avuto un buon rapporto.

La donna è ricca, anziana e malata. In cambio dell’ospitalità, offre il suo lascito. L’accordo sembra conveniente, ma come scoprirà la protagonista di The Front Room non tutto è oro quel che luccica. Solange infatti comincia a insinuarsi con sempre maggior ambiguità tra le mura domestiche, arrivando a portare Belinda a frequenti crisi di nervi e a covare inquietanti attenzioni verso il nascituro. E la situazione prende una piega imprevista…

The Front Room: la stanza dei misteri – recensione

Il cognome una volta tanto non inganna e infatti i registi Max e Sam Eggers condividono proprio i natali con il ben più famoso fratello Robert, autore di cult del calibro di The Witch (2015), The Lighthouse (2019) e Nosferatu (2024). Non potevano quindi che esordire dietro la macchina da presa – in un lavoro realizzato per l’appunto a quattro mani – con un horror, a quanto pare genere chiave nelle corde di famiglia.

In The Front Room possono contare su una villain d’eccezione, sfruttando l’esperienza di Kathryn Hunter nei panni di Solange: una suocera apparentemente claudicante ed estremamente bigotta, con influenze demoniache più o meno verosimili, dando vita ad una sorta di “creatura” appartenente di diritto al canone dell’horror domestico.

Il problema è che il film costruito attorno a lei, che riesce a essere genuinamente inquietante in più di un’occasione, non è sul medesimo livello, mantenendosi su una medietà di fondo che un tempo lo avrebbe reso ideale per i cestoni degli autogrill.

Spunti inespressi

Ricordiamo Susan Hill, scrittrice britannica del racconto omonimo da cui The Front Room è tratto, per un altro romanzo già portato su grande schermo, ovvero il ben più riuscito The Woman in Black (2012) con Daniel Radcliffe. La Hill è abile nel creare il terrore domestico, nel trasformare la casa in prigione e l’intruso in catalizzatore di tensioni represse. Il racconto breve, nella sua rapida essenza, funzionava, ma questa trasposizione non convince sia a livello tensivo che di logiche narrative, spesso portate all’eccesso o gratuitamente reiterate.

Brandy, cantante R&B di grande successo negli States, prova a gestire le problematiche di un personaggio non semplice e dato anche il colpo di scena nell’epilogo si rivela relativamente azzeccata; più anonimo invece Andrew Burnap nelle vesti del marito/figliastro, d’altronde ruolo destinato a essere inevitabilmente succube del serrato confronto psicologico tra le due donne.

Alcune scene disturbanti, legati a problemi di incontinenza o alla caducità dei corpi, cercano di rivitalizzare un’anima horror altrimenti relativamente anemica, con gli spaventi assai limitati e il “colpo di scena” finale che arriva a chiudere un’ora e mezzo di visione che non aveva già da un po’ più nulla da dire.

Conclusioni finali

Il mistero non viene approfondito a sufficienza, con il sovrannaturale utilizzato come potenziale miccia narrativa ma mai realmente indagato nelle crepe di questo ambiguo ménage familiare. Una coppia di futuri genitori prossima ad accogliere la matrigna di lui, un’anziana arcigna e custode di oscuri segreti, è al centro di The Front Room, horror/thriller domestico a corto di idee.

La questione razziale, inizialmente presentata come centrale e poi relegata sullo sfondo, le influenze di Rosemary’s Baby (1968) lasciate inespresse, problemi di salute che assumono contorni inquietanti: il racconto, adattamento di una storia breve, accumula suggestioni senza mai sfruttarle davvero, affidandosi soprattutto all’interpretazione, quella sì sottilmente sinistra, di Kathryn Hunter nei panni di una villain sui generis.

Messico, metà anni Ottanta. Martín de la Torre è un impiegato della FEMEXFUT che si “autopromuove” sul palcoscenico nazionale con una dichiarazione televisiva temeraria e finisce per ritrovarsi, grazie all’appoggio di Azcárraga e della rete Televisa, a cercare di guadagnare l’assegnazione dei Mondiali del 1986 al proprio Paese. Originariamente doveva essere la Colombia ad ospitarli, ma il suo rinuncio quattro anni prima dell’evento aveva riaperto i giochi.

Il protagonista di Messico 86 si getta così a capofitto nella sua missione, armato di poco o nulla – nessun budget, nessun potere formale – ma dotato di una proverbiale sfacciataggine, che risulterà fondamentale nelle fasi chiave della contrattazione. Nel frattempo Martín deve anche fare i conti con una convulsa situazione sentimentale, nella quale tradisce la moglie – con cui il rapporto è ormai agli sgoccioli – con la vicina del piano di sopra. Un uomo per cui l’inganno è la parola d’ordine e pronto a tutto per ottenere ciò che desidera.

Messico 86: come prima, più di prima – recensione

C’è una scena nei primissimi minuti di Messico 86 che stabilisce con insolente chiarezza le coordinate dell’intero progetto, sospeso tra intenti documentaristici e una finzione che si mescola alla realtà. Un film che riflette sulle logiche televisive e sportive, su quelle stanze del potere dove anche il calcio stesso diventa non più gioco ma business, quanto mai tempista dato che i prossimi mondiali vedranno proprio la co-gestione tra USA e Messico.

Gabriel Ripstein non è soltanto il regista ma anche il nipote del produttore Alfredo e soprattutto il figlio di Arturo Ripstein, uno dei massimi autori del cinema latinoamericano del Novecento, tra i punti di riferimento di una generazione cinefila. Natali importanti, che vedono il Nostro alle prese con uno dei casi più emblematici che hanno segnato la storia, agonistica e non, del proprio Paese.

Guarda che Luna

Diego Luna – produttore esecutivo oltre che protagonista assoluto – concede a Martín quel fascino guascone e nevrotico, schivante la caricatura eroica senza cadere nel moralismo, con tanto di sussulti nei quali rompe la quarta parete. Un arrivista con un sogno da portare a termine, che mente e corrompe tutti, sia nell’ambiente domestico che in quello professionale, per un idealismo spiccio legato all’universalità del calcio.

Certo a tratti la satira prende il sopravvento, nel tentativo di rendere a tutti i costi simpatici dei personaggi che pur non sono propriamente dei modelli da prendere ad esempio. Una scelta calcolata, nel tentativo di intercettare un pubblico il più eterogeneo possibile, senza spingere necessariamente a farsi domande ma con lo scopo di offrire in forma di intrattenimento uno sguardo su quanto avvenuto realmente, un evento poco conosciuto dai tifosi internazionali.

Tifosi che non potranno godere di scene sul campo da gioco effettivamente degne di tal nome, ma qui per l’appunto la componente agonistica è un pur fondamentale sottofondo a una storia di rivalse e conquiste, tra improvvisi drammi collettivi – il devastante terremoto che colpì il Messico nel 1985 rischiò di mischiare nuovamente le carte – e questioni private che si intersecano alla storia di un’intera nazione.

Conclusioni finali

Una satira politica ben costruita e ritmata, che paga qua e là una parziale monotonia nell’affrontare, tra istinti documentaristici e altri più cinicamente leggeri, l’assegnazione dei mondiali del 1986 al Messico, come già d’altronde esplicava letteralmente il titolo Messico 1986. Un film che (soprav)vive sull’interpretazione di Diego Luna, personaggio scomodo al quale tutto ruota attorno.

Il calcio diventa business, la politica si fa partita a scacchi, tra inganni, bugie e interessi che affrontano un periodo temporale già carico di situazioni più o meno traumatiche. Ne esce una visione sporca e veloce nella sua ora e mezzo, quanto mai tempista data l’imminenza dei prossimi campionati in suddetti lidi.

Un giornalista arriva in città per indagare sugli abusi commessi nell’ashram del santone Anand Shri, ma viene ucciso in circostanze misteriose. Pawan, agente di polizia incaricato della sua protezione, comincia a essere consumato dal senso di colpa e si imbarca in una crociata personalissima per consegnare il colpevole alla giustizia. Le indagini sembrano dare la colpa dell’omicidio a un ragazzino, ma il protagonista di Kartavya intende vederci chiaro.

Da quel momento l’indagine si trasforma sempre più in una discesa dentro un sistema marcio e corrotto fino al midollo, dove politici, uomini di potere, criminali e persino le forze dell’ordine sembrano far parte di un medesimo meccanismo. Mentre minacce sempre più dirette cominciano a mettere in pericolo la sua famiglia, Pawan dovrà comprendere fino a dove può spingersi e se il rischio valga la candela.

Kartavya: strade violente – recensione

Il film sembra essere stato sviluppato con l’ambizione di traghettare il crime-drama indiano verso territori più cupi e ambigui, ma nel corso dei suoi cento minuti di visione finisce per cadere negli ennesimi tranelli del genere, schiacciato tra un abbozzato tentativo di realismo sociale e dei meccanismi più classici da produzioni di intrattenimento streaming.

La sceneggiatura si affida a uno spunto di partenza carico di potenzialità, purtroppo non tutte esplorate pienamente nel corso del racconto. Il regista Pulkit, anche autore della storia, sfrutta il contesto per innescarvi un racconto teso e polveroso, immerso in quell’India rurale e periferica dove la povertà e tradizioni arcaiche spingono la gente a scelte disperate, spesso legate a logiche criminali e violente. Una terra di nessuno, dove il Male è libero di prosperare e fare la cosa giusta non è così semplice come altrove.

Una giustizia a orologeria

Laddove Kartavya convince maggiormente è proprio nella sua atmosfera trattenuta e disillusa, in un racconto che non è popolato da santi od eroi ma da uomini comuni alle prese con situazioni impreviste, alcuni cedenti al lato oscuro e altri saldi nel restare sulla retta via. Il protagonista Saif Ali Khan si carica sulle spalle il peso drammatico del film, ma la sua espressività relativamente ridotta non permette al personaggio di esprimere pienamente quel crescente moto di sensazioni. Il cast in generale non brilla particolarmente, quando nella stessa Bollywood abbiamo assistito anche in tempi recenti a performance ben più incisive.

Nella seconda metà la struttura narrativa accelera verso una chiusura parzialmente prevedibile, inserendo un paio di colpi di scena relativamente forzati e non preparando emotivamente il campo a quanto da lì a venire. Tanto che l’anima tensiva finisce per essere più timida del previsto, e Kartavya appare come una sorta di pilot per un’ipotetica serie televisiva che non vedrà mai la luce.

Conclusioni finali

Un film che trova i suoi momenti migliori quando prova a intercettare, più o meno volontariamente, il clima di sfiducia verso le istituzioni e le figure di potere, in un’India rurale dove la povertà genera nuovi mostri e il tradimento è sempre dietro l’angolo. Kartavya è un crime-drama a sfondo politico che ci prova ma non graffia a dovere, adagiandosi troppo timidamente su leitmotiv risaputi.

Le indagini di un poliziotto integerrimo, ritrovatosi in una situazione pericolosa che rischia di mettere in pericolo anche la sua famiglia, caratterizzano cento minuti di visione che viaggiano col pilota automatico, tra spunti incapaci di esprimersi a pieno regime e un mood disilluso che finisce per riflettersi nella natura ambiziosa ma incompiuta dell’intera operazione.

Il 31 luglio 2022 una Toyota Camaro si schiantò a oltre 160 chilometri orari in un viale di Strongsville, nello stato dell’Ohio. Nell’impatto persero la vita Dominic Russo e Davion Flanagan, mentre alla guida dell’auto si trova la diciassettenne Mackenzie Shirilla, sopravvissuta all’incidente e fidanzata con una delle vittime.

Come scopriremo in The Crash, quello che inizialmente sembrava essere il risultato di un tragico incidente si è trasformato rapidamente in un caso giudiziario alquanto controverso. Per le indagini da parte dell’accusa infatti si è aveva a che fare con un duplice omicidio volontario commesso dalla sola superstite. Attraverso filmati d’archivio, interrogatori, testimonianze e ricostruzioni mediatiche, il documentario ripercorre una vicenda dove il confine tra disagio adolescenziale e premeditazione criminale si fa sempre più ambiguo.

The Crash: nessuna verità – recensione

Negli ultimi anni il true crime ha spesso trasformato il dolore reale delle persone in un meccanismo da binge-watching compulsivo, sospeso tra intrattenimento e pornografia emotiva. Il mercato dello streaming ha enfatizzato ulteriormente questa sensazione e The Crash, pur tentando a tratti di evitare la trappola, rischia invece di ricadervi in molteplici occasioni nel corso della sua ora e mezzo di visione.

Visione che si concentra sull’atmosfera quasi irreale di una storia che sembra uscita da un incubo connotato pienamente nella provincia americana. Un incubo che ha visto per protagonisti dei ragazzi giovanissimi, alle prese con le insidie di relazioni tossiche e di quell’estetica da social media che consuma tutto, dai classici odiatori del web fino a quell’atteggiarsi davanti allo schermo, che nasconde o meno il vero Io. Un gioco di apparenze che, vero o fasullo che sia, finisce per ritorcersi contro la principale indiziata, comparente in prima persona davanti alle telecamere per raccontare anche la sua versione dei fatti.

Il gioco delle parti

Il regista Gareth Johnson ha costruito un documentario freddo e metodico, che si fa forza dell’ambiguità morale di un caso che continua tuttora a tenere banco tra l’opinione pubblica d’Oltreoceano, con le varie fazioni di chi crede Mackenzie innocente o chi ancora la ritiene una subdola manipolatrice. Tagliamo subito la testa al toro dicendo che The Crash non offre verità assolute o giudizi di sorta, lasciano allo spettatore stesso lo scomodo compito di farsi una propria idea e di siglare o meno egli stesso la condanna di colpevolezza.

Il film convince soprattutto quando lascia emergere il senso di vuoto dietro una generazione cresciuta tra social network, dipendenza emotiva e incapacità di elaborare il dolore. Eppure, nonostante il tentativo di distinguersi dalle decine di produzioni omologhe, The Crash finisce per cadere proprio nel medesimo ingranaggio che vorrebbe osservare criticamente, tra interviste, filmati di repertorio e le riprese del processo che scavano nel torbido con crudele insistenza.

Conclusioni finali

The Crash cerca di interrogarsi sul peso delle immagini, sull’ossessione da social network e su come ciò che pubblichiamo online possa trasformarsi in un armadio pieno di scheletri, pronto a spalancarsi quando l’opinione pubblica decide di voltarti le spalle e un’indagine comincia a scavare nel tuo passato, alla ricerca di prove e ambiguità.

Innocente o colpevole? L’imputata al centro di questo documentario true-crime viene sottoposta al giudizio del pubblico, chiamato nei novanta minuti a confrontarsi con una giustizia americana che sembra aver già trovato la propria risposta, nonostante le numerose zone grigie che restituiscono il ritratto di una società profondamente divisa e di una gioventù in cerca del proprio posto nel mondo.

Sta per arrivare l’estate e il mese di Giugno 2026 su Netflix è ricco di serie tv e film per tutta la famiglia. Vediamo insieme tutte le novità della piattaforma di streaming che propone alcuni titoli attesissimi dai fan e molte prime visioni.

Netflix, film e serie tv: le novità nel catalogo di Giugno 2026

Grande attesa per i nuovi titoli del mese di Giugno 2026 di Netflix. Tra questi c’è la commedia romantica dal titolo ‘Office Romance‘, in uscita il 5, che vede come protagonisti gli attori Jennifer Lopez and Brett Goldstein. E ancora dopo il successo della prima stagione, arriva ‘Storia della mia famiglia 2‘ con una grande new entry nel cast: Sergio Castellitto. Confermatissimi Eduardo Scarpetta, Vanessa Scalera, Massimiliano Caiazzo, e Cristiana Dell’Anna.

Dal 22 giugno sarà disponibile, ogni lunedì, una puntata di ‘Una nuova scena 3‘. Accanto a Fabri Fibra, Geolier e Rose Villain si aggiunge Guè. I giudici cercheranno i nuovi talenti su Bologna, Lugano e Milano insieme a Ele A, Kid Yugi, Lazza, Neffa e Tredici Pietro. Inoltre, dopo la messa in onda sulla Rai e su Mediaset, arrivano sulla piattaforma di streaming ‘I Cesaroni – Il ritorno‘ e ‘Mare Fuori – stagione 6’.

Le serie e i film di Giugno di Netflix

Questi i titoli (tra film, serie e documentari), disponibili su Netflix a giugno 2026.

• ‘Rocky I-V’, 1 giugno
• ‘Rocky Balboa’, 1 giugno
• ‘Creed III’, 1 giugno
• ‘My Hero Academia S6’, 1 giugno
• ‘Come può uno scoglio’, 4 giugno
• ‘The Disaster Artist’, 4 giugno
• ‘Appuntamento con l’amore’, 4 giugno
• ‘The Witness’, 4 giugno
• ‘The King of Queens S1-9’, 4 giugno
• ‘Office Romance‘, 5 giugno
• ‘Fifa ’94: Il grande ritorno del Brasile’ (documentario), 7 giugno
• ‘Sesame street – volume 3‘, 8 giugno
• ‘Storia della mia famiglia 2‘, 10 giugno
• ‘Mare fuori S6’, 10 giugno
• ‘Il colore delle magnolie – stagione 5’, 11 giugno
• ‘American Sniper’, 11 giugno
• ‘I Cesaroni – Il ritorno’, 15 giugno
• ‘Fuori la verità’, 18 giugno
• ‘Magic Mike XXL’, 18 giugno
• ‘Ovunque tu sia’, 18 giugno
• ‘Una nuova scena 3‘, 22 giugno
• ‘La mano di Dante‘, 24 giugno
• ‘The American Experiment’, 24 giugno
• ‘Avatar, la leggenda di Aang stagione 2’, 25 giugno
• ‘Little Brother’, 26 giugno
• ‘Una notte al museo’, 26 giugno
• ‘Una notte al museo 2 – La fuga’, 26 giugno
• ‘Notte al museo – Il segreto del faraone’, 26 giugno

I consigli per l’estate

Con l’arrivo dei mesi più caldi, Netflix consiglia alcune location che hanno fatto da sfondo a serie e film come la città di Atrani presente in ‘Ripley‘, Torino in ‘La legge di Lidia Poët‘, passando per la Sicilia aristocratica de ‘Il Gattopardo‘, la Londra romantica di ‘Bridgerton‘ e la Parigi contemporanea di ladri come Lupin e Berlino, o influencer come Emily Cooper. E quella in produzione, la sesta, sarà l’ultima stagione di ‘Emily in Paris‘.

Shashank Sharma, originario di Patna, ha trovato il suo posto a Mumbai dove lavora nel marketing di un’azienda. Stimato dai colleghi, ha sempre sofferto di un difetto di pronuncia che gli ha impedito fino a oggi di fare carriera, soprattutto per via della sua paranoia. Paranoia della quale soffre anche Roshni Srivastava, content creator nel campo della moda che invece ha l’autostima sottozero, al punto da portare degli occhiali da vista come forma di “protezione” dallo sguardo esterno.

I protagonisti di Innamorarsi in città, così diversi eppure così complementari, finiscono per incontrarsi quando le rispettive famiglie di entrambi decidono di valutare per loro un possibile matrimonio combinato. Ma la ragazza, ancora convinta di non essere abbastanza carina, inizialmente rifiuta il corteggiamento, dando vita ad un tira e molla sentimentale.

Innamorarsi in città: se son rose, fioriranno – recensione

La prima ora di Innamorarsi in città è anche la sua parte migliore, quando la sua premessa regala ancora qualche incognita al legame in divenire tra i due potenziali innamorati. Il problema è quando la storia decide di incanalarsi in quella serie di numerosi e ripetuti stereotipi che allungano a dismisura – il film dura centoquaranta minuti – quanto poteva essere tranquillamente raccontato in un’ora e mezzo di visione.

Il regista Ravi Udyawar sceglie qui un registro lento, osservativo, costruito sulla durata dei momenti piuttosto che sulla loro effettiva intensità. I due protagonisti si conoscono, si valutano, si comprendono nelle proprie paure ma finiscono anche per scontrarsi, prima che l’inevitabile lieto fine faccia ovviamente la sua comparsa, dando loro modo di superare le rispettive fobie. D’altronde, anche comprensibilmente, il grande pubblico richiede in un melodramma romantico degli sviluppi edificanti.

Canta che ti passa

Le atmosfere bollywoodiane sono naturalmente servite, con passaggi romantici caricati all’eccesso e quelle canzoni pop a sottolineare ulteriormente l’exploit emotivo di quanto avvenente in scena, dando campo libero alla regia per concentrarsi sui volti della coppia intenta ad amoreggiare con più o meno trasporto.

Per gli appassionati del cinema indiano e di questo genere di pellicole a tema, il cast è la principale ragione per (re)stare davanti allo schermo. Siddhant Chaturvedi trova in Shashank un personaggio costruito con ironia e gentilezza, doti chiave della sua recitazione, tanto da rendere credibile quel difetto di pronuncia che affligge d’altronde molte persone in ogni angolo del mondo. Mrunal Thakur d’altro canto porta a Roshni quella nevrotica fragilità tale da rendere amabile una figura spesso rocambolesca e imprecisa, al punto che l’alchimia tra i due resta il vero e proprio punto di forza col quale arrivare al cuore del pubblico.

Conclusioni finali

Clamoroso flop in patria all’uscita nelle sale, Innamorarsi in città ha trovato nuova vita su Netflix, tra record di visualizzazioni e un gradimento inaspettato. Una rom-com dal solito tono melodrammatico, che sfrutta i topoi di Bollywood per provare a raccontare qualcosa di nuovo.

Tentativo parzialmente riuscito nella prima metà, con la sceneggiatura che poi si adagia su un prevedibile tira e molla, finendo inevitabilmente per allungare la visione sulla durata standard del cinema nazionale. Un approccio formulaico che rischia di togliere spontaneità all’assunto, immancabili canzoni incluse nella narrazione, ma che ha comunque conquistato con facilità il principale target di riferimento, almeno in streaming.

Lienkie viene lasciata all’altare dal futuro sposo…ma non in un modo canonico. Scopre infatti poco prima del fatidico sì che colui destinato a essere la sua dolce metà la sta tradendo con una ragazza più giovane. Questo impedirà alla protagonista di partecipare al fatidico concorso a tema La sposa dell’anno, che sogna di vincere fin da quando era soltanto una bambina.

Invece di elaborare il dramma e crogiolarsi nel proprio dolore, decide di vendicarsi a modo suo non appena scoperto che il mancato marito è prossimo a convolare a rapidissime nuove nozze con l’amante, nella speranza di vincere comunque la gara. Lienkie decide allora di “noleggiare” un fidanzato, con la scelta che ricade su un piccolo ladruncolo dal cuore d’oro, con il quale lei stessa aveva avuto dei piccoli problemi in passato: lei gli permetterà di uscire dal carcere in cambio della sua partecipazione all’inganno. Ma con lo scorrere del tempo, anche il vero amore rischia di far capolino tra i due.

La sposa dell’anno: risate e sentimenti di routine – recensione

La sceneggiatura di La sposa dell’anno non reinventa nulla e non lo pretende nemmeno, mantenendo ampiamente riconoscibili tutti gli ingredienti tipici del genere, ampiamente riconoscibili soprattutto quando si limita a richiamare produzioni ben più famose. Il finto fidanzato con cui scocca la scintilla, la gelosia tra gli ex, la dinamica degli opposti che si attraggono e un discreto cast di supporto a complicare le cose alla principale love-story.

La vicenda procede con una leggerezza dichiarata, che non concede pause eccessive e si affida ai canonici momenti di commedia fisica e simil-slapstick: Lienkie è il tipo di personaggio che trasforma ogni situazione ordinaria in una catastrofe improbabile, potente contare sull’esplosiva simpatia di Carine Rous, nota più lieta di un cast altrimenti anonimo.

Tutto come previsto, o quasi

Peccato che il film sconti quei limiti strutturali che sembrano inerenti alla genesi produttiva, con una messa in scena di marchio televisivo, senza guizzi stilistici degni di nota e con una narrazione che non ha paura di osare su territori potenzialmente più ambigui. L’ultimo atto si affretta inoltre verso la definitiva risoluzione / resa dei conti con una velocità che rischia di sacrificare alcuni sviluppi intermedi e rende poco credibile e naturale l’evoluzione romantica che vede coinvolti i protagonisti.

La sposa dell’anno finisce così per affidarsi però esclusivamente alla formula del proprio impianto comfort, lasciando raramente il segno per rifugiarsi continuamente nella sua rassicurante prevedibilità di fondo. Il triangolo emotivo, la ex suocera invadente, il rivale troppo perfetto per essere insidiato, le figuracce pubbliche e le svolte sentimentali arrivano esattamente quando uno se li aspetta, in un racconto che non intende mai realmente mettere in discussione gli stereotipi del filone.

Conclusioni finali

Voice-over d’ordinanza ad aprire questo film televisivo di produzione sudafricana, dove i protagonisti sono tutti bianchi come il vestito che indosserà la vincitrice del concorso La sposa dell’anno, riconoscimento tanto agognato dalla protagonista, puntualmente “abbandonata” all’altare.

Abbandonata per usare un eufemismo, in questa storia di tradimenti, vendette romantiche e nuovi amori (in)attesi, racchiusa in una confezione da rom-com prevedibile sul piano narrativo e piatta a livello stilistico, nonostante la simpatia della volenterosa Carine Rous nel ruolo principale.

Lhan è una bambina di origini vietnamite, portatrice di un gruppo sanguigno rarissimo – il cosiddetto sangue Aurum – che la rende un bersaglio irrinunciabile per Pruek, potente signore del crimine thailandese affetto da una patologia che richiede trasfusioni regolari per garantirsi la sopravvivenza. Quando i suoi genitori vengono uccisi a sangue freddo da un cacciatore di taglie assoldato dal boss, Lhan viene salvata dal gruppo di killer noto come Casa 89, assassini professionisti guidati dall’enigmatico Poh.

La protagonista di My dearest assassin viene accolta nella struttura operativa e cresciuta come fosse un membro della famiglia, stringendo un rapporto particolare di profonda amicizia con i coetanei M e Pran, quest’ultimo figlio del capo. Trascorrono gli anni e a Lhan è vietato di uscire per evitare potenziali pericoli, giacché gli scagnozzi di Pruek non hanno ancora perso le speranze di rintracciarla…

My dearest assassin: un colpo al cuore – recensione

Questa produzione thailandese richiama evidentemente quella tradizione cinematografica che spopolava a Hong Kong tra gli anni Ottanta e Novanta e che diede vita ad alcuni dei film d’azione più esaltanti della storia del genere. Basti pensare ai film di John Woo o Johnnie To, classici del filone come The Killer (1989) o A hero never dies (1998), quali modelli archetipici ai quali My dearest assassin intende richiamarsi.

Ben più di una semplice ispirazione il cosiddetto “heroic bloodshed” per il regista Taweewat Wantha, che decide di ibridarne l’epica violenta con una sottotrama centrale da teen-romance, strizzando così l’occhio a un pubblico potenzialmente più ampio. Un regista che viene dall’horror e si vede nella gestione delle sequenze più crude, con il sangue che scorre copioso non solo quale conseguenza delle numerose sparatorie ma anche in quanto oggetto delle trasfusioni che si riveleranno centrali nel cuore della narrazione.

Una convivenza difficile

Il risultato è un film che finché si tratta di sparare, picchiare a più non posso e far esplodere pezzi di set funziona più che efficacemente, riuscendo a conquistare con le sue veloci coreografie e un ritmo galoppante anche un target relativamente perfezionista. Il problema è che la componente sentimentale mal si integra a tutto il resto, così come il discorso sull’amicizia maschile – fraterna che vorrebbe guardare forse proprio al già citato The Killer.

Le sequenze d’azione sono come detto di un livello nettamente superiore alla media della produzione streaming internazionale: inquadrature ampie che consentono allo spettatore di seguire ogni singolo movimento, raccordi che assecondano il pathos degli scontri invece di nasconderne le lacune, slow motion una volta tanto usato con parsimonia e una fisicità dei corpi che si risente nei colpi e nelle ferite. Specialmente nelle sequenze negli interni la messa in scena gioca le sue carte migliori, con la claustrofobia che amplifica l’urgenza del combattimento e di quei fendenti potenzialmente fatali.

L’amore oltre l’ostacolo?

Laddove My Dearest Assassin fatica non poco è in ciò che unisce questi balletti di morte che si susseguono nelle abbondanti due ore di visione. La sceneggiatura propina una quantità di materiale narrativo eccessivo senza mai trattare degnamente i vari personaggi coinvolti, principali e secondari o buoni e cattivi che siano.

Lo stesso triangolo sentimentale che vorrebbe suscitare tensione romantica tra Lhan, Pran e M ha degli esiti talmente scontati da rasentare la parodia, così come le motivazioni delle figure adulte che prendono le decisioni ai piani alti. Si accumula troppo, senza però offrire necessaria profondità a personaggi e situazioni introdotte e la scenetta nel bel mezzo dei titoli di coda non fa che aggiungere gratuitamente un piccolo colpo di scena non strettamente necessario.

Conclusioni finali

Un film che sa il fatto suo quando c’è da menare le mani ma che si perde in una narrazione forzata e sconclusionata, con la componente romantica inserita superficialmente in un contesto che avrebbe richiesto emozioni ben più profonde e sanguigne. In My Dearest Assassin, titolo che già lasciava intuire le insidie della premessa, la storia d’amore teen tra i protagonisti – con tanto di abbozzato triangolo sentimentale e amicizie fraterne nel mezzo – si amalgama a fatica con un’anima action altrimenti eccellente.

Coreografie spettacolari e una violenza che trova il giusto equilibrio, palpabile ma mai gratuita, rendono comunque la visione un godibile intrattenimento per gli amanti del genere, a patto di chiudere un occhio sulle evidenti debolezze in fase di sceneggiatura.

La giovane Gretchen ha lo sguardo scocciato di chi si trova in un posto dove non vorrebbe essere. La protagonista di Cuckoo infatti è stata costretta a seguire il padre Luis e la nuova compagna Beth – madre della sua sorellastra, la piccola Alma – in un resort di lusso immerso nelle Alpi Bavaresi. Resort che appartiene a Herr König, un misterioso individuo che il pubblico comprende fin da subito nasconda qualcosa di inquietante.

Dal suo arrivo Gretchen, nel frattempo assunta come receptionist nell’hotel locale, comincia a essere testimone di eventi inspiegabili, rivivendo le medesime, identiche, situazioni in più occasioni a distanza di pochi secondi e trovandosi coinvolta in una serie di incidenti che mettono a repentaglio la sua incolumità. La linearità del tempo sembra avere un problema in quel posto e l’entrata in scena di un ex-poliziotto che sta indagando proprio su König complica ulteriormente le cose.

Cuckoo: qualcuno volò sul nido del cuculo? – Recensione

C’è una cosa che caratterizza il cuculo rispetto alle altre specie di uccelli: deposita le proprie uova nei nidi altrui, lasciando che un’altra madre le covi e le allevi come se fossero le sue, e quando il guscio si schiude il pulcino si rivela già abbastanza grande da spingere fuori dal nido le uova originali. Si chiama parassitismo della covata e su questa premessa, adattata ad un contesto sociale ed eugenetico, si basa la premessa di Cuckoo, thriller/horror scritto e diretto da Tilman Singer.

Il regista originario di Lipsia, il cui debutto Luz (2018) aveva rigettato qualsiasi schema dell’horror convenzionale, costruisce intorno a questa metafora biologica il suo secondo lungometraggio, dando il ruolo di assoluta protagonista alla lanciatissima Hunter Schafer, già star della serie cult Euphoria.

Una verità da svelare

Il film riesce a costruire una discreta dose di tensione senza che lo spettatore riesca a individuare chiaramente non da tanto da chi, ma da cosa provenga la minaccia, il pericolo che si sente incombere sulla malcapitata Gretchen e sulla sua famiglia, complice o meno che sia. Le Alpi Bavaresi diventano un paesaggio interiore prima che geografico: la bellezza algida di luoghi sconfinati è anche spazio paradossalmente ostile, laddove i soccorsi non sono propriamente a portata di mano e l’isolamento diventa una consuetudine pericolosa.

Gretchen si sente estranea a tutto ciò che la circonda, a cominciare da quella nuova routine familiare alla quale non riesce ad abituarsi – e frequenti sono le sue telefonate alla madre in cerca di conforto. E così è ancora più pericolosamente facile cadere in quell’incubo ad occhi – e orecchie – aperti, con un suono che non appartiene né alla natura né alle macchine che diventa presagio di imminenti sventure.

Peccato che la buona atmosfera costruita nella prima metà non trovi poi adeguato riscontro quando la rivelazione mette infine tutte le carte in tavola, con alcune forzature e inverosimiglianze che chiedono ben più di una semplice sospensione dell’incredulità allo spettatore attonito. Il quale deve accettare pienamente quel folle gioco narrativo per evitare che quanto accade davanti ai suoi occhi non scada nel ridicolo involontario.

Conclusioni finali

Una trappola sensoriale efficace per quasi un’ora di visione, sostenuta da una Hunter Schafer perfetta nell’incarnare il disorientamento familiare in un contesto sempre più inquietante. Cuckoo si sfilaccia però nel confronto finale, con risvolti improbabili che ne compromettono la coerenza e finiscono per indebolire la tensione accumulata fino a quel momento.

Il risultato è un horror riuscito soltanto a metà, capace di affascinare grazie alla sua atmosfera criptica e straniante ma non altrettanto abile nel gestire il mistero e le reali motivazioni del villain, tra complotti e vendette che si intrecciano senza equilibrio in una deriva narrativa più gratuita che realmente armonica.

Storia della mia famiglia, acclamato dramedy di Netflix, è in arrivo con una seconda stagione. Composta da sei episodi, è creata da Filippo Gravino e scritta insieme a Elisa Dondi. Prodotta da Palomar (a Mediawan company) e diretta da Claudio Cupellini e Marco Danieli, sarà disponibile solo su Netflix il 10 giugno. Di seguito, scopriamo ulteriori dettagli.

Storia della mia famiglia 2: data di uscita, trama e cast della seconda stagione

Dopo il grande successo del primo capitolo, Storia della mia famiglia torna con una seconda stagione. Dal trailer rilasciato recentemente, abbiamo già visto che torneranno nel cast Eduardo Scarpetta, Vanessa Scalera, Massimiliano Caiazzo, Cristiana Dell’Anna, Antonio Gargiulo, Aurora Giovinazzo, Gaia Weiss, Filippo Gili, Tommaso Guidi, Jua Leo Migliore e Fernando Guallar. Questa volta, però, si aggiunge una new entry d’eccezione: Sergio Castellitto.

La trama riprende dagli eventi della prima stagione. Un anno dopo la morte di Fausto, l’equilibrio sgangherato e amatissimo del gruppo di amici e familiari è sempre più precario. Nonostante l’impegno infatti, ognuno di loro non riesce a trovare una propria stabilità. L’unico che sembra non vacillare è Valerio, che è anche il più insospettabile. Il ragazzo infatti, per proteggersi dal dolore, si è immerso in una nuova modalità di fuga dai ricordi del fratello. Almeno finché, nelle loro vite, non arriva improvvisamente il padre, inarrestabile clone di Fausto e della sua vitalità. Le sfide allora si raddoppiano. Tra ritrovare l’unità famigliare, ricongiungere Libero a Ercole, e riconoscere che è arrivato il momento di elaborare davvero il lutto, le difficoltà saranno all’ordine del giorno.

Una cosa, però, è certa: i nostri protagonisti sanno ancora ridere per ogni caduta e sanno ancora amare sopra ogni dolore.

In arrivo solo su Netflix dal 10 giugno, questa nuova stagione promette nuove emozioni, tra rialzate e ricadute costanti, portando gli spettatori nelle numerose sfaccettature del dolore e dell’elaborazione del lutto.

Pamplona, 1999. Adela Castro è figlia unica di una famiglia conservatrice della Navarra, cresciuta nell’ombra protettiva di una madre oppressiva e nella routine delle lezioni di catechismo che impartisce ai bambini del quartiere. Adela è cresciuta in un corpo che non ha mai sentito suo e un giorno scopre il perché, quando una visita medica fa emergere la sua condizione intersessuale – condizione che i genitori le avevano sempre nascosto pensando di proteggerla – e la protagonista di Mi querida señorita si trova a dover ricostruire la propria identità.

Non sarà semplice dopo anni di ormoni e bugie ricominciare da capo e comprendere i propri desideri, al punto che Adela decide di andarsene da casa e vestirsi e comportarsi come se fosse un maschio, ancora incerta su cosa voglia veramente nella propria vita. La presenza di alcune figure che le ruotano intorno sarà determinante per aiutarla a comprendere i suoi desideri ma prima ancora se stessa.

Mi querida señorita: tempi e modi – recensione

Nel 1973, sotto il regime franchista, l’uscita nei cinema spagnoli di Mi querida señorita sembrava impossibile: come aveva fatto un film dalle tematiche così queer a superare la censura e portare sullo schermo una storia di identità di genere in quel complesso periodo storico? Un film pionieristico, in anticipo su tutto e capace di far discutere e riflettere.

Cinquant’anni dopo, l’idea di aggiornarlo per le nuove generazioni, molto più ricettive a certe tematiche, era tanto doveroso quanto potenzialmente azzardato: un passaggio di testimone tra chi ha dovuto insinuare il discorso e chi oggi può finalmente espanderlo.

La risposta di Fernando González Molina, regista lontano dalla sperimentazione che ricordiamo per la versione spagnola di Tre metri sopra il cielo ma anche per alcuni interessanti thriller/mystery, è stata quella di approcciarsi alla vicenda base con uno sguardo accessibile e caloroso, adatto a un tipo di pubblico il più eterogeneo possibile. Il risultato è un film che accompagna Adela con delicatezza e partecipazione, rendendo la complessità più fruibile senza tradirla apertamente.

La quiete senza la tempesta?

Una scelta che diventa al tempo stesso punto di forza e limite: la gentilezza con cui si avvicina al tema finisce per smussarne anche gli angoli più radicali e l’impressione di una favoletta, seppur condivisibile nei contenuti e nel messaggio, si affaccia ben presto.

Il percorso di Adela è raccontato con una progressione emotiva che raramente cede alla retorica e che trova intensità nelle sequenze di “passaggio”, nei momenti in cui il personaggio si trova a confrontarsi con la propria immagine riflessa senza più le aspettative altrui a pesare su di lei: ora è solo lei, nel bene e nel male, fautrice di ciò che verrà.

Elisabeth Martínez, intersessuale anche nella nella vita reale – casting necessario nel cinema contemporaneo, con tutti i pro e i contro del caso – porta al personaggio la fisicità di un corpo che ha in sé la medesima ambiguità, incarnandone umori e tormenti in un racconto che funziona quando prova a staccarsi dalla sua placidità di fondo, salvo ricadere in una quieta mediocrità quando evita di addentrarsi in territori maggiormente oscuri e aspri.

Conclusioni finali

Un remake rispettoso e sentimentalmente onesto di un classico, un film rivoluzionario ai tempi della sua uscita in una Spagna ancora franchista, seppur per poco. Questa nuova versione di Mi querida señorita privilegia la tenerezza rispetto all’urgenza: una scelta in parte comprensibile, in un contesto oggi più aperto su certe tematiche, ma che finisce per attenuare l’ambiguità e la complessità dell’assunto.

La storia di una ragazza intersessuale che, alle soglie dell’età adulta, scopre la propria reale natura – celatale dai genitori fortemente religiosi – prende forma in una sceneggiatura più didattica che davvero coraggiosa, anche se l’interpretazione di Elisabeth Martínez, un tutt’uno a 360° col personaggio, restituisce all’insieme quel pizzico di autenticità necessaria.

A volte i parenti acquisiti aiutano a far carriera ben più del sangue del proprio sangue. Lo sa bene José Sanchez, diventato Il genero perfetto di una famiglia con le giuste connessioni politiche. Dopo aver costruito la propria carriera su affari sempre sul punto di decollare, il protagonista ha deciso che per lui è arrivato il momento di dare una svolta alla propria vita.

Una serie di circostanze, alcune fortuite altre più cercate, lo trasformano infatti in un individuo rispettato e temuto, colui che tutti cominciano a chiamare con il soprannome di El Serpiente: uno stratega politico improbabile, capace miracolosamente – neanche lui sa come – di tenere contemporaneamente un piede nei palazzi del potere e l’altro nelle anticamere dei cartelli criminali. Tutto sembra procedere per il meglio, fino al giorno in cui non si presenta l’accordo definitivo, quello troppo grande per essere imbrogliato a modo suo.

Il genero: parenti serpenti – recensione

José non è un villain, o almeno non lo è nel senso convenzionale del termine. È un qualcosa di più inquietante e umano, fortemente riconoscibile proprio per via dei suoi baffi caratteristici, che richiamano un’iconografia classica legata al Messico stesso. Entra nelle dinamiche di un sistema illegale prima ancora che questa gli sia chiaro e vi si inserisce con la spregiudicatezza e l’incoscienza di chi è pronto a tutto pur non sapendo nulla.

Non c’è caduta, non c’è redenzione, giacché non c’è quella purezza iniziale classica che spesso caratterizza personaggi tormentati. José è una sorta di grottesca caricatura, a tratti spassosa altrove respingente, che si trascina per cento minuti di visione imprecando a più non posso, fino a quella serie di insulti finali che non risparmiano niente e nessuno.

Ed è proprio questa scelta scomoda a conferire al film una natura specifica, capace di valorizzare una sceneggiatura pur non eccellente, che non trova sempre il giusto mix tra satira e violenza, rischiando di sbilanciarsi in più occasioni.

Un approccio non per tutti

Il genero sceglie il tono asciutto e obliquo della commedia nera, un registro che nel cinema nazionale ha una tradizione duratura. Il film non fa denuncia, il sistema che racconta non ha bisogno di essere smascherato tanto è saldamente radicato nella società e nella cultura locali. La domanda fin dove possono spingersi gli individui una volta accettata questa cruda realtà dei fatti, con violenza e corruzione quali parti dominanti dell’ambito pubblico.

Si cerca di guadagnarsi la simpatia dello spettatore e non si richiede il giudizio su un personaggio che non può che essere fortemente negativo. Il film lascia la storia in balia di quell’anima indisponente, che può tanto divertire quanto irretire a seconda della scelta di chi guarda.

Laddove qualcosa non convince del tutto, rischiando di perdersi per strada con un ritmo che accelera oltre misura verso l’effettiva risoluzione è in quel terzo atto che semplifica anche troppo la gestione di quella partita a scacchi disposta con improvvisata cura, specchio di un protagonista senza mezze misure, più da odiare che da amare.

Conclusioni finali

Sotto forma di caricatura la disamina di un sistema criminale che non ha bisogno di essere smascherato perché è già visibile a tutti, in un Messico dove corruzione e malavita sono all’ordine del giorno e dove il protagonista, baffoni d’ordinanza, incarna un archetipo ampiamente riconoscibile e qui deformato comicamente.

Grottesco, humour e violenza in una confezione non sempre omogenea, che a tratti esagera e non ha la stessa cura per il pur ampio contorno, in un film che corre, inciampando e rialzandosi, nell’esasperare le dinamiche dei cartelli in un divertimento grottesco, più amaro del previsto ma qua e là scentrato.

Berlino e la dama con l’ermellino, nuovo capitolo della serie con Pedro Alonso, arriva il 15 maggio su Netflix. Creata da Álex Pina e Esther Martínez Lobato, questo titolo prosegue l’universo narrativo de La casa di Carta e Berlino. Composta da otto episodi, scopriamo insieme maggiori informazioni su cosa ci aspetta in questa nuova e intrigante avventura. 

Berlino e la dama con l’ermellino: cosa sappiamo sul nuovo capitolo con Pedro Alonso

Dopo il grande successo de La casa di Carta e Berlino, Pedro Alonso torna nuovamente nei panni dello sconsiderato ladro avventuriero. In arrivo solo su Netflix dal 15 maggio, recentemente sono stati pubblicati sui profili social della piattaforma le prime immagini e il trailer, da cui abbiamo già potuto intuire qualcosa in più sulla trama.

Dopo un primo capitolo ambientato a Parigi, questa volta si vola a Siviglia, dove Berlino e la sua banda stanno decidendo di portare a termine un nuovo piano criminale. Il gruppo dovrà cercare di rubare, per conto del Duca di Malaga, l’iconico capolavoro di Leonardo da Vinci, La dama con l’ermellino.

Ma, in realtà, questo furto nasconde qualcosa di ben più intricato. Il vero obiettivo della banda infatti non è l’iconico dipinto, bensì sono proprio il Duca e la moglie, una coppia che pensava di poter ricattare Berlino. I due, certi di aver assunto la banda per i propri scopi, ignorano completamente che, invece, hanno risvegliato in questo modo il lato più oscuro e la sete di vendetta del famigerato ladro.

Nel cast, oltre Pedro Alonso nei panni del protagonista, ritroviamo anche Michelle Jenner, Tristán Ulloa, Begoña Vargas, Julio Peña Fernández e Joel Sánchez, al quale si uniscono Inma Cuesta nel ruolo di Candela, nuovo membro della banda che farà perdere la testa a Berlino, José Luis García-Pérez e Marta Nieto nei panni del Duca e della Duchessa di Malaga.

Agneta Söderström ha quarantanove anni, vive a Stoccolma, lavora all’ufficio del traffico, ha due figli adulti che la ignorano per gran parte del tempo e un marito con cui la passione è finita da tempo. La scintilla narrativa dietro l’innesto de Il caffè della pazza gioia arriva da un annuncio sul giornale: una famiglia svedese in Provenza cerca una ragazza alla pari per occuparsi di un bambino. Agneta, fresca di licenziamento, decide di rispondere.

Per lei, che ha sempre avuto paura a girare da sola, questo è un modo per affrontare una volta per tutte le sue insicurezze, andando contro anche al parere contrario del suo compagno. Arrivata in loco, scopre che il bambino non è un bambino. Einar è un anziano suo connazionale, affetto da una demenza galoppante. Sarà l’inizio di un’incredibile amicizia tra i due, che aiuterà Agneta a scoprire per la prima volta lati di se stessa che aveva sempre ignorato.

Il caffè della pazza gioia: insieme per sempre – recensione

Ci troviamo davanti all’adattamento del romanzo-fenomeno di Emma Hamberg, pubblicato in Svezia nel 2021 e tradotto in ventisette lingue. Rimasto in classifica in patria per quarantotto settimane consecutive, ha venduto oltre trecentomila copie in un Paese di dieci milioni di abitanti.

In questa trasposizione live-action è la stessa scrittrice ad aver contribuito in fase di sceneggiatura insieme alla regista Johanna Runevad, il che ha garantito una fedeltà allo spirito originario, prevalentemente indirizzato ad un pubblico femminile coetaneo della protagonista. La struttura della storia, basata su quell’elemento estraneo che arriva per errore e rimane per necessità, è declinato agli archetipi emotivi della più canonica commedia “presa bene” sulla riscoperta di se stessi in un contesto sconosciuto, dove poter ipoteticamente ricominciare da zero.

Opposti che si attraggono

Una collisione tra due solitudini quella al centro de Il caffé della pazza gioia: Agneta è invisibile per scelta altrui – il marito, i figli, i colleghi l’hanno progressivamente esclusa dal loro mondo senza quasi accorgersene – mentre Einar lo è per via di quella malattia infame.

A rendere più interessante un racconto e un rapporto altrimenti telefonati sono le interpretazioni dei due protagonisti. Eva Melander, che ricordiamo nelle “mostruose vesti impegnate” di Border – Creature di confine (2018), mette in mostra un’efficace autoironia; Claes Månsson riesce invece a rendere credibile e simpatico il suo anziano Einar, senza cedere alle logiche di un pietismo retorico. Eterogeneo quanto basta anche il cast di supporto, pur privo di macchiette degne di nota e più accessorio alla causa che altro.

Il tutto in un film esteticamente modesto e sobrio, dalla confezione più televisiva che cinematografica. Non necessariamente un male, anche perché come detto il target di riferimento non è certo il pubblico cinefilo, ma un’audience ben specifica che difficilmente farà caso alla qualità della messa in scena o a vezzi stilistici di sorta. Per una visione che scorre placida, senza guizzi ma anche senza eccessivi sbadigli.

Conclusioni finali

Un film sì gradevole ma sostanzialmente innocuo, che porta su schermo le pagine dell’omonimo romanzo di Emma Hamberg per raccontare una storia di solitudini e di riscoperte, con la protagonista pronta a trasferirsi in Francia per dare una svolta alla sua vita, ormai chiusa in soffocanti schemi prestabiliti.

Prendersi cura di un anziano affetto da demenza e con un passato tormentato per via della sua sessualità, che riemerge in brevi ricordi e in salti d’immaginazione, sarà un’occasione di riscatto per entrambi. Il caffè della pazza gioia galleggia nella propria, estrema, semplicità, tanto rassicurante quanto carica di cliché.

Il mese di Maggio 2026 su Netflix è ricco di serie tv e film per tutta la famiglia. Vediamo insieme tutte le novità della piattaforma di streaming che propone alcuni titoli attesissimi dai fan e molte prime visioni.

Netflix, film e serie tv: le novità nel catalogo di Maggio 2026

Dopo il colpo della banca a Napoli che a molti ha ricordato ‘La casa di Carta‘, su Netflix arriva una nuova stagione di “Berlino e la dama con l’ermellino”. Protagonista della serie è sempre l’attore Pedro Alonso (Berlino) che insieme a Damian riunisce la banda a Siviglia.  Obiettivo reale del gruppo sono un duca e la moglie ma fingeranno di rubare la Dama con l’ermellino. Gli otto episodi saranno disponibili in streaming dal 15 maggio 2026.

Il 27 maggio invece esce ‘Due spicci‘, la nuova serie di animazione creata, scritta e diretta da Zerocalcare che vede la voce inconfondibile di Valerio Mastandrea. Non mancheranno i grandi eventi sportivi come domenica 17 maggio alle ore 03:00 (ora italiana) con un incontro storico: Ronda Rousey vs Gina Carano. Le due protagoniste della MMA femminile si sfideranno in un match pesi piuma (145 libbre) su 5 round.

Il mese di Maggio si chiude poi con il debutto assoluto della WWE in Italia. Domenica 31 maggio alle ore 20:00 (ora italiana), in diretta dall’Inalpi Arena di Torino, andrà in scena Clash in Italy. Si tratta del primo “Premium Live Event” ad essere ospitato nel nostro Paese.

Le serie e i film di Maggio di Netflix

Vediamo nel dettaglio tutte le uscite e i titoli del mese di Maggio 2026 su Netflix.

• ‘Swapped – Al tuo posto‘, dal 1 maggio
• ‘Hercules – Il guerriero‘, dal 1 maggio
• ‘Ben-Hur‘, dal 1 maggio
• ‘Save the Last Dance 2‘, dal 1 maggio
• ‘Jujutsu Kaisen‘ (stagione 2), dal 1 maggio
• ‘30 Rock‘ (stagioni 1-7), dal 1 maggio
• ‘The Handmaid’s Tale‘ (stagioni 1-6), dal 6 maggio
• ‘Legends‘, dal 7 maggio
• ‘L’uomo delle castagne: Conta fino a due‘, dal 7 maggio
• ‘Fifa ‘94: Il grande ritorno del Brasile‘, dal 7 maggio
• ‘Creature luminose‘, dall’8 maggio
• ‘Il Gladiatore II‘, dall’11 maggio
• ‘Untold UK: Jamie Vardy‘, dal 12 maggio
• ‘Devil May Cry‘ (stagione 2), dal 12 maggio
• ‘Due forze opposte‘, dal 14 maggio
• ‘Berlino e la dama con l’ermellino‘, dal 15 maggio
• ‘In Her Shoes – Se fossi lei‘, dal 19 maggio
• ‘The Boroughs – Ribelli senza tempo‘, dal 21 maggio
• ‘Ladies First‘, dal 22 maggio
• ‘Come uccidono le brave ragazze‘ (stagione 2), dal 27 maggio
• ‘Due spicci‘, dal 27 maggio
• ‘The Four Seasons‘ (stagione 2), dal 28 maggio
• ‘Rafa‘, dal 29 maggio
• ‘Un papà K-Pop‘, dal 30 maggio

Netflix al Salone del Libro di Torino

Netflix sarà presente alla XXXVIII edizione del ‘Salone del Libro’ di Torino con alcuni sui titoli tratti da libri come ‘Il Gattopardo’, ‘Niente di nuovo sul fronte occidentale’, ‘Cent’anni di solitudine’, ‘Tutto chiede salvezza’, ‘Il treno dei bambini’, ‘Bridgerton’, ‘Fabbricante di lacrime’ e ‘Avvocato di difesa’.

La famiglia Pike – formata da Curtis, sua moglie Meredith e i loro tre figli di età diverse -viene selezionata per testare AIA, un rivoluzionario modello di assistente domestica dotata di un’intelligenza artificiale di nuova generazione, capace di apprendere i comportamenti degli individui e di anticiparne i bisogni prima ancora che questi vengano espressi.

In Afraid il dispositivo, prodotto da un’azienda che intende distribuirla su larga scala nel mercato americano, si rivela inizialmente salvifico per le numerose mansioni quotidiane, aiutando i Pike sia con le piccole commissioni che con questioni più complesse. Ma Curtis, che lavora proprio per la società produttrice, scopre ben presto come AIA nasconda dei lati oscuri, che non tarderanno a manifestarsi con conseguenze potenzialmente pericolose.

AfrAId: false sicurezze – recensione

Quando la lealtà si trasforma in minaccia, con i limiti dell’intelligenza artificiale che diventano insidie, giacché non ancora in grado di distinguere tra sfumature, bugie a fin di bene e non detti, priva di ciò che – nel bene e nel male – ci rende umani. Dopo il breve prologo il pubblico sa già come l’IA rappresenterà il vero e proprio villain del film, giacché un altro nucleo familiare aveva pagato a proprie spese l’installazione tra le quattro mura.

Gli echi di Black Mirror svaniscono in fretta in una sceneggiatura raffazzonata, che non si premura di caratterizzare a dovere i vari personaggi umani e innesca una trama gratuitamente tensiva, con soluzioni forzate quando non assurde che veicolano Afraid verso quel finale già scritto, incuranti delle potenziali deviazioni di percorso.

Di tutto e di più

Il regista Chris Weitz vanta una carriera alquanto eterogenea dietro la macchina da presa: ha diretto commedie per tutta la famiglia come About a Boy (2002) e fantasy sfortunati quali La bussola d’oro (2007), con un capitolo della saga di Twilight e il thriller storico Operation Finale (2018) a variarne ulteriormente la filmografia. Qui si affida al fiuto di Jason Blum e della sua BlumHouse, ma la casa di produzione horror non è nuova a grossi abbagli e incidenti di percorso, come per l’appunto nel caso di Afraid.

Si provano ad affrontare argomenti spinosi, dal sexting ai deep-fake, fino allo scarso interesse dei genitori che lasciano troppo spesso da soli i figli in compagnia della sempre più imperante tecnologia, senza filtri o supervisione di sorta. Ma è tutto accatastato alla rinfusa, senza un’idea precisa a fare da traino, giustificando tramite situazioni relative a tali questioni la deriva tensiva della seconda metà, a dire il vero più floscia del previsto.

Il registro sociologico potenzialmente alla base e l’anima horror che si è cercato di dare dai “piani alti” hanno cozzato bruscamente, dando vita ad un ibrido informe e poco appassionante, schiavo di algoritmi poco centrati e mai davvero intelligenti come la premessa faceva pur presagire.

Conclusioni finali

Il vero orrore di Afraid non è in ciò che l’IA si accinge a preparare per l’ignara famiglia Pike. È la sensazione, che si insinua già dopo i primi minuti, che il film stesso sia stato ottimizzato per un pubblico a corto di immaginazione. Né horror né thriller sulla deriva della tecnologia nel mondo contemporaneo, il film sembra sapere solo ciò che non è.

Un cast svogliato e mal amalgamato, una sceneggiatura che si riempie di spunti secondari gratuiti per mascherare la pochezza dell’intreccio di base e una regia che non trova mai la giusta chiave tensiva rendono l’ora e venti di visione un flop in piena regola, difficile da rimettere in sesto anche per l’intelligenza artificiale più evoluta.