Vladivostok è una città russa di confine, dove le rotte commerciali si intrecciano con il traffico di droga e di esseri umani. Lì gli agenti di Seul e di Pyongyang si trovano a indagare nel medesimo sottobosco criminale gli uni all’oscuro degli altri, almeno inizialmente. Il manager del NIS Cho è ancora segnato dal fallimento di una precedente operazione costata la vita alla sua fonte.

Il suo nuovo compito prevede di infiltrarsi servendosi come informatrice di Chae Seon-hwa, una donna nordcoreana che lavora in un ristorante controllato dalla criminalità organizzata locale. Sullo sfondo, il rappresentante del consolato nordcoreano Hwang Chi-sung lascia mano libera alla mafia locale in cambio di tangenti. Nell’equazione si inserisce anche Park Geon, agente della sicurezza di stato del nord, che ha un comune passato Chae Seon-hwa, un trascorso che in Humint rischia di cambiare tutto con conseguenze imprevedibili.

Humint: di trasferta in trasferta – Recensione

Quando Ryoo Seung-wan presentò The Berlin File (2013), il cinema d’azione sudcoreano si trovò davanti a qualcosa di insolito, ovvero uno spy-movie ambizioso che utilizzava la Guerra Fredda come sfondo per una riflessione sull’auspicata riunificazione della penisola. Un’ambientazione estera che il regista ha perseguito anche nel più recente Fuga da Mogadiscio (2021), i cui drammatici eventi hanno luogo durante la guerra civile somala.

Possiamo perciò considerare Humint come una sorta di terzo capitolo di questa trilogia autonoma, ambientata fuori dai confini nazionali. Un film che però non riesce a bissare quel gustoso mix tra action tensivo e analisi geopolitica del quale avevano beneficiato i suoi più riusciti predecessori.

Fiducia da conquistare

Il titolo Humint è un termine tecnico che indica le operazioni di raccolta informazioni condotte da agenti umani sul campo ed è già di per sé una dichiarazione di intenti: non è la tecnologia a dominare le logiche investigative, ma bensì i rapporti tra gli individui, con quell’ambiguo legame che si viene via via a creare tra i due agenti, prima nemici e poi gioco-forza alleati contro l’ingiustizia, legati da una figura femminile che assume per loro significati diversi.

O una possibilità di redenzione o il ricordo di un amore passato guidano le mosse dei protagonisti, in una sceneggiatura che costruisce la rete relazionale nella prima metà, sfruttando al meglio quel contesto da “stranieri in terra straniera”: le riprese sono avvenute in realtà in larga parte a Riga, in Lettonia, e non nella vera Vladivostok, ma il contesto resta comunque altamente suggestivo.

Il problema principale è dato paradossalmente dalla gestione delle dinamiche action, con l’ultimo terzo di visione che si accende di adrenalina con sequenze sempre più esagerate e tirate per le lunghe, con una sorta di “tutti contro tutti” che lascia ovviamente spazio a gesta sacrificali o a una retorica spiccia di genere. Un difetto sistemico di certo cinema coreano contemporaneo, quello più che commerciale che strizza l’occhio ad omologhe produzioni hollywoodiane, che qui appare in tutta la sua viscerale essenza senza però sfruttare appieno la profondità dei personaggi, che rimangono più abbozzati che effettivamente meritevoli di compassione o trasporto.

Conclusioni finali

Ryoo Seung-wan porta a compimento la sua trilogia “estera” con questo action-thriller spionistico ambientato a Vladivostok, contesto ipoteticamente neutro dove agenti di Nord e Sud Corea si trovano a incrociare i loro cammini. Humint non manca di spettacolo ed emozioni, ma la sceneggiatura non offre spunti realmente originali.

Molte degli eventi che accadono nelle due ore di visione sanno di già visto, così come il “triangolo” al centro del racconto, che si perde progressivamente nella retorica fino a quel prevedibile epilogo, con la speranza della riunificazione del Paese restante in sottofondo con più timidezza del previsto.

I cinque personaggi al centro di Mangia prega abbaia, titolo che cita il Mangia prega ama (2010) con Julia Roberts, si ritrovano nel cuore delle Alpi tirolesi per tenere un corso d’addestramento insieme ai loro cani. Troviamo Ursula, politica in crisi di immagine che ha adottato un pelosetto a scopo elettorale per recuperare popolarità; Babs, ragazza esuberante come il suo amico a quattro zampe; una coppia in crisi e un poliziotto che nasconde un tragico segreto nel suo passato.

I protagonisti alloggiano al Reisinger Inn, dove verranno guidati da Nodon, figura carismatica e quasi mistica, convinto dell’esistenza di un legame sacro tra esseri umani e animali. Rifacendosi a credenze e usi celtici, la guida cerca di aiutare i padroni a ritrovarsi proprio tramite il rapporto con gli amati quadrupedi.

Mangia prega abbaia, a corto di grinta – Recensione

Una classica produzione pensata per il mercato streaming, con li chiaro intento di essere immediatamente riconoscibile, rassicurante e innocua. Il regista tedesco Marco Petry non prova nemmeno a mascherare in qualche modo la linearità di una sceneggiatura che vive su una intensità emotiva di routine, con la storia che segue questo gruppo di improbabili figure alle prese con buoni sentimenti e ravvedimenti ad hoc, all’insegna del lieto fine per eccellenza.

Mangia prega abbaia è una commedia che, almeno sulla carta, vorrebbe affidarsi alle stranezze caratteriali e a situazioni via via potenzialmente più assurde, incastonando il tutto nelle suggestive montagne del Tirolo, contesto evocativo per quanto, purtroppo, poco sfruttato.

Peccato che le risate restino spesso trattenute, giacché si preferisce un tono smussato e morbido, mai capace di pungere o di slanciarsi nel puro demenziale, con l’ottica annacquata dei buoni sentimenti a imprimersi nel cuore della prevedibile e boriosa narrazione.

Dimmi chi sei

Un puzzle di sottotrame quasi anestetizzato, costruito su piccoli e indolori conflitti e su drammi personali che poi tanto drammi non sono. Più che intrattenere, l’ora e mezzo di visione scivola via senza colpo ferire, all’insegna di una monotonia che non riesce neanche a sfruttare il carisma ferino dei protagonisti non umani.

Chiunque, su due piedi o quattro zampe che sia, rimane una specie di macchietta, elemento accessorio ad una trama che anche nella gestione dei colpi di scena sembra non voler andare da nessuna parte, trascinandosi verso quell’epilogo di gaudio comune che ridefinisce i contorni del lieto fine. Il risultato è una pellicola che non morde, non abbaia – a dispetto di ciò che incita il titolo – e non graffia, ma che guaisce timidamente a prova di quel pubblico che vuole unicamente essere confortato, anche a costo di sacrificare la qualità all’altare della leggerezza.

Conclusioni finali

Marco Petry porta su Netflix una commedia tedesca ambientata sulle Alpi tirolesi, dove i protagonisti e i loro cani sono sottoposti ad un folkloristico training di addestramento, tenuto da un atletico guru che si richiama grossolanamente a presunte tradizioni celtiche.

La sceneggiatura di Mangia prega abbaia lascia i personaggi profondamente vuoti, con caratterizzazioni al di sotto del minimo sindacale e una gestione della comicità raramente efficace, optando per classiche soluzioni strappalacrime in un paio di momenti chiave. Per un film timido e svogliato, a cui mancano coraggio e originalità.

Due Spicci, la nuova serie tv la nuova serie di animazione creata, scritta e diretta da Zerocalcare, arriva il 27 maggio solo su Netflix. Prodotta da Movimenti Production, parte di Banijay Kids & Family, in collaborazione con BAO Publishing, in questo nuovo titolo ritorna Zero, l’Armadillo, la sua coscienza, con l’inconfondibile voce di Valerio Mastandrea, e altri dei personaggi storici dell’universo di Zerocalcare. Scopriamo insieme ulteriori dettagli.

Due Spicci: cosa sappiamo finora della nuova serie tv di Zerocalcare

Con il rilascio del nuovo poster e la conferma della data d’uscita, abbiamo scoperto oggi che la nuova serie tv animata di Zerocalcare sarà disponibile nel catalogo Netflix dal 27 maggio. Dopo il successo di “Strappare lungo i bordi” e “Questo mondo non mi renderà cattivo”, il famoso fumettista torna a creare, scrivere e dirigere un nuovo prodotto seriale.

La trama segue Zero e Cinghiale che gestiscono un piccolo locale. Tra problemi economici, incomprensioni e vite personali che si complicano più del dovuto, i due sono spesso sotto pressione. A rendere ancora più difficile la situazione, si aggiunge il ritorno di una figura dal passato di Zero e alcune responsabilità inattese, che fanno precipitare delle dinamiche già fragili. Tutti loro saranno quindi costretti, inevitabilmente, a confrontarsi con scelte difficili.

Tra personaggi già noti al pubblico come Zero e l’Armadillo, ma anche di nuovi, Due Spicci è già pronta a far incollare allo schermo i vecchi fan, legati precedentemente all’immaginario del noto fumettista romano, ma anche a conquistarne di nuovi.

In vista dell’uscita su Netflix, Due Spicci sarà presentata da Zerocalcare al Salone Internazionale del Libro di Torino il 16 maggio nel panel “Zerocalcare – Due spicci e non solo”. Durante quest’incontro, l’artista racconterà in anteprima la realizzazione di questo suo terzo progetto. Non mancheranno, inoltre, degli approfondimenti sul suo percorso di scoperta e crescita, sia personale che professionale, all’interno del mondo della serialità animata.

The Testaments è la nuova attesissima serie disponibile su Disney+, pensata come evoluzione narrativa di The Handmaid’s Tale. Il progetto prende vita dall’omonimo romanzo di Margaret Atwood e amplia l’universo di Gilead con una prospettiva più giovane e contemporanea. La serie si inserisce perfettamente nella continuità del racconto originale, ma riesce allo stesso tempo a costruire una nuova identità, più incentrata sulla crescita personale e sulle scelte individuali in un sistema oppressivo.

The Testaments, trama: una nuova generazione a Gilead

The Testaments è una drammatica storia di formazione che si sviluppa nel cuore del regime di Gilead. Al centro della narrazione troviamo Agnes, una ragazza devota e cresciuta secondo i rigidi principi del sistema, e Daisy, una giovane proveniente dall’esterno, improvvisamente catapultata in una realtà completamente diversa.

Le due protagoniste si incontrano all’interno di una scuola preparatoria d’élite destinata a formare le future mogli. In questo ambiente apparentemente ordinato e privilegiato, si nasconde un sistema di controllo feroce, dove l’obbedienza viene inculcata attraverso disciplina, paura e giustificazioni religiose.

Il legame tra Agnes e Daisy

Il rapporto tra Agnes e Daisy rappresenta il cuore emotivo della serie. Le loro differenze iniziali si trasformano progressivamente in un legame profondo, capace di mettere in discussione tutto ciò che le circonda. Attraverso il confronto reciproco, entrambe iniziano a vedere crepe nel sistema in cui vivono.

Questo legame diventa il catalizzatore di un cambiamento radicale, destinato a influenzare il loro passato, il loro presente e soprattutto il loro futuro. La serie esplora con grande intensità il percorso interiore delle due ragazze, mostrando come la consapevolezza possa nascere anche nei contesti più oppressivi.

Tematiche della serie “The Testaments”

The Testaments mantiene il tono cupo e riflessivo che ha reso celebre il mondo di Gilead, ma introduce una dimensione più intima e generazionale. La narrazione si concentra sull’identità, sulla libertà personale e sul peso delle scelte, mettendo in luce il contrasto tra indottrinamento e desiderio di autodeterminazione.

La religione continua a essere uno strumento centrale di controllo, mentre la solidarietà tra le protagoniste emerge come una forza capace di scardinare anche le strutture più rigide. Il racconto si sviluppa in modo emotivo e coinvolgente, portando lo spettatore a interrogarsi su potere, fede e libertà.

Perché vedere The Testaments

The Testaments si presenta come una naturale e potente evoluzione dell’universo narrativo di Gilead. Grazie a nuovi personaggi, una prospettiva più giovane e una narrazione intensa, la serie riesce a rinnovare una storia già iconica senza tradirne lo spirito.

Per chi ha amato The Handmaid’s Tale, questo nuovo capitolo rappresenta un approfondimento emozionante e necessario, capace di offrire nuove chiavi di lettura su uno dei mondi distopici più affascinanti della televisione contemporanea.

Quando esce su Disney+?

The Testaments, la serie sequel di The Handmaid’s Tale basata sul romanzo di Margaret Atwood, esce in Italia su Disney+ a partire dall’8 aprile 2026. Il debutto prevede i primi tre episodi, seguiti da una distribuzione settimanale.

E tu che belva ti senti? Francesca Fagnani è tornata a ruggire e graffiare con “Belve”, il format senza filtri e senza veli che mette a nudo ogni settimana nuovi ospiti dal mondo dello spettacolo.

“Belve” ora è disponibile anche su Disney+

Quest’anno la Fagnani sottoporrà alle sue interviste taglienti tanti altri esponenti della tv, del costume e della cronaca che non potranno sottrarsi alle domande, per l’appunto,
graffianti e senza sconti.

Ma c’è un’importante novità: da quest’anno vengono mandati in onda anche i provini di Belve. Si tratta di persone comuni che siederanno sullo sgabello per sottoporsi alle interviste di Francesca Fagnani, che non saranno più docili di quelle ai vip.

Eppure la novità più grande è un’altra: “Belve” da ora è disponibile anche su Disney+ per poter recuperare tutte le interviste e tutte le puntate della nuova edizione e delle precedenti 6.

Questo risultato è il frutto dello storico accordo tra Rai e Disney che consente agli abbonati di Disney+ di godere del meglio del catalogo on demand della tv di Stato, a partire proprio da “Belve”, disponibile in piattaforma dall’8 aprile.

Oltre al programma condotto da Francesca Fagnani, anche “The Floor – Ne rimarrà solo uno”, l’avvincente game show che quest’anno sarà condotto da Paola Perego e Gabriele Vagnato, sarà disponibile in streaming per gli abbonati Disney+ dal giorno successivo alla messa in onda in tv.

Rai e Disney Plus: altri titoli a catalogo prossimamente

Il catalogo verrà poi ulteriormente impreziosito ampliando l’offerta di contenuti locali di alta qualità con una selezione di imperdibili titoli, come le amate fiction “Braccialetti rossi”, “Mina Settembre”, “L’amica geniale”, “Un passo dal cielo” e “Màkari”, oltre al docu-reality diventato un vero e proprio cult generazionale “Il Collegio”. Tutti questi titoli di primissima fascia saranno raccolti prossimamente in una collezione dedicata su Disney+.

Mike è uno scagnozzo di medio rango al servizio del boss Jimmy Boy. Ha una relazione clandestina con Alice, moglie dello strozzino Nick, anch’esso al servizio dell’organizzazione criminale. Proprio la sera in cui Mike e Alice hanno deciso di fuggire insieme, la situazione prende una piega del tutto imprevedibile.

In Mike & Nick & Nick & Alice, un titolo un programma, infatti una versione di Nick proveniente dal futuro torna indietro nel tempo per impedire al se stesso del presente di uccidere Mike, che era stato incastrato proprio da lui come traditore della banda. I “doppioni” e la coppia fedifraga si ritroveranno a unire le forze in una notte folle per sopravvivere alla vendetta del boss Sosa, padre adottivo di Jimmy Boy.

Mike & Nick & Nick & Alice: chi più ne ha, più ne metta – recensione

Il film sfrutta lo spunto fantascientifico con una leggerezza notevole, una scelta che si rivela sia un punto di forza che un difetto cardine dell’operazione. Operazione come prevedibile incentrata sul puro divertimento, senza nessun tentativo di dare vita a paradossi coerenti, ma lasciando che sia il caos a prendere ben presto il sopravvento, dal momento che i due killer di Vince Vaughn – sornione quanto basta nel doppio ruolo – cominciano a interagire.

In Mike & Nick & Nick & Alice il regista BenDavid Grabinski mette in mostra un genuino affetto per un cinema popolare di derivazione anni Ottanta, dove l’azione è mescolata alle numerose gag e battute che, pur a corrente alternata, costellano i cento minuti di visione.

Non tutto funziona

Dove il film rischia di perdere il filo è soprattutto nella seconda metà, quando i quattro protagonisti hanno finalmente svelato i propri obiettivi e la storia avrebbe avuto bisogno di un minimo di tensione, anche contestualizzata a quell’anima da farsa che pur permea l’intero progetto. E invece la sceneggiatura non scava quasi mai in profondità, escluso quell’epilogo meno lieto del previsto subito “corretto” dal colpo di scena che chiude una volta per tutte il racconto, lasciando al contempo aperte le porte a un sequel più o meno potenziale.

Se come detto Vaughn si sbizzarrisce con naturalezza nelle duplice vesti, in un lavoro non dissimile da quanto fatto da Michael B. Jordan vincitore di un generoso Oscar per la sua interpretazione in I peccatori (2025), è ottima l’alchimia tra i due amanti ribelli di James Marsden ed Eiza González, che imprimono la giusta dose di charme e guasconeria ai relativi personaggi.

L’accumulo di colpi di scena e la necessità di portare a casa un finale emotivamente soddisfacente, cercando un pizzico di commozione per far colpo sul pubblico, danno inevitabilmente vita a qualche forzatura narrativa non strettamente necessaria. Per una pellicola che va accettata nella propria semplicità, priva di ambizioni, per essere apprezzata pienamente.

Conclusioni finali

Due Vince Vaughn, viaggi nel tempo, rancori tra gangster e una femme fatale da far perdere la testa. Mike & Nick & Nick & Alice è una commedia action improntata alla leggerezza e al puro divertimento, con una narrazione più incentrata sull’obiettivo che sulla logica.

Un film dall’approccio popolare, con tutti i pro e i contro del caso, che BenDavid Grabinski ha diretto con un entusiasmo a tratti genuino, sfruttando l’eterogeneo cast. Una baraonda caotica e spesso esagerata, in un mix di generi alla rinfusa che cerca di trovare una propria voce, riuscendovi soltanto a corrente alternata.

Conosciamo la giovane protagonista Rona mentre svuota i bicchieri abbandonati dai clienti di un pub londinese che sta chiudendo, prima di essere portata fuori di peso dal buttafuori. Quello che segue nelle quasi due ore di The Outrun – Nelle isole estreme non è una storia di caduta e redenzione nel senso classico del termine, perché la regista Nora Fingscheidt si rifiuta di offrirla a lei e al pubblico.

Toccare e fondo e il risalire infatti coesistono, si sovrappongono e si contraddicono, con una struttura temporale che salta avanti e indietro nel tempo, tra la metropoli della dipendenza e la quiete tagliente delle isole Orcadi, dove Rona è tornata in famiglia per cercare di disintossicarsi e affrontare una volta per tutte quei demoni che continuano ad assalirla. Tra pensieri intrusivi che si insinuano in una routine potenzialmente catartica, la ragazza dovrà finalmente comprendere quale sia il proprio posto nel mondo.

The Outrun: una corsa da vincere – recensione

Un film spigoloso ma avvolgente, che opta per non raccontare la guarigione come una linea retta, ma come un percorso irto di ostacoli e di nuovi sbagli, adattamento dell’autobiografia di Amy Liptrot, scrittrice scozzese che nel 2016 aveva raccontato le proprie esperienze, dalla dipendenza dall’alcool alla successiva riabilitazione. Un materiale letterario già di per sé stratificato, portato in scena con una sceneggiatura non fa sconti, tra spunti e suggestioni.

Saoirse Ronan è il principale motivo di interesse di The Outrun funziona, e sarebbe disonesto negarlo. A trent’anni, con già quattro candidature all’Oscar alle spalle, l’attrice irlandese consegna una delle sue interpretazioni più coraggiose e totalizzanti: capelli tinti di blu, urla e sfoghi, crisi e momenti di rabbia, in quel lungo alternarsi tra alti e bassi che caratterizza la sua maturazione, fino a quell’epilogo infine liberatorio e visivamente poetico.

Mancanze e nuovi inizi

La narrazione corre a tratti il rischio di diventare ripetitiva, ma è un dato di fatto quasi necessario giacché la dipendenza stessa è per sua natura ciclica e qui si vuole trascinare lo spettatore nella medesima circolarità. The Outrun tende però a evitare le trappole più ovvie del genere, senza indorare la pillola o edulcorare con retorica glamour e gratuita la discesa negli abissi, ma anzi mostrandola in tutte le sue insostenibili contraddizioni.

Si scampa la ricerca di forzate scene madri, in favore di una sincerità di intenti che trova genuina forza nello straordinario trasporto della sua protagonista. Le Orcadi sono l’ideale palcoscenico del racconto, un paesaggio che non consola ma rapisce nella sua essenza selvaggia, obbligando a fare i conti con se stessi in quanto privi delle distrazioni che la grande città si porta inevitabilmente appresso e di quella folla dove rendersi invisibili.

Un’esperienza personalissima restituita con sguardo universale, come uno spazio aspro e malinconico, che si fa dolorosamente forza sulla sua straordinaria attrice.

Conclusioni finali

Nora Fingscheidt porta sul grande schermo l’autobiografia di Amy Liptrot in un dramma sulla dipendenza che rifiuta la linearità della catarsi classica, per affidarsi a una struttura frammentata e irrequieta, con il netto contrasto tra la Londra metropolitana e l’isolamento potenzialmente salvifico delle isole Orcadi.

The Outrun brilla e soffre con Saoirse Ronan, che offre forse la prova più inquieta della sua carriera, in un personaggio che non concede alibi né alla protagonista stessa né allo spettatore. In un racconto di autodistruzione e potenziale rinascita, di oblii e nuovi inizi, dove gli spettri del passato sono memoria necessaria alle speranze del futuro.

C’è un tema che, prima o poi, viene alla luce in numerose famiglie, ovvero la decisione su come comportarsi con un genitore anziano ormai incapace di badare a se stesso. Una questione esistenziale, che in breve tempo è capace di far saltare equilibri tenuti per decenni e di far riemergere rancori che si credevano sepolti, soprattutto in quei nuclei numerosi dove le rivalità tra fratelli sono all’ordine del giorno.

Cesc Gay, regista e sceneggiatore spagnolo, aveva già dimostrato con Truman – Un vero amico è per sempre (2015) e Sentimental (2020) di saper raccontare un’umanità autentica mettendola alle prese con situazioni apparentemente ordinarie. 53 domeniche, adattamento della sua stessa pièce teatrale, condensa questo suo dono della sintesi in ottanta minuti di visione che richiamano i connotati di un certo cinema leggero iberico.

53 domeniche: fino alla prossima puntata – recensione

Al centro della vicenda vi sono tre fratelli. Victor è il maggiore, un avvocato di successo che tende a vantarsi dei suoi traguardi e ha appena scritto un romanzo; Natalia è una professoressa universitaria responsabile che cerca di gestire la riunione di famiglia; infine Julian è un attore squattrinato con più tempo libero rispetto agli altri.

Il film si basa su una struttura prettamente da palcoscenico, con un’unica ambientazione dove hanno luogo queste accese discussioni tra consanguinei. Tra mezze verità e omissioni strategiche, si muove una visione rapida e cinica, il cui corposo background viene introdotto nel prologo. Prologo affidato al personaggio di Carolina, moglie di Julian che rompe la quarta parete e dialoga a tu per tu con lo spettatore, mettendolo al corrente delle dinamiche in atto tra questa famiglia degli orrori e degli errori.

Verità e bugie

Spettatore prossimo a essere testimone di serrati scambi di battute e opinioni, come se stesse origliando una conversazione che non lo riguarda ma alla quale viene “costretto” ad essere ugualmente partecipe. Il merito di questa sensazione è di una scrittura tagliente e ritmata, capace di far emergere il grottesco e un sano cinismo, tipico di certo cinema spagnolo più o meno contemporaneo.

Certamente Almodóvar o de la Iglesia sono lontani, e le trovate per quanto gradevoli non raggiungono mai quei picchi in grado di far sobbalzare chi guarda, a parte un epilogo che chiude il cerchio in maniera parzialmente inaspettata. Con un cast sul pezzo, nel quale spiccano le figure femminili – dalla moglie raccontante di Alexandra Jiménez alla sorella di Carmen Machi, 53 domeniche ha il merito di non perdersi in sottotrame inutili, facendosi forza sulla sua brevità. Brevità che è si un pro ma anche un contro, in quanto impedisce al film di essere qualcosa di più di un veloce titolo scacciapensieri da vedere quando si ha poco tempo a disposizione.

Conclusioni finali

Un racconto che vive su un umorismo figlio dell’imbarazzo e di dinamiche passive-aggressive, piuttosto che esasperarsi nel grottesco pur presente. Un’operazione modesta nelle proporzioni – a cominciare dalla durata assai ridotta inferiore agli ottanta minuti – ma precisa nell’intento, che scorre con amara leggerezza sulle fragilità di una famiglia sui generis.

Adattamento dell’omonima pièce teatrale, 53 domeniche è un film che vive su dialoghi sferzanti e rapporti al limite, nevrotico pur senza mai cedere totalmente a quell’anima pulp, che avrebbe potuto rinvigorire qua e là i passaggi potenzialmente più tediosi di questa resa dei conti tra le mura domestiche.

Orn, casalinga benestante della classe media di Phuket, riceve una telefonata da coloro che si palesano come sedicenti agenti di polizia. Gli interlocutori sono convincenti e metodici, capaci di instillare il panico nella donna affinché trasferisca un’ingente somma di denaro su un conto prestabilito, prima di rendersi conto di essere stata truffata. La vergogna, più ancora che la perdita economica, è il vero trauma da lei vissuto.

La protagonista di The Red Line scoprirà di non essere stata l’unica, ma anzi di far parte di un folto gruppo di donne che hanno subito la sua stessa sorte e perso i risparmi di una vita. Così, insieme alla fisioterapista Fai e a Wow, influencer alle prime armi, decide di agire in proprio data anche l’inerzia della polizia. Con l’aiuto dell’hacker OJ, il gruppo cercherà di recuperare il maltolto e di farla pagare a quell’organizzata banca criminale, rischiando però di mettersi in una situazione estremamente pericolosa.

The Red Line: la truffa corre sul filo – recensione

Il cinema tailandese ha attraversato negli ultimi anni una vera e propria rinascita del thriller, con diverse produzioni che hanno saputo coniugare pagine di denuncia sociale a dinamiche di genere efficaci e tutt’altro che prevedibili, facilmente esportabili anche all’estero. Sitisiri Mongkolsiri non è un nome nuovo in questo panorama, lo ricordiamo soprattutto per il suo Bad Genius (2017) nel quale aveva dimostrato come si potesse trasformare l’ambiente scolastico in un meccanismo tensivo di primissimo ordine.

Con The Red Line il regista torna idealmente su un similare luogo del delitto, ritrovandosi ad affrontare in quest’occasione una forma di criminalità organizzata, quella dei call center truffaldini che ogni anno svuotano i conti correnti di migliaia di vittime non soltanto in tutta l’Asia sudorientale, ma nel mondo intero. Una piaga drammaticamente reale e documentata, che il film affronta con una qualche soluzione riuscita ma anche con diverse ingenuità.

Tutte per una, una per tutte

La sceneggiatura convince decidendo di non fare della storia delle tre protagoniste una semplice parabola di rivalsa femminile dal lieto fine garantito, con il girl-power qui sfruttato in maniera sobria e non prova di passaggi amari, ma al contempo si lascia andare a palesi forzature quando cede all’anima ludica, soprattutto in quel finale a marchio action che risulta del tutto fuori luogo per quanto visto in precedenza.

Il terzo atto sembra appartenere quasi a un altro film, con un’escalation di situazioni via via più improbabili, con progressiva perdita della verosimiglianza nelle pur non semplici scelte delle protagoniste, spinte verso soluzioni poco coerenti. Allo stesso modo la figura dell’ispettore Mark, che indaga sul caso arrivando sempre un pelo dopo, risulta involontariamente caricaturale, a sottolineare nelle intenzioni l’inefficienza delle forze dell’ordine, che dovrebbero intervenire direttamente e con più fermezza per fermare quel business malavitoso.

A pesare va detto è anche la durata eccessiva, con due e un quarto che appaiono troppe per quanto vi fosse effettivamente da raccontare, con alcune sottotrame che si diluiscono senza aggiungere il necessario peso al nocciolo della questione. The Red Line pone sì il giusto accento su un’epoca dove i crimini digitali superano le capacità investigative delle istituzioni, sfruttando l’ingenuità e la buona fede della gente comune, ma non trova una necessaria coerenza filmica per la sua intera visione.

Conclusioni finali

Tre donne derubate da un call center criminale, deluse da un sistema giudiziario impotente, decidono di farsi giustizia da sole e cercare di riparare alla loro imprudenza, ma il pericolo è in agguato. The Red Line si ispira a casi di cronaca avvenuti in Thailandia, ma dalla portata drammaticamente universale.

Un congegno tensivo che funziona per i primi due terzi, almeno fino a quando l’anima action non prende il sopravvento in quel finale rocambolesco ed esagerato, pur avente il merito di non scadere in facili lieti fini. Il cast eterogeneo e una discreta dose tensiva che domina buona parte della visione ci consegnano in ogni caso un film discreto, seppur non privo di evidenti sbavature.

Ad Aprile arrivano diverse novità interessanti su Hbo Max. La nuovissima piattaforma si sta già espandendo molto, aggiungendo al suo catalogo vari titoli. Tra l’attesa terza stagione di Euphoria, ma anche il film The Smashing Machine con The Rock e Emily Blunt, vediamo insieme cosa arriva questo mese su Hbo Max.

Hbo Max: i film e le serie tv più attese di Aprile 2026

Si comincia il 3 Aprile con Gina Lollobrigida: Diva contesa, docuserie che ricostruisce l’intricata e clamorosa vicenda giudiziaria dell’artista. Tra accuse, inganni e rivelazioni, questo titolo esplora materiali d’archivio inediti e testimonianze, ripercorrendo la vita della grande diva del cinema internazionale, attrice, fotografa, scultrice e pittrice, fino alla sua scomparsa nel 2023. Focus ci sarà anche sulla battaglia legale esplosa attorno al suo patrimonio, conteso tra il figlio Milko Skofic, il marito Francisco Javier Rigau e il manager Andrea Piazzolla, mentre emergono sospetti, tensioni familiari e presunte manipolazioni.

Il 13 Aprile arriva invece la terza stagione di una delle serie più attese del mese: Euphoria. Con 8 episodi a rilascio settimanale, questo terzo capitolo è ambientato cinque anni dopo le vicende della precedente stagione. Con Zendaya, Jacob Elordi, Hunter Schafer, Sydney Sweeney, il gruppo di ragazzi protagonisti, ormai non più liceali, è pronto a tornare, e li vedremo mentre affrontano le complessità emotive e morali dell’età adulta, intanto che le scelte del passato continuano a influenzare il loro futuro.

1l 23 aprile c’è spazio anche per i film con l’arrivo di The Smashing Machine. Tratto da un’entusiasmante storia vera, Dwayne Johnson (The Rock) interpreta la leggenda del pugilato Mark Kerr, mostrando le sue vittorie e sconfitte dentro e fuori dal ring. Ricco di combattimenti spettacolari, tesi e realistici, affianco a Dwayne Johnson c’è Emily Blunt nel ruolo della moglie Dawn Staples.

Infine, il 24 aprile, si aggiunge al catalogo un’altra serie tv, Half Man. Con 6 episodi a rilascio settimanale, questo titolo segue le vicende di Niall e Ruben, due fratelli ormai da tempo estranei l’uno all’altro. Quando Ruben si presenta inaspettatamente al matrimonio di Niall, l’incontro scatena emozioni molto potenti e violente, che ci riportano indietro nel tempo, facendoci scoprire numerosi dettagli sulle loro vite. 

Ad Aprile, su Disney+, arrivano altri nuovi titoli. Dalla serie originale di National Geographic I segreti delle api,  a Malcom: che vita! revival dell’iconica serie tv degli inizi degli anni 2000, il catalogo si arricchisce di titoli davvero interessanti. Di seguito, ecco tutte le novità più attese di questo mese.

Disney+: i film e le serie tv più attese di Aprile 2026

Le novità partono il 1° aprile con I segreti delle api. Questa nuova serie originale di National Geographic è condotta e narrata da Bertie Gregory. Con tecnologie di ripresa all’avanguardia, I segreti delle api rivela lo straordinario mondo delle api, mostrando l’architettura e l’intelligenza delle api, tra segreti e momenti mai documentati prima. La serie si avvale anche dell’esperienza del dott. Samuel Ramsey, entomologo e National Geographic Explorer.

Nella stessa data esce anche un’altra serie tv, Dear Killers nannies. La trama segue Juampi, un bambino circondato dal lusso. Il suo bel mondo di illusioni però si sgretola quando scopre che le sue amate baby sitter sono in realtà dei sicari assoltati per sacrificare la propria vita per la sua famiglia e che suo padre, Pablo Escobar, è in realtà uno dei narcotrafficanti più temuti al mondo.

Il 6 aprile si aggiunge al catalogo Star Wars: The Clone Wars. La serie è ambientata dopo gli eventi di Star Wars: The Clone Wars e mostra Maul che trama per ricostruire il suo sindacato criminale su un pianeta fuori dal controllo dell’Impero. Durante questo tragitto, incrocia sul suo cammino una giovane Padawan Jedi disillusa. Maul immagina subito che la ragazza potrebbe diventare l’apprendista che sta cercando a sostegno della sua implacabile sete di vendetta.

Infine, il 10 aprile, arriva un altro grande ritorno tanto atteso dai millennials. Sarà disponibile infatti Malcom: che vita! revival dell’iconica serie dei primi anni 2000. La storia segue il protagonista, ormai adulto che, dopo aver protetto se stesso e la figlia dalla sua famiglia per oltre un decennio, torna nella loro orbita quando i genitori richiedono la sua presenza alla festa per il loro quarantesimo anniversario.

Disney+: arrivano The Handmaid’s Tale e il sequel The Testaments

L’8 aprile escono due nuovi titoli collegati tra loro. Il primo è The Handmaid’s Tale, adattamento dell’omonimo romanzo classico di Margaret Atwood. La serie racconta una storia distopica ambientata a Gilead, città un tempo territorio degli Stati Uniti. A causa delle catastrofi ambientali e del drastico calo di natalità, la società è stata trasformata in un regime totalitario fondato un rigido e perverso fondamentalismo. La protagonista è Difred, una Ancella costretta, insieme ad altre donne, alla schiavitù dei sessuale al servizio dei Comandanti, con l’obiettivo disperato di ripopolare il mondo. In questo sistema oppressivo, le Ancelle si muovono tra numerose figure, tra cui i Comandanti e le loro crudeli Mogli, e le domestiche Marta, cercando, giorno dopo giorno, di sopravvivere e trovare una via di fuga.

Il secondo titolo è The Testaments, sequel di The Handmaid’s Tale. Anche questa è tratta dall’omonimo romanzo di Margaret Atwood e segue le vicende delle giovani adolescenti Agnes, obbediente e devota, e Daisy, una nuova arrivata proveniente da oltre i confini di Gilead. Mentre si muovono nella scuola preparatoria d’élite per future mogli di Zia Lydia, dove l’obbedienza viene instillata brutalmente e sempre con motivazioni religiose, il legame che le unisce causerà altri eventi che porteranno alla luce dei misteri del loro passato, e influenzeranno profondamente il loro presente e futuro.

Serena Rossi protagonista insieme a Sarah Toscano del nuovo film Netflix “Non abbiam bisogno di parole”, diretto da Luca Ribuoli e che sarà disponibile da venerdì 3 aprile. Nel cast anche Emilio Insolera, Carola Insolera, Antonio lorillo, Alessandro Parigi e Asia Corvino. Serena Rossi nel film è Giuliana, professoressa di Sarah Toscano che nella pellicola interpreta Eletta, una timida adolescente unica udente in una famiglia di persone sorde, che scopre il suo talento per il canto ed è costretta a scegliere tra il dovere e la ricerca della propria strada.

Serena Rossi su Netflix “Non abbiam bisogno di parole”

“Ho costruito questo personaggio insieme a Luca, che mi ha messo davanti a una prova che alzava sempre di più l’asticella: voleva sempre di più, la voleva proprio appassionata questa professoressa”. – Racconta del suo avvicinarsi al ruolo di Giuliana l’attrice napoletana Serena Rossi.

“Giuliana è una donna, una musicista, che si è trasferita in una realtà anche un po’ campagnola. Viene da Napoli e ha messo dei chilometri di distanza tra sé e una vita passata dolorosa, con un matrimonio complicato e una madre complicata. – Racconta Serena Rossi parlando del suo ruolo.

“Arriva in questa scuola e mette tutte le sue energie, tutta la sua conoscenza e il suo bagaglio culturale e musicale al servizio dei ragazzi. In questa classe, però, c’è un’alunna speciale, diversa dagli altri: Eletta. Giuliana percepisce nella sua voce un’urgenza, il bisogno di comunicare e di trovare la propria strada. Per questo si appassiona a lei: la mette alla prova, a volte anche in difficoltà, la stuzzica e la sprona, forse anche per capire fin dove può arrivare”.

“Quando le viene data l’opportunità di fare un’audizione in una scuola di musica importante, Giuliana la mette anche un po’ in crisi, perché Eletta è molto legata alla sua famiglia, un contesto che a volte può anche opprimerla. I genitori spesso tendono a essere così, ma lo fanno per amore. Lo dico anche da mamma napoletana: non è facile lasciare andare i figli, trovare il coraggio di separarsi. E questo film racconta proprio questo: la famiglia, la crescita, la difficoltà di diventare grandi e anche la bellezza di farlo”. – Conclude l’attrice.

Fondamentale la mia insegnante che disse ai miei genitori: “Lei deve fare musica, deve fare spettacolo”

Durante la conferenza stampa di presentazione che ha avuto luogo ieri a Milano, Serena Rossi racconta che anche lei in passato ha avuto una “Giuliana” nella tua vita: “La mia professoressa delle scuole medie, la professoressa Laganà. Fu lei a farmi cantare a una recita e a dire ai miei genitori: “Lei deve fare musica, deve fare spettacolo”. Per me è stata una figura fondamentale. Anche con Luca ne abbiamo parlato sul set: sono persone che smuovono tante emozioni e che ti segnano davvero”.

Serena Rossi: “Quando ho iniziato io c’era una certa resistenza verso gli artisti che volevano esprimersi sia nella recitazione che nel canto.

La Rossi è senza dubbio un’artista poliedrica capace di destreggiarsi tra recitazione e musica e di questo ne rivendica ogni diritto: “Oggi è più comune, ma quando ho iniziato io si faceva molta più fatica. C’era una certa resistenza verso gli artisti che volevano esprimersi sia nella recitazione che nel canto. All’inizio mi chiedevano sempre di scegliere: “Cosa vuoi fare davvero?”. All’estero è normale poter fare entrambe le cose, mentre in Italia veniva visto quasi come un difetto. In realtà è un valore aggiunto. È stato difficile aprire questa strada, ma oggi questo film – anche con Sarah – dimostra che qualcosa è cambiato. Lei ha la possibilità di mettersi in gioco, di conoscersi meglio. Però è fondamentale non improvvisarsi mai: le cose vanno fatte bene, con impegno. Sarah ha un’attitudine molto studiosa e precisa, e questo non si può giudicare: si può solo applaudire”.

Presentato ieri a Milano “Non abbiam bisogno di parole”, il film che segna il debutto attoriale di Sarah Toscano, diretto da Luca Ribuoli e con la partecipazione di Serena Rossi, che sarà disponibile da venerdì 3 aprile solo su Netflix. Nel cast anche Emilio Insolera, Carola Insolera, Antonio lorillo, Alessandro Parigi e Asia Corvino.

Sarah Toscano debutto da attrice in “Non abbiam bisogno di parole”

Unica udente in una famiglia di persone sorde, una timida adolescente scopre il suo talento per il canto ed è costretta a scegliere tra il dovere e la ricerca della propria strada. Sarah Toscano della sua prima esperienza cinematografica racconta: 

“Per me è stata sicuramente una grandissima sfida, perché è la prima volta che avevo a che fare con il mondo del cinema e anche con la comunità dei sordi, quindi era tutto nuovo per me. Ho avuto la fortuna di avere Luca sempre presente durante i tre mesi di preparazione prima delle riprese: era lì tutti i giorni negli studi a seguirmi, insieme a Flavia, la mia acting coach, e Laura, che mi hanno aiutato tantissimo. Ho avuto molte difficoltà, anche perché avevo un po’ paura. Però sono stata molto sostenuta: hanno creduto tanto in me e questo è stato fondamentale”.

L’ex vincitrice di Amici si trova per la prima volta a confrontasi con la recitazione interpretando magistralmente un ruolo che non era per niente facile. “Eletta è un personaggio parecchio diverso da me nella vita reale. Il primo lavoro che abbiamo fatto con Flavia è stato leggere il copione e capire davvero chi fosse Eletta, avere un’immagine chiara del personaggio. La cosa principale che abbiamo in comune è sicuramente la musica: entrambe abbiamo scoperto questa passione più o meno alla stessa età e abbiamo voluto inseguirla a tutti i costi, nonostante le difficoltà” – Racconta la Toscano.

“Non abbiam bisogno di parole”, è il remake del film francese La Famiglia Bélier. “Avevo visto il film prima che mi arrivasse la proposta. – Racconta Sarah – Quando mi hanno detto che era il remake de La Famiglia Bélier, sono rimasta un attimo sorpresa, perché è uno dei pochi film che mi ha fatto piangere. Non sono una persona che piange facilmente, ma durante la scena dell’audizione ho versato tante lacrime. Mi ricordavo anche la canzone e sono andata a riascoltarla. La versione americana l’ho vista dopo essere entrata nel cast. Però Luca mi ha consigliato di non ispirarmi troppo all’originale, ma di trovare la mia Eletta”.

Spazio alle domande

Sarah come hai costruito il tuo personaggio?

“Ho cercato la mia strada, partendo dalla sceneggiatura e dai personaggi. Mi sono concentrata molto anche sugli attori con cui lavoravo. Quando ho ricevuto la proposta, sono rimasta spiazzata: mi sono detta “io protagonista di un film?”. Non sapevo neanche se ne fossi capace. Era un rischio sia per la produzione che per me. Però mi ha sempre affascinato il mondo degli artisti poliedrici: attori che cantano, cantanti che recitano. Un esempio è Lady Gaga”.

Com’è stato il primo approccio alla recitazione?

“Non sapevo nulla di recitazione. Al provino sono arrivata e ho chiesto: “Cosa devo fare?”. Avevo una telecamera davanti e qualcuno che mi dava le battute. Abbiamo scelto scene difficili, che poi sono state anche le più complicate durante le riprese. Però mi hanno richiamata, quindi è andata bene. Recitare è stato difficile: capire cosa significa essere un’altra persona richiede tanto lavoro. Però ho imparato moltissimo, sia professionalmente che su me stessa”.

Come hai lavorato sulla parte musicale del personaggio?

“Eletta è una ragazza che ha appena scoperto la musica e non ha mai preso lezioni. Quindi non dovevo cantare come Sarah Toscano, ma come una sedicenne che sta scoprendo la sua voce. Ho dovuto trovare un modo di cantare diverso, meno “perfetto”, più autentico”.

Hai imparato la lingua dei segni (LIS)?

Sì, è stata una grande sfida. Non ho imparato tutta la LIS, perché servono anni, ma ho fatto tre mesi intensivi di lezioni. Ho imparato il copione e vari elementi della lingua. Inoltre, lavorare con attori realmente sordi mi ha aiutato tantissimo, anche fuori dal set. Ho scoperto cose molto interessanti: ad esempio, quando si comunica si guarda negli occhi, non le mani. Oppure, per richiamare una persona sorda si possono creare vibrazioni, ad esempio battendo sul tavolo.

Come ti sei sentita durante le riprese?

“All’inizio ero nel panico. Nei primi mesi di prova la mia acting coach mi tranquillizzava continuamente. Poi, poco prima delle riprese, ho avuto una sorta di “clic”: ho capito che non ero più io, ma Eletta. Questo mi ha dato serenità. Sul set ero molto più tranquilla. Certo, alcune scene erano più difficili e avevo bisogno del supporto del regista, dei coach e degli altri attori”.

Cosa ti ha lasciato questa esperienza?

“Mi sono innamorata del mondo del cinema e del fatto di poter vivere la vita di un’altra persona. È qualcosa di incredibile. Vorrei continuare questo percorso in futuro, parallelamente alla musica. Inoltre, ho scoperto la comunità sorda, che è una realtà poco raccontata ma molto interessante. Anche a livello personale sono cambiata: non ero una persona molto sensibile, ma dopo questo film lo sono diventata un po’ di più. Ora mi capita anche di commuovermi, cosa che prima succedeva raramente”.

Laura Franco, giovane attrice alle prese con una diagnosi di cancro, viene lasciata proprio durante il drammatico periodo delle cure dal fidanzato Jacob Sullivan, un regista teatrale con il quale si frequentava da cinque anni. In seguito a quella rottura devastante, torna a casa per ricostruirsi e ricominciare da zero, salvo scoprire che il “mostro” che da bambina viveva nel suo armadio è tornato.

In Mostruosamente tuo, il il peloso ospite è inizialmente scontroso, ma si rivela ben presto sorprendentemente sensibile, trasformandosi in un inaspettato confidente per Laura, sempre più persa nel suo dolore.

Dolore che si acuisce ulteriormente quando scopre che Jacob ha assegnato il ruolo di protagonista del nuovo spettacolo alla sua nuova fiamma, soffiando la parte proprio a Laura che era la scelta originaria. E sarà allora il mostro a rivelarsi fondamentale per risolvere la situazione, in maniera ovviamente non canonica.

Mostruosamente tuo: l’aspetto conta? – recensione

Fin dalle prime battute, il film dichiara apertamente la sua natura ibrida e dall’impronta semi-autobiografica , con la regista e sceneggiatrice Caroline Lindy che costruisce un’opera mescolante horror, commedia romantica e musical con un’ambizione rara per un debutto.

Ambizione non sempre supportata dai risultati, con una narrazione spesso irregolare che non trova il necessario equilibrio, affidandosi a fiammate qua e là ad accendere un racconto sospeso tra realtà e immaginazione.

Non viene infatti esplicitamente chiarito se il mostro sia reale oppure una materializzazione della rabbia repressa della protagonista, certamente alle prese con un periodo alquanto turbolento della sua esistenza. Il richiamo visivo è naturalmente all’immaginario de La Bella e la Bestia, con l’irsuto compagno di disavventura che rischia, minuto dopo minuto, di diventare improbabile interesse romantico, oltre che indispensabile alleato per sistemare i conti lasciati in sospeso.

Un mondo da affrontare

Ci troviamo così davanti ad una sorta di racconto di autostima, di rabbia e di ricostruzione identitaria in un’ottica da girl-power, con il nemico rappresentato da quell’ex fidanzato narcisista, uomo che sfrutta le donne per i suoi appetiti sessuali ed egocentrici.

Una chiave di lettura all’insegna del girl-power quindi, che a tratti rischia di farsi parzialmente fine a se stessa in un gioco delle parti fin troppo netto, pur con tutte le ambiguità del caso date dalla mente instabile di Laura. Laura alla quale va detto infonde una notevole intensità Melissa Barrera, che dopo l’ingiusta epurazione dalla saga di Scream ha qui modo di dimostrare il suo valore.

Resta lei infatti la punta di diamante del cast, con tanto di slancio vocale in quei citati sprazzi musical che fanno più volte capolino nei cento minuti di Mostruosamente tuo, gran finale in primis.

Peccato che la verve comica si riveli, paradossalmente, il tallone d’Achille del film: si tende spesso a spingere eccessivamente sull’umorismo, con gag e battute che raramente vanno a segno, rischiando inoltre di banalizzare quei temi più seri e complessi pur introdotti nella sfaccettata narrazione.

È come se il film avesse paura del proprio lato oscuro e abbia cercato di alleggerirlo, nel tentativo di rivolgersi a un range di pubblico più ampio, tradendo però così di fatto la sua stessa essenza più primigenia.

Conclusioni finali

Lui una sorta di sosia del principe Adam de La Bella e la Bestia, lei vestita per Halloween come la Sposa di Frankenstein: peccato che lui sia un mostro anche senza costume e che la loro relazione vada incontro a ovvi alti e bassi. Soprattutto se la protagonista è mentalmente instabile, con il confine tra immaginazione e realtà lasciato assai ambiguo.

Mostruosamente tuo funziona quando cede al suo lato più sovversivo, con quel finale quasi horror dove la verve musical convive con l’anima dark dell’operazione, ma non eccelle quando si tratta di snellire i toni, con la commedia sbilanciata e mal integrata al resto e al contesto. Ciò nonostante l’interpretazione di Melissa Barrera è di quelle che lasciano il segno, questa sì piacevolmente mostruosa.

Tre coppie, rispettivamente formate da Flavio ed Elena, Enrico e Martina e Federico e Claudia, si ritrovano a bordo dello yacht del primo per trascorrere un weekend all’insegna dell’evasione. Dopo una notte tra droghe e alcool, per i protagonisti di The Boat il risveglio si rivela assai traumatico, segnando di fatto l’inizio dell’incubo ad occhi aperti che si troveranno ad affrontare.

Come scopriranno i postumati infatti l’imbarcazione è alla completa deriva in mare aperto, senza più carburante, cibo o acqua; i sistemi sono stati messi fuori uso da qualcuno e nessuna possibilità di fuga sembra a loro portata di mano, così come nemmeno l’eventualità di contattare i soccorsi. E quando al walkie-talkie risponde una voce maschile che chiede non soltanto un ingente riscatto in denaro, ma pretende che verità sepolte vengano alla luce, la situazione prende una piega sempre più drammatica.

The Boat: tutti contro tutti – recensione

Esistono spesso, pure troppo almeno al cinema o nelle serialità contemporanei, dei paradossi nella ricchezza: quanto uno vive più nel lusso, ha ovviamente segreti da nascondere. Dietro il successo e quella stabilità apparente, hanno luogo equilibri fragili, costruiti su omissioni, compromessi e verità taciute. The Boat parte proprio da questa premessa, trasformando una gita da nababbi nel cuore del Mediterraneo in un gioco al massacro, dove il passato torna a galla con la stessa ineluttabilità di quell’infinita acqua che circonda l’unica ambientazione.

Il regista Alessio Liguori costruisce il film con ambizioni evidenti, cercando di aggiornare e omaggiare al contempo i topoi del thriller claustrofobico all’interno di una narrazione carica di colpi di scena. La produzione di RAI Cinema e Lotus Production garantisce una confezione visiva patinata, forse anche fin troppo curata per quella serie di eventi destinati inesorabilmente a una serrata resa dei conti, dove la fiducia viene meno e chiunque può diventare un potenziale nemico.

L’ombra del sospetto che si insinua tra i sei personaggi principali, destinati a ciò che sembra una partita diabolica all’insegna di “ne resterà soltanto uno“, vive nella prima metà su alcuni spunti interessanti, che però poi si smarriscono in un’ultima mezzora dove la realtà supera l’immaginazione.

Dimmi la verità

Lo yacht diventa il vero protagonista: uno spazio chiuso, elegante e progressivamente adombrato da misteri. Il film funziona soprattutto quando è l’incertezza a dettare le logiche narrative, quando si lascia in sospeso chi sia effettivamente dietro tutto. Quando invece la storia svela via via le proprie carte, The Boat perde di sostanza, con soluzioni arzigogolate e poco coerenti che evidenziano ulteriormente quelle forzature già emerse in precedenza ma che, fino ad allora, potevano essere ritenute perdonabili.

Quando la paranoia viene meno, si comprende chi è – o chi sono – i villain e la reale motivazione dietro quel piano machiavellico, quell’atmosfera costruita in precedenza crolla all’improvviso, in favore di giravolte e contorsioni di scrittura che cercano a tutti i costi colpi di scena assurdi, sepolti in passati più o meno lontani o in legami che vengono alla luce.

Il meccanismo si fa più prevedibile, e resta unicamente l’attesa delle conseguenze, tra colpe e colpevoli, in un racconto dove tutti hanno uno o più scheletri nell’armadio. Un errore strutturale che svuota il film della sua componente più accattivante, quella legata al dubbio e all’ambiguità, e lo rende uguale a tante produzioni a basso budget sul tema.

Conclusioni finali

Sei personaggi, tre coppie, alla deriva in mare aperto. Una convivenza forzata, senza viveri né la certezza di far ritorno a terra sani e salvi, durante la quale verranno alla luce segreti sempre più oscuri e la minaccia del misterioso ricattatore sarà soltanto l’ultimo dei problemi.

The Boat parte bene ma resta a corto di carburante come lo yacht che ospita questa paradossale resa dei conti tra il gruppo di amici che poi tanto amici non erano. Ma quando si sostituisce la tensione con la spiegazione, la paranoia con la noia, il film perde non solo mordente ma anche il senso di esistere, andando a fondo più in fretta del previsto.

Arriva la Pasqua ed il mese di Aprile 2026 su Netflix è ricco di serie tv e film per tutta la famiglia. Vediamo insieme tutte le novità della piattaforma di streaming che propone alcuni titoli attesissimi dai fan e molte prime visioni.

Netflix, film e serie tv: le novità nel catalogo di Aprile 2026

Grande attesa nel mese di aprile su Netflix per la terza e ultima stagione di “La Legge di Lidia Poët”. In totale saranno 6 gli episodi, disponibili dal 15 aprile 2026, che vedono Matilda De Angelis nel ruolo della brillante avvocata. Accanto a lei, ci sono nel cast Eduardo Scarpetta nei panni del giornalista Jacopo Barberis; Pier Luigi Pasino in quelli di Enrico Poët; Sara Lazzaro (la moglie di Enrico) e Gianmarco Saurino (Pierluigi Fourneau). New entry Liliana Bottone e Ninni Bruschetta.

Mentre Serena Rossi e Sarah Toscano (al suo debutto da attrice), sono le protagoniste del film “Non abbiam bisogno di parole”, disponibile dal 3 aprile. La vincitrice di Amici interpreta Eletta, una giovane che vive in una famiglia sorda. Quando la sua maestra di canto la spinge a partecipare a un’audizione per una scuola di musica, si trova in difficoltà verso chi ama di più.

Il 1 aprile arriva poi su Netflix il grande spettacolo del WWE, il World Wrestling Entertainment, con Raw, SmackDown e NXT, che vedrà il commento italiano firmato dalle storiche voci de “Il Godzilla” Luca Franchini e “Il Bardo” Michele Posa.

Le serie e i film di Aprile di Netflix

Vediamo nel dettaglio tutte le uscite e i titoli del mese di Aprile 2026 su Netflix.

• Xo, Kitty stagione 3: dal 2 aprile
• I peccati di Kujo: dal 2 aprile
• The Ramparts of Ice: dal 2 aprile
• Non abbiam bisogno di parole: dal 3 aprile
• Smile 2: dal 14 aprile
• La Legge di Lidia Poët: dal 15 aprile
• Beef – Lo scontro, stagione 2: dal 16 aprile
• Ronaldinho: l’inimitabile: dal 16 aprile
• A gorilla story: l’incontro di david attenborough: dal 17 aprile
• Machos alpha, stagione 5: dal 17 aprile
• Unchosen: dal 21 aprile
• Running Point: dal 22 aprile
• Stranger Things: storie dal 1985: dal 23 aprile
• Bocciato: dal 23 aprile
• Apex: dal 24 aprile
• Man on fire – Sete di vendetta: dal 30 aprile

Su Netflix arriva il WWE

Disponibile nell’abbonamento, senza nessun costo aggiuntivo, sarà possibile uno degli eventi di wrestling più attesi come il ‘Wrestlemania‘, disponibile nelle notti di sabato 18 e domenica 19 aprile dalla mezzanotte italiana.

Mentre dal 1 aprile, Netflix Italia sarà anche la casa esclusiva di una curata selezione della library di contenuti WWE, inclusi gli episodi di RAW, SmackDown e NXT e i Premium Live Events del passato, compresi Royal Rumble, SummerSlam, WrestleMania e altri ancora, oltre a nuovi programmi originali e documentari.

Per gli amanti della boxe invece, si potrà assistere al match che vedrà contrapporsi Tyson Fury vs. Arslanbek Makhmudov. L’ex campione del mondo WBC dei pesi massimi torna a combattere sabato 11 aprile alle 20:00 (ora italiana).

Per la sezione Sport Live:

• Monday night raw 2026: ogni lunedì
• Wwe nxt 2026: ogni mercoledì
• Wwe smackdown 2026: ogni venerdì
• Tyson fury vs. Arslanbek makhmudov: l’11 aprile
• Wwe wrestlemania 2026: il 18-19 aprile

Catalogo WWE

• Wrestlemania 1985-2025: dal 1 aprile
• Wwe royal rumble 1988-2025: dal 1 aprile
• Wwe summerslam 1988-2024: dal 1 aprile
• Wwe raw vault 1993-2001, 2022-2024: dal 1 aprile
• Wwe smackdown vault 1999-2008, 2022-2024: dal 1 aprile
• Wwe smackdown 2025: dal 1 aprile
• Wwe nxt vault 2014-2024: dal 1 aprile

Nel 2014 la città siriana di al-Raqqa è il cuore pulsante dello Stato Islamico. Un territorio dominato dal terrore, dove le esecuzioni pubbliche, la vendita delle schiave e il fanatismo religioso scandiscono una drammatica quotidianità. In questo contesto infernale si ritrovano coinvolti i protagonisti di Operazione Raqqa, ognuno alle prese con un compito ben preciso.

Haibala è una spia mercenaria al servizio degli interessi russi, mentre Malika è un’infermiera infiltratasi per conto dell’Europol. Entrambi hanno il medesimo obiettivo, ovvero quello di rintracciare Il Giordano, uno dei leader dell’ISIS più ricercati al mondo, e contribuire in tal modo a una potenziale caduta del regime. Ma in un contesto dove ogni errore può rivelarsi fatale, la loro missione si trasforma ben presto presto in una corsa sul filo del rasoio, tra sospetti e violenze in un contesto nel qale nessuno può effettivamente fidarsi di nessuno.

Operazione Raqqa: l’ombra del deserto – recensione

Con Operazione Raqqa, il regista Gerardo Herrero ha tentato un’operazione ambiziosa, che assume significati assai complessi anche data la situazione mediorientale degli ultimi anni: fondere il thriller spionistico di stampo classico con un ritratto sociale crudo del fanatismo religioso sotto il dominio jihadista. Alla base vi è l’omonimo romanzo di Tomás Bárbulo, giornalista e profondo conoscitore del mondo arabo, ma probabilmente nel passaggio sul grande schermo qualcosa deve essere andato perso.

Il film funziona quando decide di guardare in faccia l’orrore – soprattutto per ciò che concerne la rappresentazione della violenza sulle donne e l’oppressione sistematica – ma si rivela eccessivamente compiaciuto nella sua anima puramente di genere, tra situazioni improbabili e forzature al posto giusto nel momento giusto a dare più di una mano ai protagonisti.

Protagonisti interpretati da Álvaro Morte, indimenticabile Professore de La casa di carta qui a suo agio nelle vesti di infiltrato, e dall’attrice di origini marocchine Mina El Hammani, già vista tra gli altri nella serie cult Élite.

Paesaggi e passaggi

Le riprese girate tra Marocco e Spagna restituiscono un ambiente opprimente e fortemente realistico, con tanto di bombardamento finale da parte dei jet che ci riporta alla realtà di questi giorni, alla tragedia di una guerra senza una fine apparente. Un palcoscenico capace di evocare una Siria devastata, che immerge in un’atmosfera soffocante dove ogni movimento è controllato e ogni parola può essere una condanna.

Ma se qualcosa funziona a livello di messa in scena, allo stesso tempo appare evidente come Operazione Raqqa cerchi di spingersi anche ben oltre le proprie capacità. Ed è in questo stacco tra il “vorrei ma non posso” che diventa straniante, impedendo ai cento minuti di visione di trovare un corretto equilibrio e snaturando una tensione pur palpabile nelle dinamiche tra i personaggi.

Una caratterizzazione poco sfumata di un corollario chiuso e oltranzista, figlio del fanatismo, rischia di far apparire il tutto eccessivamente cinematografico, ad uso e consumo di quello che, dietro una facciata di possibile denuncia, si conferma un prodotto di puro intrattenimento, relativamente fine a se stesso.

Conclusioni finali

La sceneggiatura di Operazione Raqqa sembra avere fretta di arrivare ovunque e di raccontare il più possibile, accumulando eventi, coincidenze e svolte narrative in un minutaggio non poi così corposo, senza approfondire pienamente storyline e personaggi.

E in un contesto così spinoso come la Siria sotto il controllo dell’ISIS, si rischia di far apparire l’intera operazione più superficiale del previsto, semplificando in quest’accumulo oltre misura il romanzo alla base. E così anche i buoni spunti restano soffocati in prevedibili dinamiche di genere, a cominciare da quell’epilogo aperto a potenziali sequel.

Arrivano le festività di Pasqua e il mese di Aprile 2026 è pronto a regalare serie e film per tutta la famiglia che è possibile trovare su Discovery+, piattaforma streaming ott (cioè over-the-top, che offre servizi e contenuti direttamente via Internet) di proprietà di Warner Bros. Discovery. Il servizio combina elementi gratuiti e a pagamento unendo insieme diversi canali: Discovery Channel; Real Time; Animal Planet; Investigation Discovery; HGTV; Food Network; Discovery Science; DMAX; Giallo; Nove e TURBO. Scopriamo insieme tutti i titoli del momento e quello che è in arrivo ad Aprile 2026.

Discovery: gli eventi e i programmi in uscita da vedere ad Aprile 2026

Vediamo nel dettaglio tutti i canali del gruppo Discovery.

I programmi su Real Time

AFFARI ALL’ASTA / PRIMA TV – Dal lunedì al venerdì, dal 6 aprile, alle 18:00.
Seguiamo il banditore d’asta Angus Ashworth e il suo team dalle visite alle case fino al giorno dell’asta. La squadra viaggia in tutto il Regno Unito alla ricerca di oggetti d’antiquariato e da collezione da vendere. Man mano che ogni casa viene sgomberata, tornano alla luce storie di famiglia emozionanti.

I programmi sul NOVE

LITTLE BIG ITALY / PRIMA TV – Ogni lunedì, dal 6 aprile, alle 21:30.
Riparte il viaggio con Francesco Panella alla scoperta dei migliori ristoranti italiani all’estero. In ogni città, incontrerà 3 italiani residenti all’estero che gli faranno scoprire il luogo che più li fa sentire a casa. Inoltre, assaggeranno e voteranno 3 piatti; Francesco avrà un voto in più. Nella nuova stagione, le nuove tappe saranno Bucarest, Bratislava, Colonia, Glasgow, Anversa, Malta, Malaga.

CHERNOBYL – NUOVE VERITÀ/ PRIMA TV – Ogni martedì, dal 21 aprile, alle 21:30.
Nel 40esimo anniversario del disastro nucleare di Chernobyl, nove, propone un documentario che raccoglie le testimonianze inedite dei sopravvissuti, nuovo materiale d’archivio e le reazioni della CIA e delle autorità sovietiche. Il programma tenta di capire cosa è realmente accaduto quel 26 aprile di 40 anni fa, quali sono stati gli errori, i segreti e le responsabilità delle autorità politiche.

COMEDY MATCH / PRIMA TV – Ogni giovedì, dal 23 aprile, alle 21:30
Torna la sfida comica condotta da Katia Follesa. Due squadre di comici si affrontano a colpi di improvvisazione tra umorismo travolgente, battute fulminanti e giochi esilaranti. Chi riuscirà a far ridere di più e a conquistare il titolo di Comedy Match?

I programmi su DMAX

MR. ORO: TUTTO HA UN PREZZO / PRIMA TV – Ogni giovedì, dal 2 aprile, alle 21:25.
La star dei social network Mr. Oro d’Oro gestisce 11 negozi compro oro e preziosi tra Milano e Torino. Seguiamo le sue giornate lavorative alle prese con clienti di ogni tipo e problemi da risolvere.

AIRPORT SECURITY: SPAGNA / PRIMA TV – Ogni domenica, dal 5 aprile, alle 21:25.
Ogni giorno, centinaia di agenti lavorano senza sosta per garantire la sicurezza negli aeroporti spagnoli. Dal traffico di droga agli oggetti più disparati, i passeggeri nascondono di tutto nei loro bagagli. Inoltre, gli agenti devono controllare i flussi di
immigrati che cercano di entrare irregolarmente. Seguiamo il loro incessante lavoro.

PREDATORI DI GEMME / PRIMA TV – Ogni lunedì, dal 13 aprile, alle 21:25.
Arriva la nuova stagione di “Predatori di gemme”. I cercatori più coraggiosi d’Australia
tornano per scovare gemme preziose. Dovranno affrontare numerose insidie, imprevisti e guasti meccanici. Chi otterrà dei guadagni?

I programmi su Food Network

A SCUOLA DI DOLCEZZA / PRIMA TV – Ogni giovedì, dal 9 aprile, alle 22:00.
Tommaso Foglia ci accoglie nella sua scuola per tornare a svelarci le basi della pasticceria, ma anche per affrontare nuove sfide, tra cui i dolci vintage, quelli da servire quando si hanno tanti ospiti a cena e quali possono essere abbinati. Anche Ida di Filippo accompagnerà Tommaso nella realizzazione di un dolce.

GIUSINA E NONNA LINA – RACCONTI, SAPORI E TRADIZIONI DI SICILIA / PRIMA TV – Ogni sabato, dall’11 aprile, alle 15:45.
Giusi Battaglia e Nonna Lina si uniscono in cucina per condividere racconti e ricette del cuore siciliane. La straordinaria conoscenza di Nonna Lina si mescola all’esperienza di Giusina, con l’obiettivo di creare piatti incredibili.

FINCHÉ TAVOLA NON CI SEPARI / PRIMA TV – Ogni mercoledì, dal 22 aprile, alle 22:00.
Francesca Caldarelli e suo marito Antonio Liuzzi vanno alla ricerca dei migliori ristoranti d’Abruzzo. Dalle maestose montagne, passando per i paesaggi marini fino ai borghi medievali, i due ci accompagnano in un viaggio tra sapori, tradizione e innovazione.

PAZZI DI DOLCI / PRIMA TV – Ogni giovedì, dal 30 aprile, alle 22:00.
Arriva la seconda stagione di “Pazzi di dolci”. L’agente immobiliare Ida di Filippo e il pastry chef Tommaso Foglia girano il Paese alla scoperta delle pasticcerie più amate dalle famiglie italiane. Saranno proprio i ‘pazzi di dolci’ a invitare i due nelle loro città e a degustare i dolci tipici delle loro zone.

I programmi su HGTV

CASE DA FAVOLA CON CHELSEA E COLE / PRIMA TV – Ogni mercoledì, dall’8 aprile, alle 22:00.
Arriva la terza stagione di “Case da favole con Chelsea e Cole”. I due continuano a ristrutturare case a Sioux Falls, nel Sud Dakota. Riusciranno a soddisfare i desideri dei loro clienti esigenti?

VENDO E CI GUADAGNO / PRIMA TV – Ogni giovedì, dal 16 aprile, alle 22:00.
Alcuni collezionisti scoprono il vero valore degli oggetti che hanno accumulato durante gli anni. Guidati dal designer Bobby Berk, decidono se vendere i propri pezzi per finanziare il restyling della loro casa.

UN CASTELLO A SORPRESA / PRIMA TV – Ogni martedì, dal 28 aprile, alle 22:00.
Su HGTV, arriva una nuova serie con protagonisti Ian Figueira e Daphne Reckert. I due saranno alle prese con la ristrutturazione di un castello medievale di 29 camere e 300 acri ricevuti in eredità. Saranno in grado di affrontare un restyling tanto complesso?

I programmi su Boing

Ogni venerdì alle 19.30.

• 24 aprile un ciclo di film dedicato a Doraemon!
• 27 Marzo – Il mio amico Finnick 1 ^TV BOING
• 3 Aprile – Shaun, vita da pecora: Farmageddon – Il film
• 10 Aprile – Argonuts – Missione Olimpo 1^TV BOING
• 17 Aprile – Vivo

Orizzonti Pokémon: Aria di Speranza
Ambientata un anno dopo i drammatici eventi di Laqua, la serie vede i Locomonauti (Rising Volt Tacklers) momentaneamente sciolti e i protagonisti impegnati a seguire percorsi diversi. La calma viene interrotta dalla comparsa di una misteriosa nebbia rosa che causa comportamenti anomali nei Pokémon in varie regioni.

Liko, Roy e Dot si riuniscono per riformare la squadra e investigare su questo fenomeno legato a una sostanza chiamata Laquium. Durante il viaggio, si unisce a loro un nuovo rivale di nome Ult, mentre il gruppo deve affrontare le nuove trame degli Esploratori, ora guidati da Spinel, e una nuova minaccia tecnologica chiamata “Strong Sphere”.

I programmi su Discovery

LE TERRE DEI PREDATORI / PRIMA TV – Lunedì 6 aprile dalle 21:15.
Su Discovery, arriva una serata evento dedicata ai grandi felini e agli ambienti in cui vivono. In “Ghepardo: il re della velocità”, il biologo Hazen Audel segue il lavoro svolto al Cheetah Conservation Fund per salvare il ghepardo. L’altro documentario, “Nel regno del leopardo”, ci porta nel deserto del Rajasthan, dove il leopardo vive tra gli affioramenti rocciosi e spesso si muove a ridosso dei villaggi, mostrando un raro esempio di convivenza tra uomo e natura.

DANA: LA TEMPESTA DI VALENCIA / PRIMA TV – Mercoledì 22 aprile alle 21:15.
In occasione della Giornata Mondiale della Terra, Discovery presenta un documentario che mostra gli effetti del cambiamento climatico. 29 ottobre: 2024: una tempesta colpisce Valencia e le aree circostanti, causando centinaia di vittime. Raccontata in prima persona da chi ha vissuto la tragedia, mostriamo il coraggio, la preparazione e la prontezza dei corpi specializzati che hanno dovuto affrontare un vero e proprio disastro.

MISTERI SVELATI CON JOSH GATES / PRIMA TV – Ogni mercoledì, dal 29 aprile, alle 21:15.
Torna “Misteri svelati con Josh Gates”. L’esperto è pronto a svelare nuovi segreti scioccanti legati al nostro passato e a rivelare i misteri più affascinanti della Storia.

I programmi su Giallo

CAPITAINE MARLEAU – NUOVI EPISODI PRIMA TV – Da mercoledì 8 aprile un episodio alle ore 21.10.
Nuovi episodi per la serie francese che vede protagonista l’eccentrica e volitiva Capitaine Marleau, interpretata da Corinne Masiero. Il personaggio, creato dalla stessa autrice di “Alexandra Ehle” Elsa Marpeau, è la chiave del successo della serie, che rimane in equilibrio tra un classico crime e la black comedy proprio grazie alle caratteristiche di Marleau.

Marleau perspicace e tenacissima, non ha un briciolo di delicatezza nei modi o di diplomazia, è focosa e iraconda, si aggira per le scene del crimine col suo incongruo berretto da cacciatore e inciampa e litiga con tutti quelli che incontra. Questo ‘iconico’ comportamento non inficia però le abilità investigative del Capitano della Polizia
Francese, che è impeccabile nel risolvere casi e delitti, che in questi episodi più che mai riguardano argomenti e temi seri, delicati e a volte anche scottanti. Un tocco di ironia e goffaggine per un poliziesco che continua ad appassionare gli amanti del genere.

TOM E LOLA 2 PRIMA TV ASSOLUTA – Da martedì 10 aprile due episodi dalle ore
21.10
Arriva la nuova stagione della serie francese Tom e Lola. Tornano le divertenti e appassionanti indagini ‘in tandem’ di Lola Briand, capitano della Polizia Giudiziaria, e Tom Serino, agente della Squadra Narcotici. I due, che sono amici e complici fin dai
tempi del liceo, vivono ancora sotto lo stesso tetto, la casa dove Lola ospita Tom che ha una serie di problemi e complicazioni di vita privata, e collaborano nelle indagini nella comunità di una piccola città costiera della Francia.

Lei vulcanica e impaziente, lui pacato e risoluto, i due formano una coppia improbabile ma inaspettatamente efficace: nonostante i litigi, gli scontri, le incomprensioni, Tom e Lola hanno un’intesa formidabile data da anni di conoscenza e frequentazione. Sfruttando questo, e le proprie innegabili doti investigative, i due affrontano e
districano i casi più difficili e delicati. Senza mai abbandonare un fondo di divertita ironia e moderato sfottò reciproco, segni distintivi di una serie molto vivace e divertente, che si inserisce perfettamente nel filone del poliziesco moderno francese.

I programmi su Turbo

LUNEDÌ DA LEGGENDA / PRIMA TV – Ogni lunedì, dal 6 aprile, alle 22:15.
Per quattro settimane consecutive, ogni lunedì, il pubblico di Turbo verrà accompagnato in un viaggio esclusivo nella storia della velocità, tra miti immortali, scuderie leggendarie e storie mai raccontate. Uno stunt speciale composto da quattro one-off dedicati alle icone che hanno reso il motorsport un fenomeno globale: piloti straordinari, team visionari e rivalità che hanno scritto pagine indelebili.

CANTIERI IMPOSSIBILI: GERMANIA / PRIMA TV – Ogni domenica, dal 26 aprile, alle 22:15.
Arriva la nuova stagione di “Cantieri impossibili: Germania”, in cui seguiremo i più importanti cantieri del Paese. Scopriamo il duro lavoro di coloro che contribuiscono allo sviluppo, dai gruisti, ai muratori fino ai carpentieri e i tecnici coinvolti nel progetto.

I GIGANTI DELL’ASFALTO / PRIMA TV – Ogni giovedì, dal 23 aprile, alle 22:15.
Torniamo a seguire le attività quotidiane dei veri ‘cowboy’ delle strade tedesche: i camionisti! Veri e propri re e regine dell’asfalto che affrontano nuovi percorsi e nuove avventure attraversando la Germania, il Regno Unito, la Scandinavia e persino il
Nord Africa.

Nel 1792 la Rivoluzione francese ha messo definitivamente fine all’Antico Regime, con il sovrano Luigi XVI e sua moglie Maria Antonietta che vengono arrestati insieme ai figli e rinchiusi nella Torre del Tempio. Lontani dall’amata Versailles e privati di ogni privilegio, gli ormai ex regnanti attendono il processo e l’ipotetica condanna in uno spazio chiuso, spoglio, quasi sospeso nel tempo.

In mezzo alla violenza, fuori campo, che sconquassava un Paese ancora provato dagli esiti della rivolta, Le Déluge: Gli ultimi giorni di Maria Antonietta osserva il lento sgretolarsi non soltanto della monarchia, ma anche di un’identità e di un nucleo familiare prossimo a crollare sotto il peso dei propri sbagli e di quel domani che avanza, tanto crudele quanto necessario.

Le Déluge: la caduta degli dei, la recensione

Il film parte non dalla caduta spettacolare, ma dall’intervallo, da quegli ultimi mesi raramente raccontati così nel dettaglio, in cui gli dei diventano uomini e scesi a Terra si trovano a fare i conti con un mondo spietato. Dopo di me, il diluvio: questa è stata d’altronde la frase attribuita a Luigi verso la fine del suo regno, che dà anche il titolo all’operazione e ne caratterizza il finale.

Gianluca Jodice firma una coproduzione italo-francese che rifiuta il consueto immaginario barocco legato alla corte transalpina, ripulendo gli sfarzi e trasformandoli in privazioni.
Niente eccessi, ma soltanto il ricordo di quel lusso perduto, tra stanze misere e vuote dove si muovono questi individui smitizzati, schiavi – letteralmente e moralmente – di una società ormai radicalmente mutata e bisognosa, soprattutto per affermarsi agli occhi di un popolo disperato e rabbioso, di un taglio drastico col passato.

Una scelta che si tramuta in un racconto intimo, quasi in sottrazione sia nella messa in scena – comunque assai elegante nella composizione delle immagini e nella ricostruzione d’epoca – che nelle interpretazioni dell’ottimo cast.

Nel cuore del dramma

Le interpretazioni cercano di restituire umanità laddove la scrittura tende volutamente ad asciugare. Guillaume Canet, nascosto sotto un trucco prostetico a tratti ingombrante, costruisce un Luigi XVI fragile ed esitante, quasi spaesato e forse consapevole del destino che lo aspetta. Ad accompagnarlo un’intensa Mélanie Laurent, capace di sfumare una Maria Antonietta pur trattenuta, specie se si pensa ad altre versioni del personaggio viste sia su piccolo che su grande schermo.

La fotografia di Daniele Ciprì e le scenografie lavorano nella medesima direzione: immagini fredde, controllate, di una bellezza rigorosa che punta a catturare lo sguardo, a immergere in quello stato di condizione sospesa, senza farsi forza su facili appigli emotivi. In cento minuti che vivono sui frammenti di una quotidianità ormai negata, dove ogni nuova alba fa presagire ulteriori divieti o confische, in un lento ma inesorabile disgregarsi di quel rango nobiliare spogliato di ogni suo orpello, dove anche un re è destinato a farsi carne e ossa.

Conclusioni finali

Un’unica ambientazione, ovvero il luogo che sarà ultima dimora terrena dei sovrani di Francia, fa da sfondo a questo dramma intimo e disilluso sulla fine di un’era, con gli echi della rivoluzione lasciati all’esterno mentre lì si consuma il dramma di una famiglia, svestita della propria, attribuitosi, natura divina.

Le Déluge: Gli ultimi giorni di Maria Antonietta non è un film che ammicca e cerca facili consensi, ma si p(rop)one l’obiettivo di immergerci in questo spazio simbolico, dove la resa dei conti emotiva avviene togliendo e non aggiungendo, guidata dall’elegante regia e da un cast che trova la giusta chiave di lettura per riportare alla realtà dei fatti delle figure prossime al tramonto.

Ciò che ci aspetta nella Los Angeles del 2029 è una vera e propria distopia da manuale, memore delle influenze robocopiane. Una società nella quale il crimine dilaga e lo Stato ha progettato il Mercy Capital Court, un sistema giudiziario futuristico basato sull’intelligenza artificiale. Un’AI, ribattezzata Judge Maddox e dalle sembianze su schermo femminili, processa, giudica ed esegue la condanna nell’arco di novanta minuti.

Il protagonista si risveglia all’interno del sistema: ubriaco, legato a una sedia che potrebbe essere anche luogo della sua dipartita e accusato dell’omicidio di sua moglie. Il detective Chris Raven, paradossalmente tra i principali sostenitori di Mercy, ha quindi soltanto un’ora e mezza per provare la propria innocenza, potendo risalire a frammenti della sua vita registrati su schermo e con libero accesso alle videocamere di sorveglianza dell’intera metropoli. Ma rintracciare il reale colpevole e scagionarsi, per di più in un tempo così limitato, non sarà per nulla semplice…

Mercy: fino all’ultimo colpo di scena – recensione

Il film si sviluppa come una forsennata, ansiogena, corsa contro il tempo, nella quale il pubblico ha pressoché accesso alla medesima visuale del malcapitato protagonista, con una visione quasi interamente mediata da schermi, archivi digitali, bodycam dei poliziotti e database governativi.

Esiste un punto di rottura che potrebbe irretire buona parte degli spettatori, soprattutto chi poco abituato ai cosiddetti screen-life movie, ovvero quei film dove lo schermo di un computer gioca un ruolo fondamentale per l’effettiva risoluzione della trama. E qui il regista Timur Bekmambetov, che nelle vesti di produttore aveva già bazzicato il filone con il franchise horror di Unfriended, con l’interessante dittico thriller tematico formato da Searching (2018) e Missing (2022) e col mediocre aggiornamento ad hoc de La guerra dei mondi (2025), si mette in gioco in prima persona per un titolo senza dubbio affascinante ma non privo di imperfezioni.

Il mondo che ci aspetta?

Mercy si propone di tramutare ansie reali, dall’eccesso di sorveglianza che annulla la privacy all’ingerenza dell’intelligenza artificiale nel mondo contemporaneo, fino a quel piedistallo morale da social nel quale siamo tutti giudici, in puro carburante spettacolare. E almeno nella fase iniziale l’operazione funziona, riuscendo a interessare chi guarda a quanto accadente in scena, spinto almeno da quella curiosità che nella prima mezzora porta ad appassionarsi alla vicenda.

Ma col procedere dei sempre più tumultuosi eventi la sceneggiatura inevitabilmente finisce per sfilacciarsi, con una parte finale dove il meccanismo si rompe parzialmente instradandosi su territori più tipici dell’action-movie classico, tradendo in parte la premessa alla base.

Ci troviamo davanti ad un thriller che è una sorta di esercizio di montaggio, tanto originale quanto potenzialmente fine a se stesso: jump cut, flussi simultanei di immagini e video che cercano di simulare un senso di perenne urgenza, mettendoci in tempo reale nei panni di questo detective la cui vita è in bilico con lo scorrere inesorabile dei secondi. Le influenze narrative richiamano ovviamente a un cult del calibro di Minority Report (2002), ma a conti fatti Mercy si rivela poi assai meno ambizioso, con più contro che pro.

Conclusioni finali

“Tutti, umani o AI, impariamo dagli errori” sostiene una battuta nel convulso tour de force conclusivo di Mercy, un film che però di sbagli ne commette diversi dopo una pur buona parte iniziale. Il filone degli screenlife al servizio di una storia fantascientifica ambientata in un 2029 che sembra assai poco ipotizzabile al giorno d’oggi, dove l’intelligenza artificiale viene usata anche nei tribunali, nelle triple vesti di accusatrice, giudice e boia.

Rebecca Ferguson quale macchina implacabile e sulla carta incapace di sbagliare e Chris Pratt come imputato chiamato a provare la propria innocenza in un arco di tempo assai ridotto, caratterizzano un’ora e mezza di visione che dopo una buona partenza cede il passo alla monotonia, con forzature che si sprecano in uno script più farraginoso del previsto.