Amori e Incantesimi, il film del 1998 con Sandra Bullock e Nicole Kidman, è disponibile su Netflix e Disney+. Dopo l’uscita del secondo capitolo, arrivato al cinema quasi 30 anni dopo, la pellicola è tornata nuovamente in voga, soprattutto tra i nostalgici degli anni ’90. Tratto da Il Giardino delle magie, romanzo della scrittrice Alice Hoffman, la storia segue Gillian e Sally Owens, due sorelle streghe. La loro famiglia, però, è affetta da una maledizione: ogni uomo che si innamora di una delle donne Owens è infatti destinato a morire. Un film che unisce amore, magia, sorellanza e dramma, perfetto per il periodo autunnale e che rappresenta uno dei grandi classici di questa stagione. In quest’articolo vi sveliamo di più.

Amori e Incantesimi, il film autunnale degli anni ’90 con Sandra Bullock e Nicole Kidman

Diretto da Griffin Dunne, Amori e Incantesimi rappresenta una delle pellicole più iconiche legate all’autunno e alla fine degli anni ’90. Nonostante all’epoca non abbia ricevuto particolare successo, soprattutto da parte della critica, probabilmente anche a causa del suo mix di generi, oggi è stato decisamente rivalutato.

La pellicola infatti passa dalla commedia romantica al fantasy, non rinunciando a elementi gotici e drammatici. Un insieme di generi che all’epoca poteva risultare difficile da inquadrare, ma che oggi è uno degli aspetti che lo ha reso così riconoscibile e amato nel tempo. La sua identità, principalmente legata alla generazione dei millennials, ha infatti contribuito a trasformarla in un vero cult, tanto da portare alla realizzazione di un secondo capitolo, uscito quasi 30 anni dopo.

Il cast, molto affiatato, composto in primis dalle due protagoniste Sandra Bullock e Nicole Kidman, è sicuramente uno dei punti di forza del film. Le iconiche attrici interpretano alla grande due sorelle molto diverse tra loro con cui è facile empatizzare, capaci di commuovere ma anche di far sorridere.

Tra magia ed elaborazione del lutto

Nonostante le imperfezioni del film già citate precedentemente, a contribuire al suo fascino c’è sicuramente la magia, gli incantesimi e i rituali che attraversano la storia, rendendolo anche un film ideale da vedere o recuperare durante il periodo di Halloween per immergersi completamente in quella atmosfera.

Ma dietro la componente fantastica c’è anche una storia profondamente legata all’ elaborazione del lutto. Sally, infatti, si ritroverà vedova e, chiusa nel proprio dolore, arriverà a temere di innamorarsi di nuovo e di riaprire il proprio cuore all’amore. La donna quindi dovrà imparare a convivere con la perdita e con la paura di poter soffrire ancora a causa della maledizione. Se da una parte c’è quest’aspetto, dall’altra è evidente invece un forte legame tra sorelle che rappresenta uno degli aspetti più importanti della storia. Prima ancora dell’amore romantico, infatti, è il rapporto tra Sally e Gillian quello che emerge. Nonostante siano completamente diverse, le due si scelgono e si sostengono reciprocamente.

Conclusioni

In conclusione, Amori e Incantesimi è un film che unisce mistero, magia e elementi fantasy alla commedia e al dramma. Una storia dove gli incantesimi, i rituali, le erbe, fanno parte di una narrazione mistica, alimentata soprattutto dall’amore tra sorelle, la rivalsa personale e il superamento di un forte dolore.

Una pellicola ideale per tutti i nostalgici degli anni ’90 che hanno voglia di immergersi nelle atmosfere dark e un po’ gotiche legate alla magia e al periodo autunnale, con una storia di sorellanza e amore che continua a conquistare anche trent’anni dopo.

Il film è disponibile su alcune delle piattaforme più note, tra cui Netflix e Disney+.

Soltanto qualche settimana fa vi avevamo parlato su queste stesse pagine di The Mandalorian and Grogu, il primo lungometraggio dedicato agli amati personaggi della relativa serie ambientata nell’universo di Star Wars. In concomitanza con l’arrivo del film nel catalogo di Disney+, sulla piattaforma di streaming ha fatto la sua comparsa anche questo piccolo speciale d’animazione appartenente al franchise LEGO, che da sempre rivisita in forma di mattoncini alcuni dei cult più famosi del cinema e dell’immaginario pop.

Eccoci così a parlare di LEGO Star Wars: The Mandalorian, quarantacinque minuti di visione che altro non sono che una sorta di recap pensato non tanto per nuovi fan, ma soprattutto per chi sia curioso di vederne le peripezie già trascorse sotto una nuova luce. Qui infatti la carica parodica nel rivisitare eventi chiave delle tre stagioni ad oggi uscite è fortissima, con diversi momenti spassosi che vanno a inserirsi in una narrazione altrimenti lineare. Ma andiamo per l’appunto con ordine, e scopriamo cosa aspetta Din Djarin e Grogu in questa nuova (dis)avventura per grandi e piccini.

LEGO Star Wars: una scelta di via ben precisa

L’iconica coppia si ritrova insieme ad amici e alleati per una festa organizzata in loro onore. Peli Motto, Greef Karga, Boba Fett e gli altri presenti decidono di rimembrare davanti al numeroso gruppo di invitati le imprese compiute dal Mandaloriano e dal suo piccolo amico verde, trasformando l’evento in un racconto a ritroso delle loro peripezie.

Attraverso il consueto umorismo LEGO, vengono così rievocati alcuni dei momenti chiave, dal primo incontro ai passaggi più intensi che ne hanno consolidato il legame tra i due.
L’idea non è affatto sbagliata, con il relativo universo che si presta naturalmente alla rilettura comica – dai rimandi a Baby Yoda al gioco di parole sul motto simbolo “Questa è la via” – anche grazie a quei comprimari eccentrici che si sono accumulati nel corso delle varie puntate, con tanto di guest star del calibro di Ahsoka e Luke Skywalker. Ridurre tutto ad altezza di mattoncini malleabili e utilizzabili nei modi più disparati ha permesso di alleggerire anche i momenti originariamente più epici, deformando protagonisti e scene d’azione in una sorta di divertito omaggio.

Omaggio certo, ma nulla più, giacché LEGO Star Wars: The Mandalorian risulta indubbiamente scorrevole per chi ama l’opera alla base ma è assolutamente innocuo e incapace di aggiungere qualcosa di significativo alla relativa lore. Gli adattamenti LEGO hanno saputo altrove reinventare con intelligenza e acume, basti pensare ai film di Batman o alla stessa rielaborazione della saga madre di Star Wars, mentre qui si sono limitati a un semplice compitino, più gratuito che effettivamente necessario.

Conclusioni finali

Per chi intendesse ripassare la mitologia della serie live-action, magari prima di recuperare il lungometraggio da poco uscito su Disney+, LEGO Star Wars: The Mandalorian potrebbe avere un senso, in quanto altro non è che una sorta di riassunto delle tre stagioni in forma animata coi classici mattoncini. Per tutti gli altri invece ne ha ben poco, nonostante la verve parodica rivisiti con una certa, spassosa, autoironia alcuni passaggi chiave delle avventure affrontate da Grogu e Din Djarin.

Il tono affettuoso e celebrativo di un racconto che inizia con una festa e si conclude con una caotica battaglia a colpi di pistola laser ed esplosioni, inframezzando nel mezzo il suddetto ripasso, rende questo speciale di quarantacinque minuti un intrattenimento leggero-leggero, dedicato più agli appassionati irriducibili che ai nuovi adepti, in quanto pieno zeppo di spoiler che rovinerebbero il piacere di una visione ancora da cominciare.

Selen è una sceneggiatrice che possiede una capacità tanto straordinaria quanto pericolosa: tramite i sogni è infatti in grado di percepire in anticipo alcuni eventi destinati ad accadere ad altre persone. Per anni ha sfruttato questo “dono” a fin di bene, ma per la protagonista di The Last Scene tutto cambia quando una notte sogna la propria morte e un uomo che tenta di salvarla. Per la prima volta il futuro non è qualcosa che Selen può cambiare da lontano, ma una minaccia che incombe direttamente sulla sua stessa vita.

L’uomo che le è apparso in suddetta, profetica, visione onirica è Kemal, uno stuntman che lavora per la sua stessa casa di produzione e con il quale scatta una reciproca sintonia. La donna decide di sfruttare il tempo che le resta per cercare di evitare quella nefasta previsione, individuando gli indizi e i luoghi dove potrebbe accadere e così forse impedirla. Ma come scoprirà ben presto, non sarà così semplice ingannare il destino.

The Last Scene: sino all’ultima scena – recensione

Il film parte da un’idea che avrebbe potuto tranquillamente dar vita a un thriller soprannaturale, una sorta di aggiornamento più o meno libero di certe dinamiche alla base di un cult come The Butterfly Effect (2004), con tanto di rimandi al sacrificio e alla perdita quale materiale emotivo dalla verve prorompente. E invece questa produzione turca si inserisce nel filone più commerciale della scena nazionale, ovvero il melodramma romantico ad alto tasso di commozione, sprecando così i pur discreti spunti insiti in sceneggiatura.

Tutta la riflessione sul libero arbitrio, sul rapporto tra il fato avverso e la scelta individuale e persino sulla natura stessa dell’amore viene meno in quel finale dove The Last Scene si lascia andare alla verve più tragica, strizzando l’occhio a quel target di riferimento che prima di tutto vuole commuoversi, costi quel che costi. Il fantastico lascia così spazio alle lacrime, puntando sugli elementi di contrasto tra una protagonista ossessionata dal controllo e da un futuro che lei dà per certo e un uomo che, all’opposto, vive nel presente, giorno per giorno.

Opposti che si attraggono

Quando i due si incontrano, non nasce soltanto un legame affettivo, relativamente classico almeno nelle sue dinamiche base. Ma si sviluppa anche, o meglio soprattutto, un vero e proprio scontro tra due filosofie esistenziali apparentemente inconciliabili. Non è un caso che il punto di attrito, di potenziale non ritorno, sia esattamente in quell’incomunicabilità tra le diverse aspettative, tra chi è pronto a guardare a un domani insieme e chi sa già che quel domani non potrà mai esistere.

La storia di The Last Scene, ideata da Sema Ergenekon – autrice televisiva nota per la popolare serie Segreti di famiglia – ha qui un’intuizione molto chiara e leggibile, che avrebbe dovuto essere colta con maggior coraggio piuttosto che limitarsi a una reiterazione di cliché romantici a buon mercato, con tanto di colonna sonora infarcita di ballate pop più o meno melanconiche ad aumentare l’intensità di scene madri e non.

Hilal Altınbilek – star di Terra Amara – interpreta una Selen che non è semplicemente una donna spaventata dall’idea della morte, ma una persona che ha cominciato a temere la sua capacità uniche. Cogliere l’attimo, godere il momento diventa così imperativo, soprattutto ora che l’anima gemella sembra aver fatto capolino nella sua esistenza, ignara del suo dono che è anche una condanna.

Conclusioni finali

Chi vincerà tra il destino e l’amore? Lo spettatore di The Last Scene lo scoprirà in un epilogo ad alto tasso di emozioni, una resa dei conti tra le antitetiche visioni dei protagonisti. Lei in grado di vedere il futuro, lui determinato a vivere nel presente, in un legame che si complica inevitabilmente quando tragiche profezie si affacciano minacciose all’orizzonte.

Un film che avrebbe potuto trasformare la propria idea di base in qualcosa di affascinante si limita a un compitino, nella scia dei più canonici melodrammi di produzione turca pensati per il grande pubblico. E se qualche discreto spunto riesce a scalfire con efficacia le difese lacrimali di chi guarda, il rammarico resta per un quadro generale che, considerato il potenziale, avrebbe meritato ben altro coraggio.

Gli scintillanti anni ’80 ma ricoperti dal macabro velo di un misterioso serial killer che elimina giorno dopo giorno i giovani e ricchi liceali di Los Angeles: mettetevi comodi, gentili signori, perché questa è “The Shards”, la nuova serie FX disponibile dal 6 agosto su Disney+.

Nata dal sodalizio creativo tra l’executive producer Ryan Murphy e il celebre autore Bret Easton Ellis (dalla cui penna è nato il romanzo bestseller “Le Schegge” che ispira lo show), la serie ci immerge senza filtri in un vortice di seduzione, ossessione e profonda suspense.

Una Los Angeles di luci e ombre: la trama di “The Shards”

Siamo nella Los Angeles degli anni ’80, tra i corridoi di un’esclusiva scuola privata frequentata da ragazzi tanto privilegiati quanto vulnerabili. Il protagonista, Bret (interpretato da Igby Rigney), è un adolescente dall’intuito spiccato e con una innata propensione per la scrittura. La sua quotidianità, all’apparenza perfetta, subisce uno scossone improvviso quando fa la sua comparsa Robert Mallory (Homer Gere), un nuovo studente che si trasferisce poco prima dell’inizio dell’ultimo anno, portando con sé un fascino magnetico ed enigmatico.

I tipici turbamenti liceali, tuttavia, passano tragicamente in secondo piano. L’arrivo di Robert, infatti, si sovrappone a una vera e propria ondata di terrore che sta paralizzando la città: un brutale serial killer, ribattezzato “Il Pescatore”, ha iniziato a prendere di mira proprio i giovani adolescenti. È su questo duplice binario che si sviluppa la tensione narrativa, mescolando i drammi personali dei protagonisti all’incubo di una minaccia invisibile e mortale.

In “The Shards” tutti i temi degli anni ’80 ma con una crescente inquietudine

Ciò che rende “The Shards” un’opera complessa e stratificata è la lente d’ingrandimento posta sulla dolorosa collisione tra l’ingenuità della giovinezza e il cinismo brutale del mondo adulto. Attorno a Bret gravita un microcosmo di amici inseparabili – Susan (Kaia Gerber), Debbie (Hayes Warner) e Thom (Graham Campbell) – le cui vite sono caratterizzate dal lusso, dalla bellezza estetica e da continui eccessi. Insomma, troviamo tutta la bellezza e la superficialità degli anni ’80 e dei suoi stereotipi che proprio il cinema e la tv hanno reso famosi; l’atmosfera viene ricreata perfettamente e i dettagli catapultano lo spettatore direttamente in quel magico decennio.

Sotto questa patina dorata, però, si nascondono insidie pronte a esplodere. L’opera affronta a viso aperto tematiche delicate come la scoperta dell’identità, il sesso e la gelosia più viscerale. A fare da contraltare a questo gruppo di adolescenti ci sono le figure adulte che li circondano, personaggi ambigui e dai contorni oscuri portati sullo schermo da Wes Bentley (Terry Schaffer), Evan Rachel Wood (Liz Schaffer) e Jordan Roth (Steven Reinhardt).

Lo spettatore viene così trascinato sì negli anni ’80, ma scopre anche che non è tutto bello e scintillante: è in realtà un labirinto di segreti che lo costringono a dubitare di ogni sguardo e di ogni singola parola. Con un mix letale di thriller puro e racconto di formazione, “The Shards” promette di essere non solo un ottimo passatempo estivo, ma una vera e propria indagine nei meandri più oscuri dell’adolescenza americana. Non vi resta che iniziare la visione per scoprire se l’apparenza, alla fine, inganna davvero.

Il Diavolo Veste Prada 2, il sequel dell’acclamato film del 2006 con Anne Hathaway, Meryl Streep, Emily Blunt e Stanley Tucci, arriva in streaming su Disney+ dal 29 luglio. A distanza di 20 anni dal primo capitolo, questa pellicola vede il ritorno degli iconici protagonisti, volti ormai entrati nella cultura cinematografica e particolarmente amati anche dagli appassionati di moda. Il mondo, però, è completamente cambiato. Anche le regole dello scintillante universo della moda infatti, devono fare i conti con le trasformazioni della contemporaneità, tra crisi del cartaceo, rivoluzione del digitale e nuove dinamiche lavorative. Di seguito, vi raccontiamo di più su questo sequel.

Il Diavolo veste Prada 2 arriva su Disney+: la recensione del sequel

Dopo tanti dal primo film, era inevitabile che questo secondo portasse tanta gente in sala. Il film infatti si è rivelato un grande successo al botteghino, arrivando a incassare quasi 32 milioni di euro al box office italiano e portando il franchise a superare la soglia del miliardo di dollari di incassi complessivi. Numeri altissimi che confermano, ancora una volta, quanto le operazioni nostalgia dedicate a titoli iconici del passato riescano a coinvolgere il pubblico e portarlo in sala.

Il film è una commedia che riprende i personaggi già conosciuti e amati, inserendoli però in un contesto profondamente diverso rispetto a quello del 2006. Andy è infatti ormai un’acclamata giornalista, che viene però licenziata improvvisamente, e si ritrova di nuovo a Runway. Miranda, dal canto suo, deve invece sostenere la crisi dell’editoria tradizionale e le difficoltà di mantenere rilevante una rivista di moda in un panorama mediatico dominato dal digitale.

L’analisi della società contemporanea che emerge tra le righe è uno degli aspetti più interessanti del film. Il sequel mette infatti in risalto le difficoltà del mondo giornalistico di oggi, raccontando un settore sempre più precario e mutevole. Tuttavia, il film perde mordente rispetto al primo capitolo.

Tra vecchi e nuovi personaggi

Il Diavolo Veste Prada, oltre a mostrare il mondo glamour della moda, è stato anche un racconto sulle complessità del mondo del lavoro con le sue gerarchie disfunzionali, le dinamiche completamente tossiche, le ambizioni personali e le ingiustizie costanti.

Anche questo sequel affronta argomenti molto interessanti e simili sull’aspetto professionale, aggiornandoli ai problemi del presente. I personaggi si ritrovano infatti ad affrontare nuove difficoltà sia al lavoro che personali, come anche Miranda, che ha perso infatti parte della sua durezza e sicurezza assoluta, un cambiamento molto evidente anche se coerente con il passare del tempo e con il contesto in cui si muove.

Accanto ai volti storici, come anche Emily e Nigel, si introducono anche nuovi personaggi, ma il loro contributo alla narrazione appare piuttosto limitato. La storyline incentrata sul nuovo compagno di Andy, Peter, risulta poco sviluppata e la chimica tra i due è praticamente assente. Anche altri personaggi secondari, come Amari, la nuova assistente di Miranda, Benji, il nuovo marito, Jay, il nuovo capo dell’azienda e Stuart, il fidanzato di Emily, avrebbero potuto essere maggiormente approfonditi.

Conclusioni

In conclusione, Il Diavolo Veste Prada 2 racconta le imperfezioni e le fragilità della vita professionale di oggi, soprattutto nel mondo del giornalismo e dell’editoria, mettendo in luce la precarietà, la possibilità di licenziamento immediato e le difficoltà economiche che caratterizzano questi settori.

Se nel film del 2006 alcune di queste tematiche erano comunque accompagnate da una forte dose di speranza e l’idea che il sacrificio avrebbe portato a nuove possibilità, qui prevale invece un maggior disincanto. Nel 2026 anche Runway, un tempo simbolo intoccabile tra le riviste di moda, fatica a stare al passo con i tempi, rischiando di perdere rilevanza se non riesce ad adattarsi alle nuove regole del sistema mediatico.

Il ritorno dei personaggi iconici, alcune battute riuscite, le immancabili sfilate e gli abiti, le location newyorkesi e le grandi tenute immerse nel verde rendono comunque la visione piacevole, soprattutto per chi ha amato il primo capitolo e si lascia trasportare dalla nostalgia di ritrovare un universo già familiare.

Pur lasciandosi seguire con piacere però, il sequel non riesce a raggiungere la stessa incisività del film originale. Rimane una commedia gradevole e capace di portare alla luce argomenti attuale, ma priva di quel mordente, di quell’ironia e di quello scintillio che, invece, ha reso Il Diavolo Veste Prada iconico per più generazioni.

Se siete fan dei thriller psicologici ad alta tensione, prendete l’agenda e segnatevi questa data: 27 luglio. In questo lunedì d’estate, infatti, arriverà in esclusiva su Disney+ (disponibile nella sezione Hulu della piattaforma) Furious, una nuova serie drama originale che promette di lasciarci incollati allo schermo.

Furious, una caccia “gatto e topo” al femminile: trama e recensione

Al centro di Furious troviamo Alice Black, interpretata da una sempre magnetica Emmy Rossum. Alice è un’agente dell’FBI con una missione decisamente complicata: scovare e catturare una serial killer tanto misteriosa quanto scaltra. Fin qui potrebbe sembrare la classica struttura da poliziesco, ma lo spunto interessante sta nelle sfumature della narrazione: entrambe le donne, infatti, stanno percorrendo la propria personalissima strada verso la giustizia. Il vero cortocircuito scatta quando le loro vite iniziano a intrecciarsi in modo inevitabile. Come recita la stessa locandina della serie della serie: “C’è una linea sottile tra cacciatore e preda”. È proprio su quel confine invisibile che si gioca l’intera storia, portando lo spettatore a veder sfumare, episodio dopo episodio, la demarcazione tra ciò che è giusto e ciò che è sbagliato.

Il tema centrale di “Furious”: la giustizia non è mai una sola

Questo è il grande tema dell’intera produzione, una realtà che sembra essere chiara e che pare esporre una verità indiscutibile: da un lato c’è la protagonista che è quindi un personaggio positivo, dall’altro c’è l’antagonista che è di conseguenza un personaggio negativo. Ma il filone da guardie e ladri sarebbe troppo banale per un’opera così ben scritta da Elizabeth Meriwether, e quindi si giunge a una conclusione: nulla è sempre giusto o sbagliato a prescindere. Dietro ogni scelta, ogni azione, ogni minimo sentimento, c’è una storia fatta di dolori e sofferenze di cui noi siamo inevitabilmente figli e ognuno reagisce in modo diverso fino a un’opposizione netta: giustizia civile contro giustizia personale, morale contro vendetta.

Lo spettatore comincia così quasi a empatizzare con il personaggio di Catherine (Lola Petticrew) e improvvisamente si pone una domanda: “Ma io, al suo posto, che cosa avrei fatto?”. In questa domanda e nelle mille risposte che ognuno si dà, si nascondono gli altrettanti misteri e risvolti di “Furious”, una serie che si potrà gustare un pezzo alla volta su Disney+ a partire dai primi 3 episodi disponibili dal 27 luglio che vi faranno entrare in un’atmosfera da cui non vorrete più uscire. E per ogni lunedì sarà la vostra ossessione.

Guarda ora la serie su Disney+.

Che cosa accadde realmente agli abitanti di Pompei durante le ultime ore prima della distruzione della città? E soprattutto: qualcuno riuscì a mettersi in salvo dall’eruzione del Vesuvio? Sono queste le domande al centro di Pompei: Fuori dal tempo con Tom Hiddleston, la nuova docu-serie di National Geographic disponibile su Disney+ in Italia dal 23 luglio 2026.

Composta da tre episodi, la produzione non si limita a raccontare la catastrofe del 79 d.C., ma prova a ricostruire le scelte, le paure e il destino di alcune persone realmente vissute all’ombra del Vesuvio. Tom Hiddleston accompagna il pubblico in un’indagine storica che unisce archeologia, testimonianze, analisi scientifiche e ricostruzioni cinematografiche.

Di cosa parla Pompei: Fuori dal tempo

La docu-serie segue Tom Hiddleston mentre cerca di rispondere a una domanda apparentemente semplice: era davvero impossibile sopravvivere alla distruzione di Pompei?

L’attore ripercorre le ultime 24 ore dell’eruzione del Vesuvio, osservando i reperti e le tracce lasciate dagli abitanti della città. Con l’aiuto di archeologi, storici, geologi ed esperti di gestione delle emergenze, ricostruisce ciò che potrebbe essere accaduto prima e durante la catastrofe.

La serie mette in discussione l’immagine di una popolazione condannata fin dal primo istante. L’eruzione si sviluppò nel corso di diverse ore e molte persone ebbero il tempo di prendere una decisione: partire immediatamente, restare nelle proprie case, cercare i familiari oppure aiutare gli altri. Scelte compiute senza conoscere la reale portata di ciò che stava accadendo.

Le tre storie raccontate nella docu-serie Pompei: Fuori dal tempo con Tom Hiddleston

Il racconto si concentra principalmente su tre figure, ricostruite attraverso reperti, iscrizioni, graffiti e nuove interpretazioni archeologiche.

Avianius, il giovane apprendista

Avianius è un adolescente che lavora come apprendista presso un fabbro. La sua storia rappresenta quella dei ragazzi costretti a diventare adulti nel giro di poche ore, davanti a un evento capace di cancellare ogni certezza.

Il suo percorso permette alla serie di mostrare Pompei dal punto di vista delle persone comuni: lavoratori, artigiani e giovani che conducevano una vita lontana dai palazzi degli imperatori e dai grandi avvenimenti politici.

Iulia Felix, la donna d’affari di Pompei

Iulia Felix è una ricca e indipendente imprenditrice pompeiana. Possedeva una grande proprietà, parte della quale veniva concessa in affitto, e gestiva ambienti destinati all’ospitalità e alle attività commerciali.

Durante l’eruzione, la donna avrebbe dovuto decidere non soltanto come proteggere se stessa, ma anche come comportarsi nei confronti delle persone presenti nella sua proprietà. La sua vicenda mostra il ruolo economico e sociale che alcune donne potevano avere nell’antica città romana.

Il misterioso pretoriano

La terza storia riguarda un veterano legato alla Guardia pretoriana, il corpo militare incaricato di proteggere l’imperatore. La sua esperienza gli avrebbe permesso di comprendere più rapidamente il pericolo e di guidare altre persone durante l’emergenza.

Attraverso questi tre protagonisti, la docu-serie racconta esperienze molto diverse: quella di un adolescente, di una donna economicamente potente e di un soldato abituato ad affrontare situazioni di crisi.

Una Pompei vista non soltanto come morte e distruzione

Pompei: Fuori dal tempo cambia il punto di vista rispetto ai tradizionali documentari dedicati all’eruzione del Vesuvio. Il centro del racconto non è soltanto il vulcano, ma la popolazione che si trovò improvvisamente davanti alla catastrofe.

La serie cerca di restituire un’identità alle persone spesso ricordate solamente attraverso i calchi, gli scheletri e gli oggetti ritrovati sotto la cenere. Dietro ogni reperto poteva esserci una famiglia, un lavoro, un progetto oppure una persona che tentava di iniziare una nuova vita.

Il risultato è un racconto sulla resilienza, sul sacrificio e sulla sopravvivenza, nel quale Pompei diventa anche uno strumento per riflettere sulle moderne calamità naturali e sulle crisi umanitarie.

Qual è il ruolo di Tom Hiddleston?

Tom Hiddleston non interpreta un personaggio dell’antica Roma. Nella serie appare nei panni di se stesso e agisce come una sorta di detective del tempo, spostandosi tra gli scavi, gli esperti e le ricostruzioni cinematografiche.

La scelta dell’attore conosciuto in tutto il mondo per il personaggio di Loki non è casuale. Hiddleston coltiva da molti anni una forte passione per il mondo classico, per il greco e per il latino. Visitò Pompei per la prima volta nel 1998, quando aveva 17 anni, rimanendo profondamente colpito dalla possibilità di osservare da vicino ciò che fino a quel momento aveva studiato soltanto sui libri.

Il suo coinvolgimento rende il racconto più personale: Hiddleston non si limita a presentare le scoperte, ma prova a immedesimarsi nelle persone coinvolte e nelle decisioni che furono costrette a prendere.

Quante puntate sono e dove vedere Pompei: Fuori dal tempo

Pompei: Fuori dal tempo con Tom Hiddleston è composta da tre episodi. La docu-serie, prodotta da Plimsoll Productions per National Geographic, è disponibile in Italia su Disney+ dal 23 luglio 2026.

Il titolo originale della produzione è Pompeii: Out of Time with Tom Hiddleston. Sulla piattaforma italiana viene classificata nei generi drama, storia, catastrofi e docu-serie, con una classificazione consigliata per un pubblico dai 12 anni in su.

Perché vedere la docu-serie

Il principale punto di forza di Pompei: Fuori dal tempo è la capacità di trasformare un avvenimento conosciuto da tutti in un’indagine sulle persone.

Il Vesuvio rimane una presenza costante e minacciosa, ma il vero centro della storia sono gli abitanti: uomini e donne che, senza sapere come sarebbe finita quella giornata, dovettero scegliere se restare, fuggire oppure aiutare qualcuno.

La combinazione tra divulgazione, spettacolo e ricostruzione storica rende la serie accessibile anche a chi non è appassionato di archeologia. Tom Hiddleston guida lo spettatore in una Pompei meno distante e monumentale, restituendole la dimensione di una città viva, popolata da persone con paure e speranze sorprendentemente vicine alle nostre.

Il catalogo di Disney+ a Luglio 2026 continua ad arricchirsi. Tra film come Il Diavolo veste Prada 2, sequel dell’iconico film dei primi anni 2000 con Anne Hathaway, Meryl Streep, Emily Blunt e Stanley Tucci, a serie tv come Furious, thriller adrenalinico sul senso di giustizia, non sono poche le novità del mese. Di seguito, vi elenchiamo alcuni dei titoli più attesi.

Disney+: i film e le serie tv più attese di Luglio 2026

Le novità sono iniziate dal 1° luglio con la seconda stagione di X-men ’97. La serie prosegue seguendo l’eroica squadra degli X-Men, divisa e dispersa in varie epoche temporali, mentre cerca di trovare la via di casa. Intanto, negli anni ’90, si aggiungono nuovi nemici sospetti e forme di intolleranza nei confronti dei mutanti, che stanno prendendo piede sulla scia dell’assenza degli X-Men.

Il 2 luglio, invece, si è aggiunto al catalogo Finché morte non ci separi 2. Questo secondo capitolo riprende dalla fine del primo film, quando Grace, dopo essere sopravvissuta, si ritrova in ospedale. Ma, ben presto, la ragazza scopre di aver raggiunto il capitolo successivo di quest’incubo. Infatti, quattro famiglie rivali, le più potenti al mondo, le sta dando la caccia, e chi vincerà governerà su tutto. Insieme a lei, questa volta ci sarà anche la sorella Faith, con cui ha un rapporto burrascoso.

Spazio nuovamente alle serie tv dal 14 luglio, data in cui verrà rilasciata la prima stagione di R.J Decker. La storia segue un fotoreporter caduto in disgrazia ed ex detenuto che ricomincia da zero come investigatore privato nel mondo pieno di criminalità del Sud della Florida. Aiutato dalla sua ex compagna e della moglie di lei, un’ispettrice di polizia, R.J Decker cercherà di risolvere diversi casi. Ma a complicare la sua vita, c’è una misteriosa benefattrice, una donna del suo passato dalle intenzioni poco chiare. Potrebbe infatti rivelarsi la sua più grande alleata o la sua più grande nemica.

Si torna ai film dal 17 luglio con Descendants: Wicked Wonderland. Dopo aver cambiato con successo il corso della storia impedendo alla Regina di Cuori di diventare cattiva e aver salvato Cenerentola, tutto sembra sistemato per Red e Chloe. Le due, però, non sanno che cambiare il passato comporta inevitabilmente delle conseguenze inaspettate.

Dal 23 luglio invece arriva Pompei: fuori dal tempo con Tom Hiddelston. L’attore sarà anche conduttore di questo titolo, che fonde drama cinematografico scripted e documentario investigativo. Guidato da un team di archeologi, storici, geologi ed esperti di catastrofi, Hiddleston porta alla luce prove straordinarie mai rivelate finora, e le storie di persone reali che mettono in discussione le convinzioni radicate su Pompei e le sue ultime ore. Infatti, secondo questi studi, emerge che molti di coloro che furono travolti dal disastro, ebbero la possibilità di sopravvivere.

Il 27 luglio arriva la serie tv Furious. Ideata da Elizabeth Meriwether, che ne è anche executive producer, Furious segue le vicende di Alice Black, un’agente dell’FBI alla ricerca di una serial killer misteriosa e scaltra. Quando le loro vite iniziano a intrecciarsi, il confine tra giusto e sbagliato comincia presto a diventare sempre più difficile da delineare.

Infine, il 29 luglio, si aggiunge al catalogo Il Diavolo veste Prada 2. Andy Sachs, dopo essere stata licenziata in tronco, torna a Runway come nuova features editor. Qui ritrova il suo temibile ex capo, Miranda, alle prese con alcune minacce che incombono sul suo impero dell’editoria. Insieme, dovranno cercare di resistere alle nuove sfide del mondo contemporaneo. Volti familiari e nuovi personaggi si uniscono in questo sequel elegante e raffinato. Tornano Emily Blunt e Stanley Tucci, ma si affiancano anche Simone Ashley, Patrick Brammall, Justin Theroux, Kenneth Branagh, Lucy Liu e tanti altri.

La notizia arriva come un fulmine a ciel sereno: si è scoperto che la classe del 2008 della North Meadows High School non ha mai ufficialmente conseguito il diploma, giacché un tornado aveva interrotto bruscamente l’ultimo anno scolastico prima della fine del semestre e i giorni frequentati risultarono inferiori al minimo legale. In Never Change!, diciotto anni dopo è proprio questo tecnicismo legale a riportare tra i banchi un gruppo di trentacinquenni.

Ex studenti ormai adulti – chi sposato, chi fallito, chi in carriera e chi ancora semplicemente in cerca di se stesso – obbligati a sedersi nuovamente nelle aule scolastiche per trascorrervi le ultime settimane necessarie. Tornano così alla luce vecchi amori mai del tutto sopiti, rivalità adolescenziali stridenti ora come allora e una serie di segreti pronti ad emergere dopo così tanto tempo. Per nessuno il ritorno allo studio sarà soltanto una semplice questione burocratica.

Never Change!: come prima, più di prima – recensione

La premessa pareva pur interessante, ovvero mettere un folto gruppo di quasi quarantenni – l’età media del cast è visibilmente più alta rispetto a quella dei personaggi – in una situazione paradossale. D’altronde si sa che uno degli incubi ricorrenti fatti da gran parte delle persone è proprio quello di ritrovarsi sui banchi di scuola per interrogazioni o esami di sorta, un incubo che qui si trasforma in realtà già nei primi minuti, dove un telegiornale informa i suoi ascoltatori della stravagante notizia (e ad annunciarla è proprio una delle dirette interessate).

Il tentativo di Never Change!, suggerito fin dal titolo, è quello di aggiornare le classiche atmosfere delle teen-comedy di inizio millennio ad uno stile più contemporaneo, ma il risultato è discontinuo e non si comprende bene quale sia il target che il film vuole intercettare. La nostalgia infatti è ridotta, con il demenziale a premere spesso sull’acceleratore in una narrazione popolata da sottotrame, romantiche e non, di scarso interesse.

La scuola degli errori e degli orrori

Lo stesso cavillo legale che mette in moto la premessa narrativa funziona più come uno sketch televisivo scritto in fretta e furia che come un vero e proprio incipit degno di tal nome e anche la stessa introduzione dei numerosi personaggi avviene velocemente e su caricature fisse, che impediscono poi ai suddetti di uscire dai relativi stereotipi per tutti i cento minuti di visione.

L’assurdità di fondo cerca qualche timida risata qua e là, mentre la verve più cinica vorrebbe spingere alla riflessione sulle “seconde opportunità” e sugli errori e gli onori commessi in gioventù – da chi era bullo, a chi nerd, a chi ancora la coppia perfetta – ma il presunto approccio esistenzialista ha un taglio macchiettistico che nega profondità all’insieme.

E così tra balli di fine anno, professoresse disinibite più giovani degli studenti stessi, recite a teatro e love-story pronte a rinascere o a sbocciare per la prima volta, Never Change! si trascina fino all’epilogo in quella che sembra una costante crisi di identità.

Conclusioni finali

L’impressione è quella di trovarsi di fronte a un esercizio confuso e privo di una reale direzione, che spreca una premessa sì assurda ma potenzialmente ricca di spunti e di facile immedesimazione per chi è spesso vittima di incubi sul ritorno al liceo dopo anni o decenni dal conseguimento del diploma.

Never Change! annega il mood nostalgico in diverse volgarità gratuite, sminuendo la pur centrale componente romantica e sprecando il discorso su rimorsi e rimpianti che avrebbe dovuto caratterizzare le dinamiche tra i personaggi. Il blocco generazionale finisce così per perpetuarsi, giacché questi studenti 2.0, nonostante siano anagraficamente vicini agli anta, sembrano ancora dei ragazzini a corto di maturità.

Il conto alla rovescia è finalmente terminato per tutti gli appassionati di alta cucina, ritmi frenetici e intense tensioni psicologiche: è tornata “FX The Bear”. Da venerdì 26 giugno è disponibile in esclusiva su Disney+ l’attesissima quinta e ultima stagione della serie originata dal network FX, un’opera acclamata dalla critica internazionale e vincitrice agli Emmy Award.

The Bear 5 su Disney+: Carmy lascia il ristorante, la brigata affronta l’ultima sfida

L’atto conclusivo di questo straordinario show si consuma tutto d’un fiato, assecondando la ben nota natura adrenalinica della narrazione: gli otto episodi inediti sono infatti stati resi subito disponibili al lancio. Questa scelta permette agli spettatori di immergersi immediatamente nel caotico e struggente capitolo finale, godendosi il binge-watching senza dover attendere il rilascio settimanale.

La nuova e ultima stagione non delude le aspettative, catapultando lo spettatore e l’amatissima brigata di Chicago in un clima di vera e propria emergenza. Fin dalle prime battute, il pubblico assiste alle conseguenze di una scoperta scioccante che sconvolge irrimediabilmente i già precari equilibri del locale: lo chef Carmen “Carmy” Berzatto (magistralmente interpretato da Jeremy Allen White), apparentemente consumato dai suoi stessi demoni interiori e dall’ossessione per il controllo, ha inaspettatamente abbandonato il settore della ristorazione.

Questa scelta improvvisa e drammatica lascia il destino del ristorante interamente nelle mani della determinata Sydney Adamu (Ayo Edebiri), del vulcanico e sempre in evoluzione Richard “Richie” Jerimovich (Ebon Moss-Bachrach) e della razionale ma provata Natalie “Sugar” Berzatto (Abby Elliott).

La sfida che si pone davanti al nuovo triumvirato è titanica e spaventosa: completamente senza fondi finanziari, con la minaccia imminente di una vendita dello storico edificio e, come se non bastasse, con una devastante tempesta pronta a ostacolare i loro piani logistici, i nuovi soci devono stringere i denti. Sono costretti a fare squadra in modo inedito con il resto del fedele personale per affrontare un’ultima, disperata prova di sopravvivenza sia commerciale che emotiva.

L’obiettivo formale, il traguardo che li ha spinti fin qui attraverso innumerevoli sacrifici, resta l’ambita stella Michelin; tuttavia, lungo questo tortuoso cammino, la brigata scopre una verità molto più profonda. Comprenderanno, infatti, che a rendere davvero eccezionale un ristorante non è la perfezione tecnica e maniacale del cibo servito, bensì l’anima pulsante, l’empatia e l’unione indissolubile delle persone che ci lavorano ogni giorno tra sudore e fatica.

“FX The Bear” saluta per sempre il suo pubblico

La stagione finale vede dunque nuovamente al timone i tre eccezionali protagonisti interpretati da Jeremy Allen White, Ayo Edebiri ed Ebon Moss-Bachrach, saldamente affiancati dal nucleo storico della cucina, composto dalle ormai irrinunciabili figure di Marcus (Lionel Boyce), Tina (Liza Colón-Zayas) e dal pittoresco Neil Fak (Matty Matheson). Non mancano, inoltre, i celebri interpreti in ruoli ricorrenti che, con le loro memorabili apparizioni, hanno arricchito e complicato il dramma familiare dei Berzatto nel corso degli anni. Si rivedono volti noti del calibro di Ricky Staffieri, Oliver Platt, Will Poulter e la straordinaria, pluripremiata Jamie Lee Curtis nei panni della complessa matriarca Donna.

Creata dal genio visionario di Christopher Storer, “FX The Bear” saluta per sempre il suo pubblico fedele e appassionato. Lo fa nel migliore dei modi: unendo il consueto, claustrofobico ritmo sincopato del servizio culinario a una profonda, viscerale ed emozionante riflessione sui legami umani. Un addio che ci lascia con il fiato sospeso, ricordandoci per l’ultima, indimenticabile volta che, nel tumulto di una cucina di alto livello esattamente come nella vita di tutti i giorni, ogni secondo conta.

Guarda Adesso The Bear su Disney+.

Il Giappone di Rooster Fighter è un Paese perennemente sull’orlo di una collettiva crisi di nervi, specchio di una realtà nella quale la società nipponica spinge spesso all’estremo i propri abitanti. Fino a quel punto di rottura che porta le emozioni negative – dalla disperazione personale allo stress lavorativo al lutto non elaborato e così via – a trasformare gli esseri umani in enormi creature demoniache.

A fronteggiare questa minaccia nei confronti dell’umanità, con l’indole eroica di un guerriero che ha affrontato mille battaglie e già perso tutto quello che aveva, c’è Keiji, un gallo vagabondo e dal carattere scostante, in cerca del demone che gli ha portato via l’amata sorella. Alla peculiare missione del protagonista si unirà Elizabeth, una gallina con cui ha avuto un “trascorso sentimentale” in passato, e la pulcina Piyoko, che ha visto il suo padrone trasformarsi in un mostro e da allora ha scelto di proteggere i più deboli.

Perché guardare Rooster Fighter

Rooster Fighter, manga di Shū Sakuratani serializzato dal dicembre 2020 su Comiplex è stato adattato in una serie anime di dodici episodi e reso disponibile in streaming su Disney+, offrendo un capovolgimento dei topoi del genere, tra parodia e paradossale serietà. La saga di Ken il guerriero è tra le principali fonti di ispirazione, soltanto che nel ruolo principale vi è appunto un…pollo! Keiji non è un guerriero umano dotato di poteri sovrannaturali, ma un gallo che combatte demoni doppiato da una voce serissima e dal tono perentorio.

Il tutto mantenendosi sempre sul filo del ridicolo ma con il coraggio di mantenere la barra di dritta e di insistere totalmente sulla sua folle premessa, dando vita a spettacolari combattimenti sempre più esagerati che non risparmiano la violenza – la serie non è indicata per i più piccoli – e che si affidano a mosse speciali progressivamente più potenti ed esagerate.

Il fatto che il protagonista abbia una cresta viene gestita senza la minima concessione all’autoironia: Keiji grugna come Kenshiro, possiede un attacco speciale che chiunque abbia visto Dragon Ball collegherà immediatamente al Kamehameha e conduce una vita errabonda, con un tragico dramma alle spalle.

Ogni demone e avversario finisce per affrontare Keiji come la minaccia più pericolosa che abbiano mai incontrato, e nel finale di stagione la situazione si complica ulteriormente non soltanto con l’entrata in scena di nuovi, spietatissimi, villain ma anche di alleati del tutto inaspettati, che hanno ben più di qualcosa in comune con lui.

Perché non guardare Rooster Fighter

Ovviamente non tutti gli spettatori accetteranno di stare al gioco e chi richiede trame verosimili rischia quanto meno di trovarsi spiazzato da questo mondo sui generis, dove gli esseri umani sono mere figure di supporto e tutta l’attenzione è concentrata proprio su galli e galline, eroi improvvisati che si rivelano essere l’ultima speranza per l’intero Giappone. Al contempo l’animazione, per quanto a tratti piacevolmente esagerata, paga alcuni limiti in fase di realizzazione, con modelli 3D che spesso tolgono fluidità all’impatto visivo. Limiti di poco conto per chi scrive, giacché l’anima camp riesce a colmare, almeno dal punto di vista estetico, diverse lacune, per un’operazione che va prima accettata per essere poi apprezzata.

Conclusioni finali

Il manga di di Shū Sakuratani, adattato in una prima stagione anime di dodici episodi, funziona perché non ha paura di scioccare lo spettatore con la sua assurdità di fondo, dandola per scontata e costruendo su di essa un asse narrativo imprevedibilmente compiuto. Omaggio e parodia in un qualcosa che si prende tremendamente sul serio, con molti pro e pochi contro almeno dal punto di vista narrativo.

Un gallo che spara sentenze come Kenshiro, urla mosse esagerate alla Dragonball e via dicendo, accompagnato da altri improbabili pennuti in una lotta senza sosta contro i crudeli demoni che hanno invaso il Giappone. Follia ed epica, sangue e piume in un mix iperbolico, esteticamente non sempre impeccabile ma carico di personalità da vendere: Rooster Fighter è arrivato per restare e l’epilogo aperto non può che farci attendere con curiosità il prosieguo delle avventure di Keiji & Co.

La diciannovenne Mabel Tanaka è una studentessa di biologia ambientale convinta che gli animali abbiano molto più da dire di quanto gli esseri umani siano disposti ad ascoltare. La ragazza, che aveva un rapporto molto stretto con la compianta nonna – è stata lei a insegnarle il rispetto per la natura – ha quel tipo di entusiasmo esuberante e idealista, che la mette spesso in contrasto con compagni e professori.

La protagonista di Jumpers – Un salto tra gli animali scopre un giorno che una delle sue insegnanti ha sviluppato una rivoluzionaria tecnologia, capace di trasferire la coscienza umana all’interno di animali robotici e Mabel si ritroverà in circostanze più o meno rocambolesche a “vestire” i panni di un fittizio castoro. Sotto queste mentite spoglie finirà nella foresta vicino alla città, comprenderà il linguaggio delle varie specie che la abitano e si unirà a loro per mettere i bastoni tra le ruote al subdolo sindaco Jerry Generazzo, intenzionato a scacciare la fauna per interessi economici.

Jumpers: capire l’altro – recensione

La prima cosa che salta all’occhio in Jumpers – Un salto tra gli animali è la sua voglia di essere dichiaratamente bizzarro, partendo da una premessa assurda che si tinge via via di progressioni più classiche che richiamano al sempre condivisibile messaggio ambientalista di fondo. La salvaguardia dell’ecosistema diventa così il traino per un’avventura comica e paradossale, dove la verosimiglianza viene fortunatamente schivata in favore di un gradevole intrattenimento per grandi e piccini.

Il modo con cui gli animali percepiscono il mondo e viceversa, con tanto di cambio di rappresentazione estetica a seconda di chi guarda chi, offre campo aperto a sequenze davvero esilaranti, e allo stesso tempo le dinamiche e le logiche di quel “circle of life” che si agitano nel bosco risultano cariche di gag e siparietti che rispecchiano le logiche predatori-prede.

Risate ed emozioni

Questa nuova produzione Pixar è piacevolmente nevrotica come la sua scatenata protagonista, che si ritrova catapultata in questo costume da castoro indistinguibile dagli esemplari veri, correndo però il rischio di abbandonare il suo lato umano. Si innesca così un non banale discorso sul senso di appartenenza, sul trovare il proprio posto in un mondo che si fatica a comprendere, laddove lì tra le “bestie” è invece tutto più semplice – o almeno così sembra.

Quando la rivolta animale scontata arriva nell’esplosivo finale, il racconto smette di essere una favola ambientalista e diventa qualcosa di più difficile da classificare: un film su cosa accade quando si dà voce a chi non l’ha mai avuta, tingendosi di un’urgenza politica e sociale che si rispecchia, con le dovute proporzioni, nel mondo contemporaneo. Non vi è certo la complessità della fattoria degli animali orwelliana, e nessuno d’altronde glielo aveva chiesto, ma Jumpers – Un salto tra gli animali sa come unire intrattenimento e metafore, nella miglior tradizione dello studio d’animazione e con una verve spassosa capace di conquistare un pubblico di tutte le età.

Conclusioni finali

Daniel Chong, al suo esordio nel lungometraggio d’animazione per il grande schermo dopo il televisivo Siamo solo orsi: Il film (2020), ha convinto Pixar a lasciargli fare il film più caotico, irriverente e fuori di testa degli ultimi anni, sfruttando un’ambientazione comune come quella della foresta con una verve comica a tratti irresistibile.

Tra messaggi ecologisti e un atipico percorso di formazione, Jumpers – Un salto tra gli animali vede la dubbiosa ma coraggiosa protagonista trasferire la sua coscienza in un castoro robot, tramite il quale riesce a interagire con il mondo animale. Sarà l’inizio di una bizzarra disavventura che sfrutta gag e battute in maniera più incisiva del previsto, con la caricatura che diventa satira e i buoni sentimenti che vanno pari passo con le risate.

Questo Giugno anche il catalogo di Disney+ si arricchisce. Tra l’attesissima quinta e ultima stagione di The Bear, serie tv sul mondo della ristorazione con Jeremy Allen White nei panni di Chef Carmy, e il film italiano Domani interrogo con Anna Ferzetti, i titoli in arrivo saranno molto interessanti. Di seguito, vi elenchiamo alcune delle novità da non perdere questo mese.

Disney plus: i film e le serie tv più attese di Giugno 2026

Le novità sono iniziate il 2 giugno con Not Suitable for Work. Questa nuova serie tv segue la vita di cinque ventenni a Manhattan. I ragazzi sono ossessionati dal lavoro e puntano al successo professionale. Tuttavia, tempo permettendo, cercano di perseguire anche la propria felicità personale.

L’8 giugno, invece, si aggiunge al catalogo Best of the world con Antoni Porowski. La serie originale National Geographic vede Porowski mentre esplora alcune delle destinazioni turistiche più straordinarie del mondo. Tra luoghi celebri ma anche perle nascoste, la star canadese si ispira alla lista annuale “Best of the World” di National Geographic con le migliori destinazioni. Immergendosi nel cuore di Parigi, Città del Messico, Londra e della sua città natale, New York, Antoni inizia questo viaggio incredibile, ricco di esperienze genuine e indimenticabili. Il suo percorso porterò gli spettatori alla scoperta del cuore pulsante di ogni città, tra la sua cultura e la sua popolazione.

Nella stessa data sarà anche disponibile la serie tv Alice and Steve. La storia segue Alice, una donna che vedrà la sua vita sconvolta quando il suo migliore amico Steve inizia a frequentare sua figlia Izzy, di 26 anni. Rischiando di perdere in un colpo solo il suo migliore amico e sua figlia, decide di ricorrere a qualsiasi mezzo per porre fine alla relazione. Tra minacce, suppliche e sabotaggio della carriera di lui, quella che era iniziata come un’amicizia perfetta degenera in una faida continua. Ma Alice non si arrenderà senza combattere.

Ma spazio anche ai film dal 12 giugno con la commedia italiana Domani Interrogo. La trama ruota intorno una professoressa di inglese, interpretata da Anna Ferzetti, che viene assegnata in un liceo dalle dinamiche molto complicate, situato a Rebibbia. Mentre i suoi colleghi hanno perso le speranze con i ragazzi dell’ultimo anno, piena di studenti più difficili e ritrosi, l’insegnante prova a dare un senso sia al loro percorso scolastico che alla sua vita di insegnante. Tra spaccio, famiglie disfunzionali, primi amori, storie di sesso ma anche  rassegnazione, riuscirà la Prof ad entrare nei loro cuori?

Infine, il 26 giugno, arriva la quinta e ultima stagione di The Bear. La serie riprende dopo gli avvenimenti con cui avevamo lasciato i personaggi nel precedente capitolo. Sydney, Richie e Sugar scoprono che Carmy ha abbandonato il settore della ristorazione, lasciando il locale nelle loro mani. I nuovi soci si ritrovano senza soldi, con la minaccia di una vendita e nuove problematiche all’orizzonte. Il gruppo non avrà scelta: dovrà unirsi al resto della squadra per portare a termine un’ultima prova.

Rental Family – Nelle vite degli altri, film con Brendan Fraser come protagonista, è arrivato da pochissimo su Disney+. Distribuito da Searchlight Pictures, è co-scritto e diretto dalla regista giapponese Hikari. La pellicola ha debuttato a settembre 2025 al Toronto International Film Festival, ed è arrivato in anteprima in Italia alla 20ª edizione della Festa del Cinema di Roma. Intimo e delicato, di seguito vi raccontiamo un po’ di più su questo film.

Rental Family – Nelle vite degli altri: il dolcissimo film con Brendan Fraser arriva su Disney+

Il film è una vera carezza per l’anima. La storia segue Phillip, un attore americano trasferitosi da anni in Giappone. Dopo piccoli ruoli e una carriera in stallo, viene avvicinato dal capo di una Rental Family, un’agenzia che fornisce attori per impersonare – a pagamento – alcune figure familiari o sociali, come un padre, un marito, un amico, un collega. Inizialmente riluttante, Philip decide poi di accettare, ritrovandosi in situazioni davvero particolari. Dall’amico con cui giocare alla PlayStation, al giornalista incaricato di intervistare un ex attore ormai dimenticato, o ancora al padre premuroso della piccola Mia, lentamente l’uomo entra nelle vite degli altri. Ma, come è ovvio che sia, uscirne diventerà sempre più complicato.

Rental Family – Nelle vite degli altri: tra solitudine e legami

Il film mette al centro la solitudine dei suoi personaggi. Da un lato Philip, un uomo occidentale che vive da anni in un paese in cui ancora fatica ad integrarsi, e che guarda frammenti di vita altrui negli appartamenti difronte casa sua. Dall’altro, le persone che si affidano alla Rental Family per colmare dei vuoti emotivi nelle loro vite. Un tema particolarmente delicato, che la regista tratta con estrema sensibilità, ricordando anche come in Giappone servizi simili esistano davvero, e possano assumere, in alcuni casi una funzione quasi terapeutica. Gi attori dell’agenzia infatti, anche solo con la loro presenza temporanea, offrono una forma di sostegno emotivo e conforto a coloro che li assumono.

La pellicola riflette così anche sul bisogno di connessione umana. Nonostante le differenze culturali, religiose o personali, Philip riesce comunque a stabilire dei legami inattesi e  autentici, molto più profondi di quanto avrebbe immaginato. Infatti, lentamente, i personaggi aggiungono gradualmente colore alle loro vite.

Emblematica è anche la trasformazione dello spazio domestico dell’uomo: inizialmente buio e spoglio, col tempo si riempie dei regali di Mia, diventando sempre più caldo, colorato e vivo, proprio come la sua vita, che pian piano si rallegra e diventa più piena.

Conclusioni

In conclusione, Rental Family – Nelle vite degli altri, è un film emozionante, commovente e profondamente umano, che celebra l’importanza dei legami e del sostegno reciproco. In un mondo sempre più orientato all’individualismo sfrenato, questa pellicola ricorda la potenza delle connessioni umane, anche quando nascono in maniera meno convenzionale. 

Con una dolcezza e sensibilità disarmante, esplora anche la forza dei ricordi, i rimpianti, la memoria, mostrando come il passato, anche a distanza di anni, possa continuare a modellare prepotentemente il presente.

Brendan Fraser, dopo The Whale, ruolo che gli è valso un Oscar nel 2024, torna nuovamente con una parte emozionante, confermando la sua grande versatilità attoriale. Il suo Philip è un uomo che ha perso qualcosa (e qualcuno) e che, attraverso le vite degli altri, prova a ricostruire non solo dei loro legami, ma anche se stesso.

Rental Family- Nelle vite degli altri è davvero un film catartico e corroborante per l’anima, che mostra come, attraverso quella che dovrebbe essere una finzione, si possa dare vita a legami autentici, sottolineando il bisogno istintivo della natura umana di connessioni sincere. È un dramedy ideale da vedere su Disney+ in una giornata alla ricerca di emozioni positive e fiducia negli altri.

Zootropolis 2, sequel Disney che vede il ritorno della coniglietta poliziotta Judy e del suo collega volpe Nick, è disponibile su Disney+. I due ritornano dieci anni dopo il grande successo del primo capitolo, portando sullo schermo nuove emozioni e una storia davvero coinvolgente. Ormai sono una squadra affiatata anche se, più del previsto, si trovano in missioni rocambolesche che mettono a soqquadro la città. Ma quando iniziano ad indagare su un serpente, considerato una specie pericolosa, ciò che emerge diventa ancora più inquietante. Le certezze sulla città crollano pian piano, e i due vengono trascinati in una spirale di pericolosi segreti. Tra salute mentale, inclusione e nuovi personaggi, vi sveliamo di più su questo film. 

Zootropolis 2, la recensione (senza spoiler) dell’emozionante sequel Disney

Diretto da Byron Howard e Jared Bush, quest’ultimo impegnato anche nella sceneggiatura e nella produzione, Zootropolis 2 è stato uno degli ultimi film più di successo della Disney. Ha infatti incassato oltre 1,7 miliardi di dollari, aggiudicandosi il primato come film d’animazione di maggior successo al botteghino di tutti i tempi. Complice, sicuramente, anche una scrittura davvero solida e una maturità dei temi affrontati, che lo rendono, sotto certi aspetti, persino superiore al primo film. 

Tra gli aspetti più interessanti del film c’è la rappresentazione dei rettili. Tra serpenti, lucertole, iguane e altre specie, questi animali sono costantemente vittime di pregiudizi, e vivono ai margini della città perché considerati pericolosi. Metafore che risuonano tristemente attuali, rendendo la pellicola un universo narrativo efficace per parlare di discriminazioni, stereotipi e marginalità.

L’aspetto della terapia in Zootropolis 2

Un altro elemento che rende particolarmente maturo questo secondo capitolo è quello della salute mentale. Un tema, fino a pochi anni fa, ancora molto tabù nei film d’animazione, che qui invece trova spazio. Judy e Nick partecipano infatti a un gruppo di terapia pensato per coppie lavorative in crisi. Ma non solo. Entrambi dovranno anche fare i conti con loro stessi. Judy con la sua “sindrome dell’eroina”, sempre pronta a buttarsi in una missione senza ascoltare il partner e senza chiedere aiuto; Nick con la sua pungente ironia, che però nasconde un dolore più profondo.

La loro avventura non è quindi solo un viaggio alla scoperta dei misteri di Zootropolis, ma anche un percorso dentro la propria sfera emotiva. Le loro difficoltà ad aprirsi e ad ammettere le proprie fragilità rispecchiano dinamiche molto riconoscibili nella società contemporanea e risultano familiari anche ad un pubblico più adulto.

Nuovi personaggi e citazionismo

Per ogni sequel che si rispetti, è inevitabile aggiungere anche nuovi personaggi. Accanto ai già noti conosciuti nel primo capitolo, entrano in scena il serpente Gary De’Snake, doppiato in italiano da Max Angioni, fondamentale per lo sviluppo della trama, e la castorina Nibbles Maplestick, doppiata da Michela Giraud. Simpatica e stravagante, è conduttrice del podcast, “Squame e Trame del Mistero”, dedicato a teorie cospirative sui rettili, misteri e leggende metropolitane delle zone paludose del Mercato Pantano.

C’è poi il Sindaco Brian Winddancer, ex attore e cavallo affascinante, che ancora sogna avventure eroiche degne dei personaggi che interpretava in televisione e i Linxley, doppiati da Simone Crisari e Gianni Giuliano, una famiglia di linci a capo di Zootropolis. Infine, non possiamo non citare gli Zebros, due poliziotti con le voci di Alessandro Del Piero e Claudio Marchisio.

Inoltre, il film è costellato di citazioni e omaggi: da Shining, Il Padrino, Il silenzio degli innocenti, Ratatouille, Rapunzel e tanti altri, fino ai riferimenti al mondo reale come la celebre pubblicità della Coca-Cola con l’orso polare, oppure Google che diventa Zoogle o Huluzoo al posto di Hulu.

Conclusioni

In conclusione, Zootropolis 2 è capace di emozionare e divertire qualsiasi spettatore, riuscendo a coinvolgere sia i più piccoli, sia, soprattutto, gli adulti, tra terapia, camei e ispirazioni a film iconici.

I personaggi sono adorabili, commettono errori, si rialzano e sono dotati di una profonda umanità. Il film affronta con sensibilità numerosi temi come inclusione, salute mentale, identità, collaborazione, tra nuove amicizie ma anche spietati villain. Zootropolis 2 si conferma quindi come uno dei migliori sequel della Disney, capace di commuovere, ma anche lasciare tanto spazio per le risate.

Linda Liddle lavora da sette, lunghi, anni nel reparto strategia e pianificazione di una società di consulenza aziendale. È talmente efficiente quanto invisibile a colleghi e superiori, anche se il capo dell’azienda, poco prima di morire, le aveva promesso la vicepresidenza per via del suo lavoro sempre preciso ed encomiabile. Peccato che Bradley Preston, il subentrante figlio del compianto presidente, decida di cambiare le carte in tavole e assegnare l’ambito incarico a un collega arrogante col quale ha un rapporto di amicizia.

In Send Help a Linda viene concessa una chance per dimostrare ulteriormente il suo valore prima di essere “scaricata” definitivamente dalla compagnia. Bradley noleggia un aereo privato per Bangkok, dove avrà luogo un importante incontro di affari, ignaro che il velivolo resterà vittima di un drammatico incidente in volo. Proprio Linda e Bradley sono gli unici sopravvissuti dell’atterraggio rocambolesco su un’isola deserta, e da lì avrà inizio una bizzarra convivenza, una lotta per la sopravvivenza che modifica brutalmente il precedente status quo.

Send Help: aiuto che viene, aiuto che va – recensione

Possa piacere o meno, Send Help è un film di Sam Raimi al 100%, senza se e senza ma. Il suo marchio è ampiamente visibile nella gestione di un intreccio che sposta le dinamiche alla base di grandi classici tensivi come Misery non deve morire (1990) in territori selvaggi e inesplorati. Poco importante se non è lo spazio anche perché pure lì nessuno “può sentirti urlare“, in quella giungla che cela insidie nascoste e dà il via a nuove dinamiche di forza e di potere tra i due protagonisti.

Protagonisti-antagonisti costretti a collaborare gioco-forza, tra segreti e tradimenti, in cento minuti di visione dove la violenza prende via via il sopravvento, con sfuriate improvvise ad alto tasso emoglobinico – basti vedere la già cult sequenza del cinghiale – e una resa dei conti finale che non risparmia sempre e nessuno, con il sangue che va comunque di pari passo con una macabra e gustosa ironia nera.

Si sente in ogni inquadratura e in ogni scelta di montaggio, la presenza di un regista che ama profondamente quello che sta facendo, tra soggettive minacciose e fuori campo che dicono tutto, tra corpi umani che vengono trattati come oggetti di estasi comica e verve tensiva (una scena farà palpitare non poco il pubblico maschile), in un’ambientazione da Isola dei famosi dove però la lotta per sopravvivere è reale e non figlia dello share.

Tornare sul luogo del delitto

A diciassette anni di distanza da Drag Me to Hell (2009), il suo ultimo horror puro prima dell’ingresso nel MCU, Raimi non ha perso nulla del suo smalto. Send Help è un’operazione gustosa, un puro divertissement per tutti i suoi fan ma anche per un pubblico in cerca di un qualcosa sopra le righe, per una serata all’insegna di violenza e risate.

La sceneggiatura è una trappola narrativa perfetta, uno di quei meccanismi in cui ogni nuova interazione sui personaggi principali rischia di spostare nuovamente l’asse narrativo, con colpi di scena che si susseguono in un crescendo di esasperazione ed euforia. Un gioco manipolatorio che si riflette anche sul pubblico, il quale deve farsi trascinare senza pensare troppo alla verosimiglianza o all’impatto drammatico, giacché qui è tutta una folle sfida senza esclusione di colpi, morali o fisici questi siano.

Lì sull’isola non ci sono colleghi, non ci sono uffici, ma soprattutto non ci sono gerarchie e chi ha solitamente il potere può trovarsi in una posizione scomoda, costretto ad affidarsi a chi soltanto poco prima era stato vittima di mobbing da parte sua. L’etica del lavoro, le sue storture, vengono dissezionate in chiave splatter, dando al girl-power non soltanto un’ovvia occasione di riscatto ma anche una lettura non convenzionale sui ruoli di forza, rileggendo l’immaginario classico dove non è la bella – e Rachel McAdams bella e brava lo è eccome – colei da salvare.

Conclusioni finali

Con Send Help Sam Raimi non si limita a tornare al suo genere prediletto, ma realizza un gustoso ribaltamento dei ruoli su un’isola deserta, dove la sottomessa e il tiranno si ritrovano costretti a condividere una situazione estrema tutt’altro che scontata. Tra violenza e risate, il film riflette sulla realtà del lavoro nel mondo di oggi, innescando al contempo un tour de force di puro e grottesco divertimento.

Lo stile energico e scoppiettante del regista regala scene cult – una in particolare assai disturbante per una certa parte di pubblico – e l’acceso confronto tra Rachel McAdams e Dylan O’Brien vive della nevrotica e forzata complementarietà tra due protagonisti che si avvicinano e si respingono, tra non detti e doppi giochi, in attesa di quella resa dei conti che funge da epilogo ideale per questa guerra dei sessi su un paradiso diventante inferno.

A Maggio, su Disney+, arrivano altri nuovi titoli. Tra lo speciale Marvel Television The Punisher: One last kill, la seconda stagione di Rivals, ma anche il film italiano 2 Cuori e 2 capanne con Edoardo Leo e Claudia Pandolfi, questo mese il catalogo si arricchisce di titoli davvero interessanti. Di seguito, scopriamo alcuni dei più attesi.  

Disney+: i film e le serie tv più attese di Maggio 2026

Le novità iniziano il 7 maggio con Send Help, l’ultimo thriller di Sam Raimi. Linda e il suo arrogante capo Bradley, dopo un disastro aereo, sono gli unici sopravvissuti e si ritrovano naufraghi su un’isola deserta. Costretti a condividere spazi, dovranno superare i vecchi rancori e lavorare insieme per sopravvivere. Ma ormai non sono più in ufficio, e gli equilibri potrebbero cambiare pericolosamente.

Dal 12 maggio invece arriva la seconda stagione di Tucci in Italy. Stanley Tucci ritiene che il modo migliore per comprendere ciò che rende unico un paese sia attraverso il suo cibo. L’attore torna a visitare cinque nuove regioni, tra cui le Marche, la Campania e il Veneto, ma esplora anche due isole molto diverse tra loro: la Sardegna, dove indaga il rapporto tra cibo e longevità, e la Sicilia.

Il 13 maggio spazio per lo speciale Marvel Television The Punisher: One last kill. Qui, Jon Bernthal interpreta il ruolo del vigilante protagonista, alias Frank Castle, che continua a cercare un significato oltre la vendetta, e viene riportato a combattere da una forza inaspettata.

Il 15 maggio invece al catalogo si aggiunge la seconda stagione di Rivals. In questo nuovo capitolo, la battaglia per la concessione televisiva della Central South West raggiunge il culmine, mentre la guerra tra Corinium e Venturer entra in una nuova fase pericolosa. Tony Baddingham è determinato a smantellare i suoi rivali, strumentalizzando gli scandali e manipolando le persone per mantenere il proprio potere. Le vite personali dei personaggi del Rutshire precipitano quindi completamente nel caos.

Infine, il 25 maggio, arriva la commedia italiana 2 Cuori e 2 capanne con Edoardo Leo e Claudia Pandolfi. La storia segue Alessandra e Valerio, due persone completamente diverse tra loro. Le loro strade si incrociano per caso su un tram e, dopo una notte travolgente, scoprono di lavorare nella stessa scuola. Costretti a convivere sotto lo stesso tetto scolastico, dovranno fare i conti con una situazione del tutto imprevista che li costringerà a confrontarsi. Riusciranno una femminista convinta e un maschilista inconsapevole a trovare un punto d’incontro?

Disney+, a Maggio arrivano Welcome to Wrexham e World Wide Mafia, ‘Ndrangheta

Ma su Disney+ c’è spazio anche per le grandi storie vere. Il 15 maggio viene rilasciata la quinta stagione di Welcome to Wrexham. In streaming con 2 episodi disponibili al lancio, la serie segue Rob e Ryan chen nel 2020, hanno acquistato i Red Dragons, una squadra di quinta categoria. La loro speranza era di trasformare il club creando una storia di riscatto che il mondo potesse tifare. L’obbiettivo è stato raggiunto, e il club è ora nella storia. Le tre promozioni consecutive hanno infatti portato i Reds nella English Football League Championship per la prima volta in oltre quarant’anni.

Il 20 maggio viene rilasciata World Wide Mafia, ‘Ndrangheta. La serie segue Nicola Gratteri, magistrato calabrese sotto scorta da oltre trent’anni, che ha guidato nel 2019 la più grande operazione mai tentata contro la ’Ndrangheta, l’operazione Rinascita Scott. Dalle indagini fino al maxiprocesso che ha coinvolto oltre 400 imputati, la serie racconta una guerra di giustizia e coraggio in una terra segnata da paura e silenzi.  

Montgomery e Jack, coinquilini al college, sono già stati socialmente condannati dall’intera comunità studentesca. Presi di mira dalla banda di bulli che imperversa nell’istituto, i protagonisti di Pizza Movie scoprono nel controsoffitto della loro stanza alcune pasticche di una droga sperimentale conosciuta come M.I.N.T.S. e decidono di ingerirle, ignari delle conseguenze.

Cominciano a essere vittima di allucinazioni sempre più assurde e stranianti, condizione che ben spesso finiranno per condividere con Lizzy, una ragazza accettata dal gruppo più popolare unicamente perché ricchissima, ma che si sente in realtà molto più affine a loro. Per evitare che l’assunzione della sostanza abbia conseguenze potenzialmente fatali, dovranno mangiare una pizza prima che le visioni raggiungano l’ultimo stadio…ma in un campus che li vuole morti, non sarà semplice completare quell’apparentemente scontata missione.

Pizza Movie: fino all’ultima fetta – Recensione

Molto spesso la comicità nasce dalla sproporzione tra la banalità dell’obiettivo e la serie di catastrofi che sono necessarie per raggiungerlo. Qui, come vi abbiamo esposto nella sinossi, arrivare a conquistare quella fetta di pizza diventa una vera e propria impresa, ricolma di situazioni paradossali.

Esordio alla regia del duo comico BriTANick, formato da Nick Kocher e Brian McElhaney e già autore di diversi sketch online nonché di collaborazioni al programma cult americano Saturday Night Live, il film è un gradevole divertissement all’insegna del nonsense, che rimastica archetipi e tradizioni del teen-movie in chiave demenziale dall’anima gonzo.

Tutto infatti viene esagerato con ironia e sarcasmo e quegli squarci allucinatori non fanno che trasformare il racconto in un delirio crescente e inesorabile, in grado di offrire quasi sempre spunti e soluzioni inaspettate fino all’epilogo.

A tutto gas

La sceneggiatura vive di escalation su escalation, con ogni gag che non si risolve immediatamente ma anzi si moltiplica, in una struttura narrativa sorprendentemente coerente. Il risultato è un film che funziona egregiamente come meccanismo comico a orologeria, dove le lancette si muovono all’impazzata e ogni elemento è espressamente lì per una ragione, anche quando questa travalica i confini della logica. Un racconto sul caos gestito con ordine quasi maniacale, un qualcosa di unico anche nelle proprie gratuite esagerazioni.

I due protagonisti reggono il peso di una regia che non concede loro mai una pausa. Sean Giambrone, volto noto per la lunga militanza nella serie The Goldbergs, e Gaten Matarazzo, familiare al grande pubblico per il ruolo iconico di Dustin in Stranger Things, danno vita a una chimica palpabile, sulla quale si regge d’altronde l’intera architettura della storia.

Va sottolineato come lo stile dei BriTANick non ammetta mezze misure: o ci si abbandona totalmente alla pura follia che permea l’ora e mezzo di visione, o si corre il rischio di rigettarla e arrivare a fatica ai titoli di coda. Pizza Movie corre e non lascia un attimo di tregua, tra teste che esplodono e babau dell’infanzia, tra bulli sui generis e farfalle parlanti (per di più con la voce di Daniel “Harry Potter” Radcliffe), in un irriverente caos che non guarda in faccia niente e nessuno.

Conclusioni finali

Anarchia unica via sembra essere il leit-motiv di Pizza Movie, teen-comedy che dietro un’ambientazione potenzialmente risaputa imbastisce un’odissea allucinatoria e surreale, scatenata dall’assunzione di una misteriosa droga dai molteplici effetti indesiderati, alcuni decisamente pericolosi.

Esilarante ed esagerato, è uno di quei film che dividono ma difficilmente lasciano indifferenti, con un ritmo al fulmicotone tra violenza e romanticismo, pulp e metacinema, assai più consapevole di quanto appaia in un delirio ragionato e fortemente citazionista.

Due Spicci, la nuova serie tv la nuova serie di animazione creata, scritta e diretta da Zerocalcare, arriva il 27 maggio solo su Netflix. Prodotta da Movimenti Production, parte di Banijay Kids & Family, in collaborazione con BAO Publishing, in questo nuovo titolo ritorna Zero, l’Armadillo, la sua coscienza, con l’inconfondibile voce di Valerio Mastandrea, e altri dei personaggi storici dell’universo di Zerocalcare. Scopriamo insieme ulteriori dettagli.

Due Spicci: cosa sappiamo finora della nuova serie tv di Zerocalcare

Con il rilascio del nuovo poster e la conferma della data d’uscita, abbiamo scoperto oggi che la nuova serie tv animata di Zerocalcare sarà disponibile nel catalogo Netflix dal 27 maggio. Dopo il successo di “Strappare lungo i bordi” e “Questo mondo non mi renderà cattivo”, il famoso fumettista torna a creare, scrivere e dirigere un nuovo prodotto seriale.

La trama segue Zero e Cinghiale che gestiscono un piccolo locale. Tra problemi economici, incomprensioni e vite personali che si complicano più del dovuto, i due sono spesso sotto pressione. A rendere ancora più difficile la situazione, si aggiunge il ritorno di una figura dal passato di Zero e alcune responsabilità inattese, che fanno precipitare delle dinamiche già fragili. Tutti loro saranno quindi costretti, inevitabilmente, a confrontarsi con scelte difficili.

Tra personaggi già noti al pubblico come Zero e l’Armadillo, ma anche di nuovi, Due Spicci è già pronta a far incollare allo schermo i vecchi fan, legati precedentemente all’immaginario del noto fumettista romano, ma anche a conquistarne di nuovi.

In vista dell’uscita su Netflix, Due Spicci sarà presentata da Zerocalcare al Salone Internazionale del Libro di Torino il 16 maggio nel panel “Zerocalcare – Due spicci e non solo”. Durante quest’incontro, l’artista racconterà in anteprima la realizzazione di questo suo terzo progetto. Non mancheranno, inoltre, degli approfondimenti sul suo percorso di scoperta e crescita, sia personale che professionale, all’interno del mondo della serialità animata.

The Testaments è la nuova attesissima serie disponibile su Disney+, pensata come evoluzione narrativa di The Handmaid’s Tale. Il progetto prende vita dall’omonimo romanzo di Margaret Atwood e amplia l’universo di Gilead con una prospettiva più giovane e contemporanea. La serie si inserisce perfettamente nella continuità del racconto originale, ma riesce allo stesso tempo a costruire una nuova identità, più incentrata sulla crescita personale e sulle scelte individuali in un sistema oppressivo.

The Testaments, trama: una nuova generazione a Gilead

The Testaments è una drammatica storia di formazione che si sviluppa nel cuore del regime di Gilead. Al centro della narrazione troviamo Agnes, una ragazza devota e cresciuta secondo i rigidi principi del sistema, e Daisy, una giovane proveniente dall’esterno, improvvisamente catapultata in una realtà completamente diversa.

Le due protagoniste si incontrano all’interno di una scuola preparatoria d’élite destinata a formare le future mogli. In questo ambiente apparentemente ordinato e privilegiato, si nasconde un sistema di controllo feroce, dove l’obbedienza viene inculcata attraverso disciplina, paura e giustificazioni religiose.

Il legame tra Agnes e Daisy

Il rapporto tra Agnes e Daisy rappresenta il cuore emotivo della serie. Le loro differenze iniziali si trasformano progressivamente in un legame profondo, capace di mettere in discussione tutto ciò che le circonda. Attraverso il confronto reciproco, entrambe iniziano a vedere crepe nel sistema in cui vivono.

Questo legame diventa il catalizzatore di un cambiamento radicale, destinato a influenzare il loro passato, il loro presente e soprattutto il loro futuro. La serie esplora con grande intensità il percorso interiore delle due ragazze, mostrando come la consapevolezza possa nascere anche nei contesti più oppressivi.

Tematiche della serie “The Testaments”

The Testaments mantiene il tono cupo e riflessivo che ha reso celebre il mondo di Gilead, ma introduce una dimensione più intima e generazionale. La narrazione si concentra sull’identità, sulla libertà personale e sul peso delle scelte, mettendo in luce il contrasto tra indottrinamento e desiderio di autodeterminazione.

La religione continua a essere uno strumento centrale di controllo, mentre la solidarietà tra le protagoniste emerge come una forza capace di scardinare anche le strutture più rigide. Il racconto si sviluppa in modo emotivo e coinvolgente, portando lo spettatore a interrogarsi su potere, fede e libertà.

Perché vedere The Testaments

The Testaments si presenta come una naturale e potente evoluzione dell’universo narrativo di Gilead. Grazie a nuovi personaggi, una prospettiva più giovane e una narrazione intensa, la serie riesce a rinnovare una storia già iconica senza tradirne lo spirito.

Per chi ha amato The Handmaid’s Tale, questo nuovo capitolo rappresenta un approfondimento emozionante e necessario, capace di offrire nuove chiavi di lettura su uno dei mondi distopici più affascinanti della televisione contemporanea.

Quando esce su Disney+?

The Testaments, la serie sequel di The Handmaid’s Tale basata sul romanzo di Margaret Atwood, esce in Italia su Disney+ a partire dall’8 aprile 2026. Il debutto prevede i primi tre episodi, seguiti da una distribuzione settimanale.