Si è tenuta a Cologno Monzese la presentazione ufficiale dei Palinsesti Mediaset 2026-2027 con tutte le novità in arrivo dal prossimo autunno. Tra conferme e novità, grande spazio sarà dedicato alla musica italiana con la messa in onda dei concerti di grandi star del panorama musicale italiano. Scopriamo insieme di chi si tratta.

Palinsesti Mediaset 2026-2027, la musica torna protagonista su Canale 5

La grande musica italiana è protagonista indiscussa dei nuovi Palinsesti Mediaset Autunno 2026-2027. Durante la presentazione ufficiale alla stampa sono state rivelate le novità televisiva di una stagione che si preannuncia davvero imperdibile per tutto il pubblico delle reti Mediaset. Ampio spazio sarà dedicato alla musica con i concerti di 4 big della canzone italiana che con le loro canzoni hanno conquistato il cuore di milioni di persone. Al momento non sono ancora state comunicate le date di messa in onda, ma possiamo svelarvi i nomi dei 4 Big della musica italiana a cui sarà dedicata una prima serata su Canale 5.

Sono 4 i concerti in esclusiva assoluta trasmessi in prime time su Canale 5 nel prossimo autunno 2026-2027. Si tratta di Irama che ha cantato per la prima volta allo Stadio San Siro di Milano con un concerto sold-out da 55 mila presenza. Un live speciale per celebrare 10 anni di carriera a cui hanno presenziato anche amici e colleghi del calibro di Annalisa, Giorgia, Arisa e Rkomi.

I concerti che vedremo in tv su Canale 5 nel prossimo autunno 2026

Tra i concerti annunciati ai Palinsesti Mediaset Autunno 2026-2027 c’è anche quello di Achille Lauro. Il 2026 è stato un anno magico per cantautore romano che, dopo aver conquistato le classifiche con l’album “Comuni Mortali”, è stato protagonista del suo primo tour negli stadi. Un trionfo dietro l’altro per Lauro che ha incantato 60 mila persone allo Stadio Olimpico di Roma per poi concludere la sua tournée allo Stadio San Siro di Milano registrando il tutto esaurito con 60.000 spettatori, un duetto speciale con Laura Pausini e la presentazione della sua prima collezione.

Non mancano poi le grandi voci femminili nella prima serata di Canale 5. Tra i concerti previsti nel prossimo autunno c’è anche quello di Giorgia che, reduce dal grandissimo successo de “La cura per me”, ha conquistato i palasport italiani con una serie di date da tutto esaurito. Infine in calendario anche Emma Marrone, la prima donna italiana ad esibirsi dal vivo negli Ippodromi sulla scia del “ritrovato” successo de “L’amore non mi basta”.

L’appuntamento con i concerti di Irama, Achille Lauro, Giorgia ed Emma è per il prossimo autunno su Canale 5.

Nel pieno del suo tour “Baila (Sexy Thing) 25th – Under The Moonlight”, Zucchero accende il dibattito sul futuro del Festival di Sanremo e sulla partecipazione italiana all’Eurovision Song Contest.

Sanremo 2027: Zucchero elogia l’idea di Stefano De Martino

Prima del suo concerto allo stadio Renato Dall’Ara di Bologna, Zucchero ha espresso senza mezzi termini la sua opinione sull’ipotesi di separare il vincitore del Festival dall’artista chiamato a rappresentare l’Italia nella competizione europea, una proposta che negli ultimi mesi è stata avanzata da Stefano De Martino, direttore artistico e conduttore di Sanremo 2027.

«Non è un campionato, è una partita a ping pong. Non è un campionato mondiale», ha detto Zucchero rivolgendosi ai giornalisti plinti a Bologna. «Io sono passato di lì, anche se sono arrivato penultimo. Ma se fossi un direttore artistico opterei per questa roba qua. Cioè che non chi vince deve necessariamente andare là».

Per l’artista, infatti, la vittoria a Sanremo e la partecipazione all’Eurovision dovrebbero essere due percorsi distinti. «Mi sembra il Festival di Castrocaro. Vincevi Castrocaro e andavi di diritto a Sanremo. Non va bene. Ci deve andare qualcuno che ha i cog*ioni per andare all’Eurovision, che può essere competitivo».

Un ragionamento che va nella direzione di una selezione più mirata per la manifestazione europea, privilegiando la capacità di confrontarsi con un pubblico internazionale rispetto al semplice risultato ottenuto sul palco dell’Ariston.

Zucchero sull’Eurovision

Nel suo intervento, Zucchero ha poi espresso un giudizio particolarmente critico sull’Eurovision stesso, sostenendo che pochi artisti abbiano realmente tratto benefici duraturi dall’esperienza. Tra le eccezioni ha citato i Måneskin, protagonisti di un successo globale dopo la vittoria del 2021.

Il tour che celebra i 25 anni di “Baila (Sexy Thing)”

Le dichiarazioni sono arrivate nel corso di una conferenza stampa che ha avuto luogo prima della tappa bolognese del tour che celebra i 25 anni di “Baila (Sexy Thing)”, uno dei brani più iconici della sua carriera. Accompagnato dalla sua storica superband, Zucchero ha attraversato oltre quattro decenni di musica con una scaletta ricca di classici, da “Spirito nel buio” a “Il mare impetuoso al tramonto salì sulla Luna e dietro una tendina di stelle…”, passando per “Miserere”, “Diamante”, “X Colpa di Chi?” e naturalmente “Baila (Sexy Thing)”.

Tra blues, rock e soul, il concerto ha alternato momenti di grande energia a passaggi più intimi, come il lungo dialogo con il pubblico che ha preceduto “Un soffio caldo”. Eppure, a poche ore dalla serata bolognese, a fare notizia sono soprattutto le parole dell’artista sul rapporto tra Sanremo ed Eurovision, un tema destinato a restare al centro del confronto nel mondo della musica italiana anche nei prossimi mesi.

Il giorno e il sogno che aspettava il piccolo Nic è diventato realtà. Ultimo ha battuto ogni record con il suo mega concerto che si è tenuto il 4 luglio 2026 a Tor Vergata. Oltre 250 mila persone hanno cantato e ballato le sue canzoni in quello che è stato un evento entrato nella storia della musica italiana. Vediamo insieme tutti i numeri.

Ultimo, il concerto di Tor Vergata entra nella storia: i numeri

“Beati gli ultimi perché saranno i primi”. Così recita la scritta sul megapalco lungo 140 metri, per 60 di altezza con 2500 metri quadri di schermo led e una passerella a forma di infinito lunga 30 metri. Un palco su cui Ultimo (nome d’arte di Niccolò Moriconi) è arrivato in elicottero, acclamato dalla folla accampata da giorni nonostante il caldo e le temperature proibitive. Nei sei pit erano presenti ben 38 le linee audio per consentire una diffusione del suono ottimale e 18 maxischermo.

Il concerto si è aperto con ‘Pianeti’ ed è terminato con ‘Sogni appesi‘. Ma quello di Ultimo non è stato solo una esibizione live: “Questo è il giorno che aspettavo, questa è la favola per sempre“.

Numeri da record anche per quanto riguarda gli incassi con 16 milioni di euro per i biglietti venduti e un indotto stimato in 90 milioni per la Capitale. Basti pensare che il ragazzo diventato virale su Tiktok per avere il ‘terrazzo sul palco di Ultimo’ ha dichiarato di aver ricevuto offerte fino a 1000 euro per assistere da casa sua all’evento.

Sul palco l’abbraccio con l’amico Fabrizio Moro

Ultimo, nonostante i feat realizzati come ‘Poesia‘ con Geolier, non ha voluto ospiti sul palco ma solo l’amico Fabrizio Moro.

Una scelta che il cantante aveva spiegato nei giorni precedenti al concerto in un lungo post:

“Ho incontrato tanti artisti in questi 10 anni di carriera, ma l’unico nome che continuava a rimbombarmi dentro eri tu. Eri tu perché ci sono persone che ti tendono una mano quando ancora non sei niente per il mondo, e forse neanche per te stesso. Eri tu perché sono passati 10 anni da quando ho aperto il tuo concerto al PalaLottomatica di Roma, e io quella tachicardia prima di salire sul palco non l’ho mai dimenticata.

Sono onorato di annunciarvi che Fabrizio suonerà a Tor Vergata prima che io salga sul palco. E ci tengo a dirlo chiaramente: non vivo questa cosa come un’apertura al mio concerto, ma come un suo vero e proprio concerto prima del mio. Sarà l’unico artista ad esserci. Perché è giusto così. Perché voi lo meritate. E forse, dopo questi 10 anni di strada, me lo merito anche io”. 

Stima e affetto che sono durati nel corso degli anni e che si sono visti sul palco mentre i due cantavano insieme ‘L’eternità (Il mio quartiere)‘. Due generazioni che si sono unite in un lungo abbraccio finale.

Battuto il record di Vasco Rossi

Sono stati 250 mila i biglietti venduti per il concerto di Ultimo a Tor Vergata. I fan hanno scelto tra 6 pit, chiamati con il nome degli album del cantante e divisi per fascia di prezzo: Pit 1 ‘Pianeti’; Pit 2 ‘Peter Pan’; Pit 3 ‘Colpa delle Favole’; Pit 4 ‘Solo’; Pit 5 ‘Alba’; Pit 6 ‘Altrove’.

‘La favola per sempre’ di Ultimo ha battuto il precedente record che era di Vasco Rossi. Il cantante aveva infatti registrato 225 mila spettatori al Modena Park nel 2017. In un post sui social, si è voluto congratulare con il collega:

“Kom…plimenti a Ultimo e alla città di Roma! Sono davvero felice per Niccolò. Ogni record è fatto per essere battuto. Largo ai giovani… è giusto così! Ti voglio bene, Niccolò…e poi ci troveremo come le star…”

L’Università di Tor Vergata studierà il concerto di Ultimo

Il concerto evento di Ultimo è stato ospitato all’interno dell’Università Tor Vergata di Roma. Come dichiarato dal rettore dell’Ateneo, Nathan Levialdi Ghiron:

“Durante questo evento vengono realizzati due esperimenti molto importanti: uno sulla propagazione del suono e uno sulla misurazione del segnale delle telecomunicazioni in presenza di concentrazioni di oltre 250 mila persone. Un’attività che consente ai nostri studenti di avere un ruolo proattivo e rappresenta un modo per testare nuovi modelli organizzativi per i grandi eventi”.

Il perché del successo e la lettera al pubblico

Ultimo ha saputo conquistare i suoi fan attraverso la sua musica. Canta e suona tutte le canzoni senza mai dilungarsi in frasi ad effetto, effetti scenici o coreografie. Solo voce e piano. E che voce, la stessa super intonata che senti quando lo ascolti per radio o nei suoi cd.

Sono passati anni da quando in sala stampa qualcuno esultò dopo che arrivò secondo a Sanremo. Nel suo destino non c’era la vittoria del festival, conquistare le radio o la stampa, i talent come Amici (a cui partecipò ma venne scartato come più volte raccontato da Maria De Filippi). Nè tantomeno acquisire popolarità o attirare simpatia costruendo un personaggio.

Ultimo arriva direttamente al cuore delle persone con la sua musica. Perché alcuni dei suoi testi, sono poesia e riescono ad arrivare oltreoceano, tra i suoi estimatori internazionali c’è Russell Crowe. Le sue canzoni non ammiccano ai social, non puntano a diventare trend con i balletti sui tiktok ma raccontano dei sentimenti e dei sogni delle persone semplici: gli ultimi che arrivano primi.

Come spiegato da Ultimo durante il concerto in una lettera a cuore aperto ai suoi fan:

“In realtà ho sempre saputo che prima o poi avrei vissuto quello che vivo oggi, e non è presunzione, è sentire. Lo sentivo quando andavo a lezione di pianoforte a Montesacro, quando accarezzavo la mia timidezza e le promettevo che l’avrei difesa. Credo che per fare grandi cose si debba per forza partire da bambini.

Oggi sono dieci anni che vivo in quella visione. Ogni giorno mi chiedo come sia stato possibile. È come se tutti voi aveste risposto oggi a una chiamata che io vi ho fatto vent’anni fa. Ero piccolo, ma chi mi ha visto crescere lo sa. Dicevo a tutti che le mie canzoni sarebbero servite a salvare il mondo. Ovviamente ero piccolo e ingigantivo tutto. Eppure Nic, io ti credo ancora. Io ti credo.

E magari non abbiamo cambiato e non cambieremo il mondo, ma possiamo dire che abbiamo un mare di gente che ha capito che se il mondo è quello che abbiamo dentro, allora lo hai salvato davvero. Questa lettera che ho iniziato a scrivere per tutti voi che mi seguite, in realtà mi sto rendendo conto che sta andando a parlare di Niccolò. Però non voglio eliminare o aggiustare il tiro. Sapete perché? Perché non è un caso. Perché se parlando di voi ho spontaneamente parlato di me, allora questo vuol dire che molto probabilmente siamo la stessa cosa. E quindi, grazie a tutti”.

Dopo il successo dello scorso anno, torna l’appuntamento musicale con il ‘Suzuki JukeBox – La notte delle Hit 2026‘. Scopriamo insieme chi saranno i conduttori, quando andrà in onda in tv e gli ospiti canori che già sono stati annunciati.

Suzuki JukeBox – La notte delle Hit 2026: quando in tv

La grande musica degli anni ’80, ’90 e 2000 è pronta a risuonare in tv. Torna infatti l’appuntamento con il ‘Suzuki JukeBox – La notte delle Hit 2026‘ che vede confermata alla conduzione Antonella Clerici. Ad accompagnarla sul palco ci sarà Clementino che con le sue incursioni coinvolgerà in prima persona il pubblico. Lo show è in programma per due giorni all’Inalpi Arena di Torino e sarà trasmesso venerdì 11 e sabato 12 settembre 2026 in prima serata su Rai1.

Durante le due serate sarà ripercorsa la storia della musica italiana e internazionale grazie alla presenza nel cast di artisti che canteranno le loro canzoni. Si tratta di hit storiche che hanno fatto ballare milioni di generazioni nel mondo. Un viaggio nel tempo, attraverso la musica, che continua a trasmettere emozioni e tanta energia. Prodotto da A1 Pictures in collaborazione con la Direzione Intrattenimento Prime Time Rai, è già possibile acquistare i biglietti delle due serate del ‘Suzuki Juke Box – La notte delle Hit’ sul sito di ticketone.

Gli ospiti canori durante le due serate di musica

Durante la presentazione dei palinsesti Rai dell’offerta 2026/2027, sono stati annunciati anche i primi nomi degli ospiti che saranno presenti durante le due serate del ‘Suzuki Jukebox – La notte delle Hit‘. Si tratta di: Cristina D’Avena, DSL (Dire Straits Legacy), Drupi, Filippo Graziani, Irene Grandi, Loredana Bertè, Lou Bega, Neri per Caso, Nino Buonocore e Patty Pravo.

E ancora Sugarfree, Alberto Bertoli, Anna Oxa, Erminio Sinni, Gaetano Curreri e gli Stadio, Gazebo, Luca Dirisio, Mario Biondi, Paul Young, Sabrina Salerno, Spagna e Toploader. Un cast quindi che vede la presenza anche di molti artisti internazionali.

Il grande concerto live di Cesare Cremonini al Circo Massimo arriva in prima serata su Rai1. L’emittente pubblica ha deciso infatti di trasmettere in tv uno degli eventi musicali più amati di quest’estate. Scopriamo insieme quando andrà in onda, la scaletta e chi saranno gli ospiti.

‘Roma, baby. Cremonini live Circo Massimo’: quando in tv

Tutto esaurito il 6 giugno per il concerto di Cesare Cremonini al Circo Massimo di Roma, proseguito anche il giorno dopo. Ora quell’evento sarà trasmesso su Rai1 con uno speciale che vedrà anche immagini inedite e il dietro le quinte dello show. Il cantante, per la prima tappa romana del suo tour, aveva fatto registrare il sold out con oltre 65 mila spettatori che hanno cantato e ballato i suoi successi.

Ora ‘Roma, baby. Cremonini live Circo Massimo‘ sarà trasmesso in tv, in prima serata, mercoledì 2 settembre 2026 su Rai1. Non si tratta solo di un grande spettacolo di musica, vedremo infatti un racconto coinvolgente, con giochi di luce ed emozioni.

Scaletta e ospiti del concerto di Cremonini

Tra gli ospiti che saliranno sul palco durante ‘Roma, baby. Cremonini live Circo Massimo‘ ci sono Lorenzo Jovanotti, Elisa e Luca Carboni. Con quest’ultimo canterà ‘San Luca‘ mentre con Elisa duetterà su ‘Aurore Boreali‘. Con il suo amico Jovanotti si esibirà sulle note di ‘Mondo’ e ‘L’ombelico del mondo‘.

Questa la scaletta delle canzoni durante i concerti di Cesare Cremonini al Circo Massimo che però potrebbe subire variazioni nella messa in onda in tv:

1. Cercando Camilla
2. Alaska Baby
3. Dicono di me / Padre madre
4. Il comico (Sai che risate)
5. La ragazza del futuro
6. Ora che non ho più te
7. La nuova stella di Broadway
8. Latin Lover
9. Possibili Scenari
10. Buon viaggio (Share The Love)
11. Acrobati
12. Vieni a vedere perché
13. Le sei e ventisei
14. Mondo con Jovanotti
15. L’ombelico del mondo con Jovanotti
16. Logico
17. Grey Goose
18. Aurore Boreali con Elisa
19. Nonostante tutto remix
20. Figlio di un re
21. San Luca con Luca Carboni
22. Tie your mother down
23. 50 Special
24. Marmellata #25
25. Poetica
26. Nessuno vuole essere Robin
27. Un giorno migliore

Momento d’oro per Sal Da Vinci che arriva, per la prima volta, con uno spettacolo tutto suo su Rai1 dal titolo ‘Meravigliosamente‘. Si tratta di un grande show, in due serate, che celebra la carriera dell’artista che ha vinto l’ultimo Festival di Sanremo. Vediamo insieme quando andrà in onda in tv.

Meravigliosamente con Sal Da Vinci: quando in tv su Rai1

Dopo aver visto lo scorso autunno Sal Da Vinci su Canale 5, con “Sal Da Vinci – Stasera… che sera!”, il cantante ora approda in prima serata su Rai 1. Sarà infatti il protagonista di un grande show in due serate dal titolo ‘Meravigliosamente‘, in programma venerdì 20 e venerdì 27 novembre 2026.

Si tratta di un evento che coniuga musica e intrattenimento e che vedrà la presenza di ospiti che racconteranno i cinquant’anni di carriera di Sal Da Vinci. Non mancheranno le canzoni del momento come ‘Per sempre sì‘ e ‘Rossetto e caffè‘, oltre quelle del lungo repertorio musicale del cantante. Ciascun brano sarà scelto e interpretato come il capitolo di un racconto più ampio dove troveranno spazio incontri con star italiane e internazionali, oltre omaggi ai brani che hanno fatto cantare milioni di generazioni.

Uno show per promuovere la candidatura UNESCO della canzone napoletana

Non ci sarà solo musica, Sal Da Vinci infatti è stato nella sua carriera anche attore e molto legato al teatro. Questa sua componente sarà valorizzata insieme ai volti più celebri della tv, della fiction e del cinema. ‘Meravigliosamente’ sarà un racconto ricco di emozioni ed ironia con sullo sfondo anche il rapporto del cantante con la città di Napoli, l’America e il mondo.

Come spiegato durante la presentazione dei Palinsesti Rai, questo show rientra:

‘tra le iniziative di promozione della candidatura UNESCO della canzone napoletana classica a Patrimonio dell’Umanità e dei progetti di internazionalizzazione e valorizzazione del patrimonio culturale del nostro Paese’.

Inoltre, è realizzato con la partecipazione del Ministero del Turismo.

Esce oggi, venerdì 3 luglio 2026, “MACHEBELLO È!”, il nuovo singolo di Matsby, disponibile su tutte le piattaforme digitali per ADA/Warner Music Italy.

Il brano anticipa “Fuoricorso”, il prossimo album del giovane cantautore genovese atteso in autunno, e arriva dopo i singoli “SERIE A” e “ANNI BASTARDI”. Un nuovo tassello di un percorso musicale che mette al centro il cambiamento, la ricerca della propria identità e il coraggio di scegliere strade nuove.

“MACHEBELLO È!” racconta il passaggio da Genova a Milano

Scritto poco prima del trasferimento da Genova a Milano, “MACHEBELLO È!” nasce da un momento di svolta personale e racconta il desiderio di lasciare ciò che si conosce per inseguire nuove possibilità.

Milano diventa così il simbolo di una città da vivere e scoprire, fatta di incontri inattesi, partenze, metropolitana e strade capaci di cambiare il corso delle cose. Nel brano, l’amore può apparire sulla linea gialla della metro, su un treno in corsa oppure dietro un angolo ancora tutto da immaginare.

Con una scrittura diretta e generazionale, Matsby trasforma inquietudini e domande personali in un racconto aperto a tutti coloro che stanno attraversando un cambiamento importante.

Il sound indie-pop e la produzione di Maninni

Prodotto da Maninni, “MACHEBELLO È!” unisce chitarre elettriche, basso e batteria a un ritornello in falsetto che dà al pezzo un’identità immediata.

Il risultato è un brano indie-pop contemporaneo, ma con richiami alla tradizione del cantautorato italiano: un equilibrio tra sonorità attuali e una scrittura capace di raccontare emozioni, paure e desideri senza filtri.

Il singolo contribuisce a definire sempre di più l’universo di “Fuoricorso”, il disco con cui Matsby affronterà temi come la crescita, la necessità di ripartire e la voglia di esplorare ciò che ancora non si conosce.

Matsby in tour nell’estate 2026: le date del PRE FUORICORSO Summer Tour

“MACHEBELLO È!” sarà presentato anche dal vivo durante il PRE FUORICORSO Summer Tour 2026, che vedrà Matsby esibirsi in diverse città italiane e aprire alcuni concerti di artisti come Emma Marrone e Sayf.

Ecco le date annunciate, in aggiornamento:

• 9 luglio – Amore a Milano, Milano, Magnolia
• 12 luglio – K Voice, Grottazzolina (Fermo)
• 16 luglio – Assisi Summer Festival, opening act per Sayf, Assisi
• 19 luglio – Altraonda Festival, opening act per Emma Marrone, Genova
• 6 agosto – Arena di Villa Rocca, Chiavari
• 10 agosto – Festival Giungano, Giungano (Salerno)

Con “MACHEBELLO È!”, Matsby prosegue il suo percorso tra musica, cambiamento e nuove città da attraversare, preparando il pubblico all’arrivo di “Fuoricorso”, il nuovo album previsto per l’autunno 2026

I Muse hanno inaugurato una nuova era. La band britannica guidata da Matt Bellamy ha pubblicato il nuovo singolo “Nightshift Superstar”, ultimo assaggio del decimo album in studio “The Wow! Signal”, uscito il 26 giugno. Contestualmente, il trio ha annunciato il ritorno nei palazzetti europei con il The Wow! Signal Europa Tour, che farà tappa anche in Italia con due date all’Unipol Dome di Milano, in programma il 20 e 21 novembre 2026.

Muse: “The Wow! Signal” è il loro nuovo album

“Nightshift Superstar” conferma la volontà della band di ampliare ulteriormente il proprio universo sonoro. Il brano mescola il rock energico che ha reso celebri i Muse con influenze disco, French house e arrangiamenti orchestrali, dando vita a una delle tracce più particolari della loro carriera recente. Al centro del pezzo c’è una storia di attrazione irresistibile e dipendenza emotiva, raccontata dalla voce di Bellamy attraverso un ritornello immediato e coinvolgente.

Il nuovo album prende il nome dal celebre “Wow! Signal”, il misterioso impulso radio captato nel 1977 dalla costellazione del Sagittario e ancora oggi privo di una spiegazione definitiva. Un evento che ha alimentato per decenni teorie, studi e immaginario collettivo, diventando il punto di partenza di un progetto che esplora temi come la comunicazione extraterrestre, l’ansia tecnologica, la ricerca di significato e il senso di disconnessione nell’era contemporanea.

Negli ultimi mesi i Muse hanno gradualmente svelato il mondo di The Wow! Signal attraverso una serie di singoli. Dopo l’esplosiva “Cryogen”, l’epica “Be With You” e la monumentale “Hexagons” – resa disponibile ai fan tramite una caccia al tesoro internazionale – è arrivata ora “Nightshift Superstar”, che completa il quadro di un album destinato a essere tra le uscite rock più attese dell’anno.

La tracklist di The Wow! Signal comprende dieci brani

1. The Dark Forest
2. Nightshift Superstar
3. Shimmering Scars
4. Cryogen
5. Be With You
6. Hexagons
7. The Sickness In You & I
8. Unravelling
9. Hush
10. Space Debris

Dopo un’estate dedicata al tour nordamericano, che partirà oggi, 2 luglio, dal Summerfest di Milwaukee e si concluderà il 31 agosto all’Hollywood Bowl di Los Angeles, la band tornerà finalmente nelle arene indoor europee. Per i fan italiani si tratta di un appuntamento particolarmente atteso: saranno infatti i primi grandi concerti al chiuso nel nostro Paese a dieci anni dal celebre Drones World Tour.

Con oltre 30 milioni di album venduti, due Grammy Awards e una reputazione consolidata come una delle migliori live band del pianeta, i Muse si preparano ancora una volta a conquistare il pubblico con uno spettacolo che promette di unire i grandi classici della loro carriera alle nuove suggestioni cosmiche di The Wow! Signal.

HAL QUARTIÈR pubblica il suo primo album “Mentre Napoli Dorme”, un progetto intenso e personale che racconta fragilità, amore e crescita. Lo abbiamo incontrato per parlare del disco, del rapporto con Napoli, delle collaborazioni con Jake La Furia, Aka7even, LDA e Nesli e dei suoi sogni per il futuro.

Intervista ad HAL QUARTIÈR

HAL QUARTIÈR, benvenuto su SuperGuida TV. Siamo qui per presentare il tuo primo album Mentre Napoli Dorme. Come mai questo titolo?

«Mentre Napoli Dorme è ovviamente legato alla mia città, Napoli, dove sono cresciuto e dove ho vissuto tutto. Però è soprattutto una sensazione. Tutti i colpi che incasso durante la giornata poi li scrivo quando sono più fragile, più vulnerabile, cioè di notte. È il momento in cui riesco a essere il più vero possibile. In questo album ho cercato proprio di fare questo, ed è per questo che si intitola Mentre Napoli Dorme.»

E mentre Napoli dorme, tu cosa fai?

«Tante cose, però per quanto riguarda l’album l’ho scritto quasi tutto di notte. Poche cose sono nate durante il giorno, proprio perché la notte è il momento delle 24 ore in cui sono più fragile, più me stesso, più solo con i miei pensieri. E quindi riesco a essere il più reale possibile.»

Qual è la canzone dell’album che ti ha messo più in difficoltà?

«Bella domanda. Forse Febbre del Sabato Sera, perché non ero abituato a quel sound. L’abbiamo scritta insieme ad Aka7even, Falco e agli altri ragazzi in maniera molto naturale, però musicalmente dovevo abituarmici. Anche al microfono, all’inizio, è stato strano sentirmi su quel tipo di produzione.»

C’è un brano che si intitola Ho paura di dormire. Come è nato?

«Quello è un interludio presente nel disco insieme ad Alfonso D’Apice, che è un po’ la voce narrante dell’album. A parte questo, è un fratello. Lo dico sempre: ha delle doti da attore e da artista teatrale incredibili. Ha una voce molto profonda e dei pensieri bellissimi, quindi è stato facile pensare a lui per raccontare quella parte del disco. Ho paura di dormire è una sensazione che ho provato molte volte e ho voluto raccontarla perché forse è la cosa più vera che abbia scritto in questo progetto. Ho avuto serate in cui non volevo che la notte passasse per non affrontare il giorno dopo. Magari c’era un problema familiare o personale che non volevo vivere. Avevo davvero paura di andare a dormire per poi svegliarmi il giorno successivo.»

Oggi qual è la tua paura più grande a livello artistico?

«La paura più grande è non riuscire a far capire alle persone quello che posso dare e chi sono davvero. Ho paura di risultare qualcosa che non sono.»

Rispetto ai tuoi lavori precedenti hai aperto maggiormente alle sonorità pop. Temi che questo possa allontanare una parte del pubblico?

«Potrebbe essere, però alla fine uno deve fare quello che sente e quello che ama fare. Chi c’era prima dovrà apprezzare il me di adesso, mentre chi mi scopre oggi potrà andare ad ascoltare ciò che facevo prima.»

Napoli è quasi un personaggio all’interno dell’album. Che rapporto hai con la tua città?

«Penso che per ogni napoletano sia così. Vivi questo attaccamento in maniera viscerale, totale. Qualunque lavoro tu faccia, che sia il cantante, il calciatore, il tabaccaio o il commerciante, senti nell’aria che sei napoletano. Fa parte di te.»

Nel brano Si Ce Staje si parla della ricerca di un punto di riferimento. Qual è stato il tuo punto di riferimento musicale e quale quello personale?

«Dal punto di vista musicale sicuramente Falco. È il produttore dell’80% del disco. Con lui ho fatto brainstorming su tutti i brani, ci siamo confrontati su ogni dettaglio e abbiamo passato notti intere a cercare il sound giusto. A livello personale direi una ragazza con cui stavo e con cui oggi non sto più. E poi mia madre.»

Cosa ha detto tua madre quando ha ascoltato l’album?

«Era contentissima. Mia madre impazzisce per ogni piccolo traguardo che raggiungo. Lo festeggia come se avesse vinto il Superenalotto.»

Nel disco troviamo collaborazioni con Jake La Furia, LDA, Aka7even, Voga, Mille e Nesli. Come sono nate?

«Con Jake ci siamo conosciuti dopo X Factor. Mi faceva i complimenti per la realness e per il sound che avevo portato sul palco. Mi disse: “Quando vieni a Milano ci vediamo”. Quando sono salito per altri impegni gli ho scritto ed è nato il pezzo in maniera super naturale. Ancora oggi siamo in contatto e ci sentiamo spesso. Con LDA, Aka7even e Voga invece c’è un rapporto fraterno che dura da anni. Non ci siamo conosciuti ieri. Ci sosteniamo da sempre, anche semplicemente condividendo le rispettive uscite o facendoci gli auguri per i nuovi brani. In questo disco ho sentito l’esigenza di averli tutti con me.»

Hai citato X Factor. Che esperienza è stata?

«Secondo me mi ha fatto solo bene. Avevo un po’ paura di partecipare, soprattutto per il giudizio delle persone e per il fatto di esporsi così tanto. Insieme ai complimenti e alla fanbase sono arrivate anche molte critiche, come è normale che sia. Però quel programma mi ha insegnato che se sei te stesso puoi vincere. Se non lo sei, la gente se ne accorge.»

Che rapporto hai con il Festival di Sanremo?

«È sicuramente un obiettivo che vorrei raggiungere. Lo guardo da quando ero piccolo e ho visto salirci anche persone che conosco, come Geolier, LDA e altri artisti della mia generazione. Un palco del genere credo che lo sogni chiunque. Chi dice di non sognarlo sta dicendo una bugia, perché è l’apice della musica italiana. Sarebbe una soddisfazione enorme anche per la mia famiglia.»

Che rapporto hai con i social network?

«A dire la verità non li uso tantissimo. Non sono uno che va a leggere continuamente i commenti. Se scorri il mio TikTok trovi il wrestling, il calcio, il Napoli, il calciomercato, Fabrizio Romano. Non sono un fan sfegatato dei social, mi interessano di più altre cose.»

Cosa ricordi dei tuoi inizi, quando registravi musica a 14 anni e caricavi i primi video su YouTube? Cosa diresti oggi a quel ragazzo?

«Gli direi che tutto quello che sta passando un giorno gli servirà e lo aiuterà a divertirsi e a fare meglio di quanto immagina. Quando ero piccolo pensavo che sarei finito davvero male. Se oggi qualcosa l’ho costruita è perché ho saputo scegliere le persone giuste da avere accanto e le decisioni giuste da prendere.»

Dopo questo album cosa dobbiamo aspettarci?

«Sicuramente altri album, perché amo fare progetti completi. Mi piace che i fan si affezionino a un disco e non soltanto a un singolo o a quei venti secondi che girano sui social. Sto già lavorando a tantissime cose. Non mi fermo mai.»

Il featuring dei sogni?

«Marracash.»

Come mai?

«È il mio artista italiano preferito. Sono cresciuto con la sua musica e probabilmente morirò ascoltandola. Non so se lo conoscerò mai o se avrò mai la possibilità di collaborare con lui, ma per me è un punto di riferimento assoluto.»

A chi senti di dire grazie oggi?

«Sicuramente a mia madre, perché mi ha insegnato tante cose e mi ha dato un’educazione importante che mi ha permesso di migliorare me stesso e il mio modo di pensare. Poi a mio fratello, che quando ho commesso degli errori mi ha sempre aiutato a rialzarmi, dicendomi che non era finita e che dovevo continuare. E infine al mio manager, Chiuma, che mi è stato vicino quando non avevo nulla.»

Hai parlato di errori. A cosa ti riferisci?

«Non ne ho mai parlato in maniera esplicita, però non ho avuto una vita semplice e non me la sono nemmeno semplificata. Soprattutto durante l’adolescenza ho fatto una marea di sciocchezze, alcune anche al limite della legalità, di cui non vado fiero.»

Max Pezzali arriva, per la prima volta nella sua carriera, allo Stadio Maradona con il suo “Max Forever Gli Anni d’oro – Stadi 2026“. Un concerto che celebra il cantante, ex 883, che sta vivendo un nuovo periodo d’oro. Tutto sold out per ascoltare le sue canzoni, tra single cam e kiss cam, e un mix di emozioni che creano un effetto nostalgia. Scopriamo insieme la scaletta e cosa è successo.

Maradona in formato Max per Max Pezzali: concerto elogio degli anni ’90

Venerdì 19 giugno 2026 Max Pezzali si è esibito al Maradona di Napoli per la seconda tappa del suo tour. Il concerto ha catapultato i fan direttamente negli anni ’90 attraverso le sue canzoni, citazioni e riferimenti a personaggi dell’immaginario collettivo di quell’epoca come Uan, mascotte del programma ‘Bim, bum, bam’.

L’inizio, in leggero ritardo per consentire alle numerose persone rimaste fuori di entrare, è con un video di Amadeus che introduce il ‘Festival di Max‘. La prima canzone è ‘Tieni il tempo‘, seguita da ‘Bella vera‘ e ‘La lunga estate caldissima‘, che riflette il clima bollente della serata.

Max Pezzali si rivolge al pubblico che racchiude diverse generazioni:

“Questo non è uno stadio, è una leggenda. Non è una città, è uno stato d’animo, una meraviglia. Quanti ricordi qui, più per il calcio, ma per me è la prima volta. I nostri ricordi degli anni d’oro”. 

E a seguire tutto lo stadio canta con lui ‘Sei un mito‘. Dopo arrivano ‘Viaggio al centro del mondo‘; ‘La regola dell’amico‘ e la cover di ‘Disco Inferno‘. Poi il cantante invita il pubblico ad accendere la torcia dei cellulari per far diventare lo stadio il ‘nostro universo’. E partono ‘L’universo tranne noi‘ e ‘Ci sono anch’io‘.

Il dialogo tra il Max del passato e quello di oggi

Grazie all’Intelligenza artificiale, un Max Giovane dialoga con il Max di oggi.

‘La gente paga per ascoltarci? Non sapevo che non riuscivo a trovare un lavoro vero. Sei sicuro di te?’ – chiede il Max giovane. E il Pezzali di oggi risponde: “Sì, alcuni sanno anche le parole. Non sono mai sicuro, ho imparato a fingere“. Il Max di qualche anno fa si congratula per il successo: “Avevo ragione a non mollare, decisamente sono fiero di te anche se non posso dire lo stesso del tuo outfit“.

Dopo tutto lo stadio canta ‘Hanno ucciso l’Uomo Ragno‘, ‘Non me la menare‘, ‘Rotta x casa di Dio‘ e ‘Cumuli‘. Alla fine basta veramente poco per essere felici e il cantante intona ‘Un giorno così‘, ‘Senza averti qui‘, ‘Ti sento vivere‘, ‘Eccoti‘ e ‘Una canzone d’amore‘, sulla quale vengono sparati dei coriandoli dorati.

L’half time con la single cam e l’applausometro per scegliere la prossima canzone

Grande novità è la presenza di un half time, una sorta di intervallo in cui sui maxischermo compaiono una single cam, che cerca la compatibilità tra tutti i single che alzano il pollice, e la birra cam.

Mentre spetta al pubblico, con l’applausometro, scegliere la prossima canzone tra ‘La radio a 100 watt’, ‘Weekend’ e ‘La regina delle celebrità’. Inutile dire che la più applaudita è quest’ultima e il concerto riprende con ‘La regina delle celebrità‘, ‘Nella notte‘ e
‘Io ci sarò‘ che vede anche una proposta di matrimonio in tribuna. Seguono ‘Se tornerai‘ mentre su ‘Come mai‘ i maxischermo sono pronti a celebrare l’amore con la kiss cam.

Il finale è un crescendo di emozioni, con il pubblico che canta ‘Nessun rimpianto‘ e su ‘La dura legge del gol‘, Max Pezzali ringrazia il suo staff e chi lo segue da anni:

“Oggi siamo qui in uno stadio che non è uno stadio normale, è lo stadio Maradona di Napoli. È una cosa che mi riempie il cuore. Siamo un gruppo unito capace di esserci anche dopo anni“. Partono ‘Gli anni‘ e sul led compaiono tutti i giocatori di Serie A e l’ultima immagine è per Diego Armando Maradona con ovazione dai fan.

Finale ricco di emozioni tra ‘Nessun rimpianto’ e ‘Con un deca’

Max Pezzali si rivolge, emozionato, al pubblico ripercorrendo il percorso della sua carriera che lo ha portato fino a qui:

“Non avrei mai pensato di essere qui in un luogo sacro, un posto dove non avrei mai pensato di essere dopo 30 anni. Solo voi siete quelli che hanno reso possibile tutto questo. Grazie Napoli”.

Una intro perfetta per ‘Lo strano percorso‘ e ‘Grazie mille‘ in cui l’artista si inchina. Poi è la volta di ‘Nord sud ovest est‘, di nuovo ‘Tieni il tempo‘ ma nella versione feat con Jovanotti e ‘Con un deca‘. Il brano è tornato in classifica per essere anche la sigla della serie di successo Sky ‘Hanno ucciso l’uomo Ragno‘. Nessun ospite ma solo Max Pezzali, voce e cuore, ad emozionare tutti. E sul finale tutti ringraziano il pubblico sulle note di ‘Mon amour’ di Gigi D’Alessio.

La scaletta del concerto di Mex Pezzali allo stadio Maradona di Napoli

• Tieni il tempo
• Bella vera
• La lunga estate caldissima
• Sei un mito
• Viaggio al centro del mondo
• La regola dell’amico / Disco Inferno
• L’universo tranne noi
• Ci sono anch’io
• Hanno ucciso l’Uomo Ragno
• Non me la menare
• Rotta x casa di Dio
• Cumuli
• Un giorno così / Senza averti qui
• Ti sento vivere
• Eccoti
• Una canzone d’amore
• La regina delle celebrità
• Nella notte
• Io ci sarò
• Se tornerai
• Come mai
• Nessun rimpianto
• La dura legge del gol
• Gli anni
• Lo strano percorso / Grazie mille
• Nord sud ovest est
• Tieni il tempo feat Jovanotti
• Con un deca

Le canzoni di Lucio Dalla diventano teatro musicale, danza e racconto in “L’Anno che verrà”, la nuova opera pop ideata da Marcello Corvino e diretta da Manuel Renga, che debutterà a dicembre 2026 per poi toccare alcuni dei più importanti teatri italiani.

“L’Anno che verrà”: l’opera ispirata a Lucio Dalla

Più che una biografia del cantautore bolognese, lo spettacolo si presenta come un viaggio originale nell’universo umano e poetico che attraversa la sua produzione artistica. Sogni, fragilità, desideri, paure e disillusioni diventano i protagonisti di una narrazione inedita costruita attorno alle sue canzoni, capaci ancora oggi di raccontare emozioni universali.

Al centro della scena ci sarà Pierdavide Carone, accompagnato dall’Orchestra della Città di Ferrara e dal Coro del Teatro Comunale di Ferrara diretto dalla Maestra Teresa Auletta. A completare il progetto, la danza della Michele Merola Contemporary Dance Company, con coreografie firmate da Michele Merola, mentre la direzione musicale e gli arrangiamenti portano la firma del Maestro Roberto Molinelli.

Carone di Lucio Dalla racconta. «A volte ci si ritrova a fare la storia contro la propria volontà, io sono stato l’ultimo a cantare con Lucio Dalla», afferma il cantante, ricordando il loro incontro a Sanremo 2012 con Nanì. «Avrei barattato volentieri il fatto di essere parte del percorso artistico di Dalla con la sua permanenza su questo mondo terreno. Sarebbe stato meglio per tutti».

Nel musical, l’artista interpreta un portiere d’albergo, figura ispirata allo stesso Dalla. «Ho cercato di entrare in punta di piedi nel suo repertorio. Proverò ad essere all’altezza di un artista che ha contribuito a migliorare il mondo con la sua musica», aggiunge Carone.

Drammaturgia e testo

La drammaturgia e il testo sono stati affidati a Emanuele Aldrovandi. La vicenda si sviluppa in un grande hotel sul mare alla vigilia di Capodanno. Qui si incontrano una giovane coppia in fuga, una cantante di piano bar alla ricerca di un amore perduto, un musicista ormai disilluso e un uomo d’affari alle prese con una profonda crisi esistenziale. A fare da guida tra le loro storie è un misterioso portiere. Nel corso della notte, musica, danza e dimensione onirica si intrecciano fino al momento simbolico della mezzanotte, quando il tempo sembra fermarsi e le canzoni di Dalla diventano il linguaggio attraverso cui emergono ricordi, speranze e rimpianti.

«Questa nuova opera pop non racconta la vita di Lucio Dalla – spiega il regista Manuel Renga – ma prende a piene mani dalla sua creatività musicale per tradurre in scena il grande affresco umano che le sue canzoni compongono». Per il regista, Dalla diventa il “custode dei sogni”, capace di trasformare paure e desideri collettivi in musica popolare e senza tempo.

Anche Roberto Molinelli sottolinea l’approccio del progetto: «Ho cercato un Dalla riconoscibile e, nello stesso tempo, sorprendente. Non una celebrazione nostalgica, ma un viaggio di reinvenzione». Un’operazione che punta a restituire nuova vita a brani entrati da decenni nell’immaginario collettivo italiano.

“L’Anno che verrà” nasce dalla collaborazione tra numerose istituzioni culturali dell’Emilia-Romagna e non solo, con il sostegno della Fondazione Lucio Dalla e di Pressing Line. Un progetto che, come evidenziato dall’assessora regionale alla Cultura Gessica Allegni, non si limita a ricordare un grande artista, ma sceglie di dialogare con la sua eredità musicale attraverso linguaggi contemporanei.

La tournée partirà dall’11 al 12 dicembre 2026 al Teatro Comunale di Ferrara e proseguirà a Reggio Emilia, Ravenna, Piacenza, Modena, Parma, Lucca, Bologna e Rimini, con l’ultima data prevista per il 9 ottobre 2027 al Teatro Galli. Le prevendite saranno aperte sui circuiti dei singoli teatri che ospiteranno lo spettacolo.

Con Magia Bianca, il nuovo album disponibile dal 12 giugno per Columbia Records/Sony Music Italy, Francesca Michielin inaugura una nuova fase del proprio percorso artistico. Un progetto che mescola fantasy, folklore, cultura pop e suggestioni medievali per raccontare il presente attraverso uno sguardo diverso, lontano dalle logiche dell’omologazione e vicino alla libertà di immaginare.

Francesca Michielin si racconta all’uscita dell’album Magia Bianca

Anticipato dai singoli Una donna non può e Strega Comanda, il disco si sviluppa come un concept album in cui streghe, rituali, lune, creature leggendarie e simboli esoterici diventano strumenti per affrontare temi attuali come l’identità, l’autodeterminazione e il bisogno di sentirsi liberi di essere sé stessi. «Questo è un album liberatorio, catartico», racconta la cantautrice. «Va a celebrare una femminilità libera. Chi mi conosce davvero sa che dentro questo disco c’è la Francesca che è sempre esistita: quel folletto dei boschi, quella fata, quella strega che ho sempre sentito di essere».

L’immaginario di Magia Bianca

L’immaginario che attraversa Magia Bianca affonda le radici nell’infanzia dell’artista e nelle tradizioni popolari del territorio in cui è cresciuta, ai piedi dell’Altopiano di Asiago. Un luogo dove folklore, riti stagionali e credenze popolari convivono ancora oggi con la cultura cattolica. «Sono cresciuta ascoltando racconti di streghe e rituali. Mia zia mi diceva che quando piove col sole è perché una strega si sta pettinando i capelli. Sono sempre stata abituata a respirare questo tipo di cultura e crescendo ho sentito il bisogno di approfondirla e capire perché oggi il senso del rito venga spesso guardato con sospetto».

Per Michielin, infatti, il recupero della ritualità non ha nulla a che vedere con l’evasione fine a sé stessa. Al contrario, rappresenta uno strumento per leggere meglio il presente. «Viviamo in un momento storico in cui tutto è polarizzato. È tutto giusto o sbagliato, bianco o nero. Abbiamo perso il rapporto con l’irrazionale e con l’insondabile. Anche i social hanno contribuito a creare una realtà sempre più schematica e conformata. In questo senso il fantasy e la magia diventano una forma di resistenza».

Non a caso il disco è attraversato da figure femminili fuori dagli schemi e da una forte rivendicazione della libertà individuale. La strega, in particolare, diventa il simbolo di chi sceglie di non adeguarsi. «Essere divisivi non solo è giusto, ma forse è qualcosa a cui ambire. Se piaci a tutti probabilmente c’è qualcosa che non va. Io spero che questo disco possa aiutare qualcuno a sentirsi libero di essere sé stesso».

Una riflessione che si lega anche alla sua visione della società contemporanea. Se potesse lanciare una “magia bianca” sul mondo di oggi, Michielin non avrebbe dubbi: «Vorrei riuscire a ficcare nella testa delle persone un concetto molto semplice: vivi e lascia vivere. Ognuno dovrebbe essere libero di autodeterminarsi, sempre nel rispetto degli altri».

Che momento della vita è questo per l’artista

Magia Bianca arriva inoltre in un momento particolarmente importante della vita dell’artista, che oggi guarda al proprio percorso con una serenità diversa rispetto al passato. «Mi sento una persona molto realizzata. Non significa che mi sieda e che vada bene così, ma è come se una parte di me non fosse più interessata a certe logiche. Quando sono usciti questi singoli molte persone mi hanno detto: “Ma questa è pazza, che cosa sta facendo?”. Però non mi interessa più vivere nell’ansia di dover inseguire il mercato o adattarmi a qualcosa. Tutti i miei artisti preferiti si sono fatti inseguire dal mercato, non il contrario».

Una presa di posizione che si collega a ciò che oggi la spaventa maggiormente del mondo della musica. «C’è una vera e propria ossessione per i numeri. Quando esce una canzone sembra che la prima domanda non sia più “mi piace?” oppure “cosa mi fa provare?”, ma quanti stream farà, quanti biglietti venderà, se verrà certificata. È come se il piacere dell’ascolto fosse passato in secondo piano».

Da qui nasce anche il significato più profondo del disco e del suo continuo richiamo alla magia. «Abbiamo bisogno dell’insondabile. Se tutto diventa soltanto calcolo e numeri allora facciamo i contabili. La musica, invece, deve continuare ad attingere a qualcosa di magico, di irrazionale, di imprevedibile. È proprio quella dimensione che dà una spinta alla nostra vita».

Eros Ramazzotti infiamma lo stadio Diego Armando Maradona di Napoli. Il cantante si è esibito portando sul palco alcuni dei suoi successi più importanti adattando le canzoni, nel testo, alla città partenopea. Uno show che lo ha visto anche suonare la chitarra, indossare la maglia numero 10 del Napoli e lanciare un forte messaggio di pace. Ospiti Gigi D’Alessio e il sassofonista Stefano Di Battista. Scopriamo insieme la scaletta e come si è svolta la serata che ha registrato il sold out con 42 mila presenze.

Eros Ramazzotti al Maradona, voce e chitarra nei 22 brani cantati: la scaletta

Dopo Udine e San Siro, Eros Ramazzotti arriva allo Stadio Diego Armando Maradona di Napoli. Il concerto di sabato 13 giugno 2026 ha visto giungere nel capoluogo campano i fan del cantante provenienti da tutta Italia (specialmente dal Sud) con maglie, striscioni e cartelloni molto particolari, uno su tutti: “Eros per sempre Peace“.

Cinque i maxi schermi, per una struttura complessiva di 480 mq, che con luci e colori hanno accompagnato le esibizioni dell’artista. Oltre due ore di show con brani del suo repertorio e alcuni tratti dall’ultimo album ‘Una Storia Importante / Una Historia Importante‘. Davanti a lui il prato del Maradona trasformato in platea con posti a sedere.

Si parte con ‘Taxi Story‘ ed Eros Ramazzotti cambia il testo da: ‘Vede tanta gente atterrare all’aeroporto della sua città‘ con ‘all’aeroporto di Napoli‘. Poi è la volta di ‘Quanto amore sei‘ con il pubblico che regala all’artista un palloncino rosso a forma di cuore. Su ‘Un cuore con le ali‘ arriva il mashup, con dedica a Pino Daniele (“Pino ci manchi“), con ‘A me me piace ‘o blues‘.

Eros Ramazzotti si rivolge più volte alla città di Napoli esprimendo tutto il suo amore:

“Napoli vi amo. Come state? Dopo tanti anni sono qui con voi e voi siete con me. Grazie mille, è un’emozione grandissima. Vi voglio tanto bene”.

Il duetto di Eros Ramazzotti con l’amico Gigi D’Alessio

E avanti con ‘Un’emozione per sempre‘; ‘I belong to you‘; ‘Stella gemella‘ e ‘Il mio giorno preferito‘. Su ‘Adesso tu‘ arriva Gigi D’Alessio, impegnato in questi giorni alla Reggia di Caserta per il suo concerto in 10 date (ma non quella del 13). Non poteva mancare un medley dei suoi successi: ‘Un nuovo bacio‘, ‘Non dirgli mai‘ e ‘Annarè‘.

Il concerto continua senza sosta con ‘Una storia importante‘, ‘Cantico‘ con Stefano Di Battista e ‘Più che puoi’ che vede il duetto di Eros Ramazzotti con la sua corista Monica Hill, ex allieva della prima edizione di Amici. In ‘Dove c’è musica’ Eros Ramazzotti scende tra il pubblico e una fan prova anche a trattenerlo e baciarlo mentre in ‘La luce buona delle stelle‘ duetta e balla con la corista Sara Deop.

Il messaggio di pace: una certezza universale

Sulle note di ‘Un attimo di pace‘, Eros Ramazzotti lancia un messaggio rivolto a tutti:

“Penso ci sia gente meravigliosa al mondo. Non disperiamoci, l’amore vincerà sempre”.

E sui 5 led compaiono delle scritte con le parole dialogo, condivisione, abbraccio, incontro per chiudere con pace, una certezza universale.

Si prosegue con ‘Se bastasse‘; ‘Musica è‘ dove sale sul palco una ragazza incinta con il pancione e ‘Un’altra te‘. Il cantante, con la chitarra, accenna anche a ‘No woman, no cry‘ mentre dal pubblico parte ‘O surdato ‘nnammurato’.

Sul finale l’atmosfera si riscalda ed Eros Ramazzotti scende tra i fan mentre intona ‘Terra promessa‘ con Stefano Di Battista che fa un assolo di sax. Nel testo della canzone c’è spazio anche per il calcio con: ‘finché nessuno ci darà il quinto scudetto‘. In ‘Fuoco nel fuoco‘ tutto il pubblico canta a squarciagola per poi emozionarsi sulle note di ‘Cose della vita‘. Gran finale con ‘Un angelo disteso al sole‘, in cui propone anche una versione neomelodica, e ‘Più bella cosa‘ dove indossa la maglia del Napoli numero 10.

In chiusura ad accompagnare Eros sul palco c’è tutta la band composta da: Luca Scarpa alla direzione musicale e alle tastiere insieme a Christian Rigano, Brian Frasier Moore alla batteria, Paolo Costa al basso, Giorgio Secco e Antonio Cirigliano alle chitarre. Ramon Montagner alle percussioni, Marco Scipione ai sassofoni, Alessandro Lopane alla chitarra e ai cori, Monica Hill, Zoe Ranno e Sara Deop ai cori.

Tutti a inchinarsi davanti ai quarantaduemila del Maradona che ricambiano l’affetto. E poco importa se nella scaletta non è presente ‘L’Aurora‘, per questa sera lo spettacolo nel cielo di Napoli ha solo un nome: Eros Ramazzotti.

La scaletta del concerto di Eros Ramazzotti a Napoli (13 giugno 2026)

Di seguito l’elenco dei 22 brani cantati da Eros Ramazzotti allo stadio Maradona:

• Taxi Story
• Quanto amore sei
• Un cuore con le ali (mashup ‘A me me piace ‘o blues’)
• Un’emozione per sempre
• I belong to you
• Stella gemella
• Il mio giorno preferito Adesso tu (con Gigi D’Alessio). Medley: ‘Un nuovo bacio / Non dirgli mai / Annarè’
• Una storia importante
• Cantico (con Stefano Di Battista)
• Più che puoi (con Monica Hill)
• Dove c’è musica
• La luce buona delle stelle (con Sara Deop)
• Un attimo di pace
• Se bastasse
• Musica è
• Un’altra te
• Terra promessa (con Stefano Di Battista)
• Fuoco nel fuoco
• Cose della vita
• Un angelo disteso al sole
• Più bella cosa

I prossimi impegni

Dopo Napoli, Eros Ramazzotti sarà impegnato nel 2026 con altre tappe, nazionali e internazionali, di ‘Una storia importante World Tour’.

Questo il calendario:

• 16 giugno 2026 – Roma, Stadio Olimpico
• 20 giugno 2026 – Messina, Stadio Franco Scoglio
• 23 giugno 2026 – Bari, Stadio San Nicola
• 27 giugno 2026 – Torino, Allianz Stadium
• 16 ottobre 2026 – Toronto, Coca-Cola Coliseum
• 18 ottobre 2026 – Montreal, Place Bell
• 22 ottobre 2026 – Boston, Boch Center Wang Theatre
• 24 ottobre 2026 – New York, Infosys Theater – Madison Square Garden
• 28 ottobre 2026 – Chicago, Rosemont Theatre
• 31 ottobre 2026 – Miami, Kaseya Center
• 4 novembre 2026 – Houston, Smart Financial Centre
• 7 novembre 2026 – Los Angeles, Youtube Theater
• 10 novembre 2026 – Monterrey, Arena Monterrey
• 12 novembre 2026 – Guadalajara, Arena Guadalajara
• 14 novembre 2026 – Mexico Df, Arena Cdmx
• 18 novembre 2026 – San José, Estadio Nacional De Costa Rica
• 21 novembre 2026 – Bogotá, Movistar Arena
• 24 novembre 2026 – Lima, Arena 1
• 26 novembre 2026 – Santiago, Movistar Arena
• 28 novembre 2026 – Buenos Aires, Movistar Arena
• 30 novembre 2026 – São Paulo, Vibra São Paulo

Queste invece le date di ‘Una storia importante World Tour Leg 2027‘:

• 1 aprile 2027 – Luxembourg, Rockhal
• 4 aprile 2027 – Bruxelles, Forest National
• 6 aprile 2027 – Amsterdam, Ziggo Dome
• 8 aprile 2027 – Dusseldorf, PSD Bank Dome
• 11 aprile 2027 – Hannover, Zag Arena
• 14 aprile 2027 – Mannheim, SAP Arena
• 16 aprile 2027 – Munich, Olympiahalle
• 20 aprile 2027 – Zurich, Hallenstadion
• 22 aprile 2027 – Grenoble, Palais des Sports
• 24 aprile 2027 – Montpellier, Sud de France Arena
• 27 aprile 2027 – Barcelona, Palau Sant Jordi
• 30 aprile 2027 – Madrid, Movistar Arena
• 2 maggio 2027 – Pamplona, Navarra Arena
• 4 maggio 2027 – Valencia, Roig Arena
• 7 maggio 2027 – Milano, Unipol Dome
• 11 maggio 2027 – Bologna, Unipol Arena
• 13 maggio 2027 – Firenze, Nelson Mandela Forum
• 15 maggio 2027 – Torino, Inalpi Arena
• 18 maggio 2027 – Lausanne, Vaudoise Arena
• 20 maggio 2027 – Prague, 02 Arena
• 22 maggio 2027 – Lodz, Atlas Arena
• 25 maggio 2027 – Wien, Weiner Stadthalle

Luciano Ligabue riparte dagli stadi e lo fa da Roma, con una tappa speciale allo Stadio Olimpico che apre ufficialmente la parte estiva del tour “La notte di certe notti”, dopo la data zero di Bibione. Un concerto dal forte valore simbolico, pensato per celebrare i 30 anni di “Certe notti”, una delle canzoni più amate della sua carriera e tra i brani che hanno segnato la musica italiana.

Incontrando i giornalisti poche ore prima di salire sul palco, Ligabue ha raccontato il senso del suo percorso artistico, partendo da uno dei primi brani con cui ha conquistato il pubblico, “Balliamo sul mondo”. Fin da allora, ha spiegato, il suo obiettivo era chiaro: realizzare canzoni con un’anima popolare, capaci di muoversi nel mainstream senza perdere identità.

“Volevo essere un cantautore con il suono di una band, e spero di esserlo ancora”, ha dichiarato il rocker di Correggio, sottolineando come la sua sfida sia rimasta la stessa: provare a scrivere quelle che, per lui, sono semplicemente “belle canzoni”.

La scaletta del concerto di Ligabue: 26 brani e quasi due ore e mezza di musica

La tappa romana del tour propone una scaletta imponente: 26 brani per quasi due ore e mezza di concerto. Sul palco trovano spazio molti dei grandi capisaldi della carriera di Ligabue, da “Una vita da mediano” a “Urlando contro il cielo”, passando per “Questa è la mia vita”, “Tra palco e realtà” e naturalmente “Certe notti”.

Il cantautore ha anticipato che la scaletta cambierà nella successiva parte del tour nei palazzetti, dove ci sarà spazio anche per brani più recenti. Intanto, negli stadi, l’atmosfera è quella delle grandi occasioni, con un repertorio costruito per unire memoria, energia e partecipazione collettiva.

Un’emozione particolare, per Ligabue, è anche la presenza sul palco del figlio Lenny, da due anni batterista della sua band. Una scelta artistica e familiare che aggiunge un ulteriore valore emotivo al tour.

Ligabue e il rapporto tra musica e impegno: “La musica può, non deve”

Nel corso dell’incontro con la stampa, Ligabue è tornato anche sulla discussione nata dopo le parole di Francesco De Gregori sugli artisti e il loro eventuale schieramento politico.

Il rocker ha definito De Gregori “un patrimonio della musica e della cultura di questo Paese”, riconoscendogli una grande libertà di pensiero. Allo stesso tempo, però, ha precisato di non condividere del tutto quella posizione.

Secondo Ligabue, la musica non deve per forza prendere posizione, ma può farlo. Ogni artista, quindi, deve sentirsi libero di scegliere se esprimere o meno un pensiero attraverso le proprie canzoni. Nel suo caso, ha sempre cercato di comunicare le proprie idee soprattutto con la musica.

Non a caso, nella scaletta del concerto è presente anche “Il mio nome è mai più”, il brano contro la guerra realizzato con Piero Pelù e Jovanotti. Ligabue ha ricordato che lo esegue nei concerti da molti anni, sottolineando come nel mondo siano ancora in corso numerosi conflitti e crisi umanitarie.

“Nessuno è di qualcuno”, il nuovo brano contro la violenza di genere

Tra i momenti più significativi del concerto c’è anche “Nessuno è di qualcuno”, brano inedito inserito nella setlist e nato, come raccontato dallo stesso Ligabue, “dall’urgenza di dire qualcosa”.

La canzone affronta il tema della violenza di genere e i diritti saranno devoluti alla Fondazione Una Nessuna Centomila. Ligabue ha spiegato di aver voluto raccontare un sentimento di empatia, partendo da un concetto chiaro e diretto: nessuna persona appartiene a qualcun altro.

Il messaggio del brano sarà accompagnato anche da immagini proiettate sullo schermo durante il concerto, con l’obiettivo di rendere ancora più forte e comprensibile il senso della canzone.

Ligabue a Sanremo? “Mai dire mai”

Tra le domande rivolte al cantautore non è mancata quella su una possibile partecipazione al Festival di Sanremo come ospite. Ligabue non ha chiuso del tutto la porta, ma ha spiegato di vivere Sanremo come un contesto molto particolare.

Per lui, il Festival resta “la più grande vetrina che ci sia”, ma anche un ambiente carico di tensione, dove tutto sembra assumere un peso enorme. Al momento, quindi, la sua risposta sarebbe prudente, ma non definitiva: “Mai dire mai”.

Il legame di Ligabue con Roma e lo Stadio Olimpico

Per Ligabue, partire da Roma ha un significato speciale. Il cantautore ha ricordato alcune esperienze passate allo Stadio Olimpico, tra grandi entusiasmi, pioggia battente e momenti diventati quasi leggendari.

Tra gli episodi più curiosi, ha raccontato uno scherzo dei tecnici durante l’esecuzione di “Leggero”: la piattaforma su cui si trovava, che solitamente si alzava di pochi metri, arrivò molto più in alto del previsto, rendendo quella versione del brano particolarmente memorabile.

Tornare all’Olimpico, per Ligabue, significa quindi ritrovare un luogo ricco di ricordi e ripartire da una città che ha sempre risposto con grande partecipazione ai suoi concerti.

Le prossime date del tour di Ligabue

Dopo Roma, il tour “La notte di certe notti” proseguirà negli stadi con la data del 17 giugno all’Allianz Stadium di Torino e quella del 20 giugno allo Stadio San Siro di Milano. Successivamente, la tournée continuerà tra settembre e ottobre con una nuova fase nelle arene e nei palazzetti.

Ligabue ha inoltre anticipato che nel 2027 potrebbe esserci una pausa dai live in Italia, ma non necessariamente all’estero. Intanto, il presente lo vede in un momento che lui stesso definisce felice, sia dal punto di vista personale che artistico.

Con questo tour, Luciano Ligabue celebra il passato senza restarne prigioniero, riportando sul palco le canzoni che hanno accompagnato intere generazioni e aggiungendo nuovi messaggi al suo percorso musicale.

L’emozione è quella di chi vede concretizzarsi un sogno coltivato per una vita intera. Alla vigilia del concerto allo Stadio Olimpico di Roma, Achille Lauro racconta il significato di uno degli appuntamenti più importanti della sua carriera, tra musica, moda, X Factor e nuovi progetti.

Achille Lauro: “L’Olimpico è un sogno che inseguo da 25 anni”

«Siamo contentissimi, aspettavamo questo momento da tanto tempo», esordisce Lauro. Lo spettacolo è costruito attorno a una precisa idea narrativa: «Rappresenta il paradiso, l’Eden degli Incoscienti Giovani prima di essere buttati sulla Terra. È il filo conduttore dello show, anche se il vero centro restano sempre le canzoni».

Per l’artista romano, infatti, il concerto nasce soprattutto dal rapporto costruito negli anni con il pubblico. «La mia fortuna è stata avere tante canzoni che sono entrate nelle vite delle persone. Quando le vedi cantare da migliaia di persone insieme capisci davvero la magia della musica».

E pensando alla serata dell’Olimpico, l’emozione è inevitabile. «È qualcosa di incredibile. È un sogno che inseguo da 25 anni. Scrivo canzoni da quando avevo undici anni e i primi concerti me li organizzavo da solo: affittavo i locali, pagavo le spese e mi mettevo in cartellone perché nessuno mi faceva suonare».

Lo spettacolo racconta l’Eden degli “Incoscienti Giovani”

Lauro ha curato personalmente tutta la componente narrativa dello show. «Abbiamo realizzato una sorta di cortometraggio diviso in più atti che racconta questo paradiso degli Incoscienti Giovani. È un mondo immaginifico, armonioso, che accompagna il concerto e le canzoni».

L’inizio è particolarmente evocativo. «Lo spettacolo comincia con una voce narrante che racconta la vita di un immortale, di una sorta di fantasma dell’Eden. Da lì si entra nel mondo degli Incoscienti Giovani e del paradiso che abbiamo immaginato».

L’omaggio ad Antonello Venditti

Ospiti della serata Antonello Venditti. «Per me è un onore enorme. Sono cresciuto con le sue canzoni e credo che tutta l’Italia sia cresciuta con lui. Faremo insieme “Notte prima degli esami”».

Un momento che per Lauro ha un valore speciale. «Gli ho chiesto un regalo: suonarla al pianoforte nel nostro primo Olimpico. Se c’era un ospite che desideravo avere era lui, perché rappresenta la nostra adolescenza ed è un simbolo di questa città».

Moda e musica: «Mi piace unire mondi diversi»

Negli ultimi anni Lauro ha consolidato il proprio rapporto con il mondo della moda, diventando anche direttore creativo. «Collaboro da cinque o sei anni con grandi brand e grandi direttori creativi. Tutti i progetti che porto avanti nascono da idee che seguo personalmente e che poi condivido con professionisti straordinari».

Per lui la moda è sempre stata uno strumento espressivo. «Mi ha aiutato a raccontare la mia musica e la mia identità. È una passione che ho sempre avuto e oggi poter lavorare con marchi che ti danno carta bianca è una grande opportunità».

Anche nello show la componente fashion è presente. «La moda sarà integrata nello spettacolo. Ci saranno la musica, le canzoni e tutta una parte visiva che contribuirà al racconto».

Il futuro: sei mesi all’estero per cercare nuovi suoni

Dopo il tour negli stadi, Lauro ha già in mente il prossimo passo. «Credo che mi prenderò sei mesi per stare all’estero, scrivere musica, cercare nuovi suoni e nuove ispirazioni. Mi piace seguire l’istinto».

Un approccio che ha sempre guidato la sua carriera. «Non abbiamo mai seguito le regole del mercato o le strategie del marketing. Abbiamo sempre fatto quello che sentivamo. A volte siamo stati premiati, altre meno, ma oggi tutto quello che abbiamo fatto ci ha portato qui».

X Factor: «Un’esperienza bellissima»

Tra i capitoli più recenti della carriera c’è anche X Factor. «È stata un’esperienza bellissima. Mi ha permesso di mostrare un lato di me che molte persone non conoscevano. Io non sono uno che passa il tempo sui social a raccontarsi: sto in studio, scrivo canzoni e lavoro».

Lauro parla con affetto dei concorrenti che ha seguito. «Credo di aver lavorato con ragazzi che avevano già una forte identità e di averli aiutati a valorizzarla. Poi la carriera è un’altra cosa: non si costruisce in un anno, ma in dieci o vent’anni». Tra i nomi che cita con maggiore convinzione ci sono I Patagarri, Les Votives, Mimì Caruso e Lorenzo Salvetti. «Lorenzo è un ragazzo che, per l’età che ha, ha già fatto tantissimo. È un grande interprete e spero possa diventare anche un grande cantautore».

Parole di stima anche per la giuria. «Con Giorgia si è creato un rapporto bellissimo. Jake La Furia è stato una colonna del programma: è una persona molto intelligente e acuta. Si è creato davvero un gruppo molto affiatato».

Sanremo e il sogno della direzione artistica

Lauro non nasconde che un giorno gli piacerebbe dirigere artisticamente il Festival. «Mi piacerebbe molto. Tutte le volte che sono stato a Sanremo l’ho vissuto come uno spettacolo dentro lo spettacolo. Non siamo mai entrati per partecipare e basta, ma sempre per costruire qualcosa di nostro».

Guardando al presente, però, preferisce lasciare spazio a chi guiderà le prossime edizioni. «Dopo il grande lavoro fatto da Carlo Conti, adesso c’è Stefano De Martino. Lo vedo motivato, appassionato e sono convinto che farà bene. Lasciamolo lavorare».

La musica che unisce le generazioni

Uno degli aspetti che più colpisce Lauro è vedere pubblici molto diversi ritrovarsi sotto lo stesso palco. «È una delle cose più belle che mi siano successe. Vedo bambine, ragazzi, genitori e nonni venire insieme ai concerti. È qualcosa che va oltre le mie aspettative».

Per lui la chiave è la sincerità. «Cerco sempre di essere me stesso nelle canzoni. Quando ho scritto “Cristina”, per esempio, mi imbarazzava perfino registrarla davanti agli altri. Poi ho capito che proprio quella vulnerabilità riusciva a toccare le persone».

L’impegno sociale e la fondazione

Ampio spazio anche ai progetti solidali portati avanti dalla sua fondazione. «Stiamo lavorando alla realizzazione di una casa di accoglienza per ragazzi e parallelamente sosteniamo tanti progetti negli ospedali, nelle case famiglia e nelle realtà locali che spesso hanno bisogno di aiuto».

Un impegno che considera fondamentale. «Questo sogno che sto vivendo mi permette di restare concentrato anche sulle persone che fanno del bene ogni giorno. Credo sia importante non dimenticarlo mai».

«La musica è magica»

Tra i momenti più intensi degli ultimi mesi, Lauro ricorda l’incontro con la famiglia del ragazzo a cui aveva dedicato uno dei passaggi più toccanti del Festival di Sanremo. «Ho incontrato la madre e la famiglia. Sono stati nostri ospiti e continueranno a esserlo ogni volta che vorranno».

Da quell’esperienza trae una riflessione più ampia. «La musica è magica perché a volte ti fa innamorare, a volte ti fa sentire meno solo. Se riesce anche solo per un minuto a fare del bene a una persona, allora ha già compiuto qualcosa di importante».

Noemi inaugura una nuova fase del suo percorso artistico con “Tu cosa fai questa sera”, il nuovo singolo che racconta passione, libertà e consapevolezza attraverso sonorità coinvolgenti e un’atmosfera dal sapore teatrale. In questa intervista rilasciata a noi di SuperGuidaTV, la cantante si racconta tra musica e vita privata, parlando del cambiamento che ha attraversato negli ultimi anni, del videoclip ispirato al tango, del rapporto con i social e del momento particolarmente felice che sta vivendo, sia dal punto di vista artistico che personale.

Intervista a Noemi: “Vi presento tu cosa fai questa sera”

“Tu cosa fai questa sera?” segna una nuova fase del tuo percorso musicale. Come nasce questa canzone? C’è qualcosa di autobiografico?

«Innanzitutto sono molto contenta di questo nuovo pezzo. È nato dalla collaborazione con Paolo Antonacci e Vito Salamanca, due autori e produttori bravissimi. C’era da parte mia il desiderio di raccontare la passione e una dimensione più sensuale e coinvolgente. Mi ha colpita subito la prima strofa, che è venuta fuori in maniera molto teatrale e drammatica. Io sono una persona molto teatrale anche nel modo in cui vivo e interpreto le canzoni, quindi ho sentito immediatamente che questa collaborazione avrebbe fatto emergere una parte diversa di me. Dentro il brano ci sono tante anime. Nel ritornello sento moltissimo anche Raffaella Carrà. Ho cercato di riportare un po’ il suo modo di parlare, quella sua inflessione particolare. Ci ho messo una voce più flautata proprio per richiamarla. Avendola conosciuta e avendoci lavorato insieme, sono molto affezionata a lei. Per me rappresenta una donna iconica: consapevole, libera, leggera.»

Negli ultimi anni hai raccontato donne molto diverse tra loro. Cosa aggiunge questa protagonista al tuo universo femminile?

«Io racconto sempre qualcosa che sento mio. Difficilmente canto qualcosa in cui non mi riconosco. Questa protagonista aggiunge un racconto più legato alla passionalità e alla sensualità, alla possibilità di vivere un rapporto con maggiore leggerezza e libertà, anche senza pensare necessariamente che sia la storia della vita. Questa attrazione tra due persone l’abbiamo raccontata anche nel videoclip, che amo molto. L’ho girato insieme a Nikita Perotti e con le coreografie di Marcello Sacchetta. Abbiamo utilizzato il movimento per raccontare questa storia. Il tango, che è stata la disciplina di riferimento per il video, mi ha insegnato molto. È una danza che implica vicinanza e contatto, mentre io sono una persona che tende a mantenere le distanze. Mi ha aiutato a esplorare la mia dimensione più sensuale e femminile. Consiglio a tutti di fare una full immersion nel mondo del tango: insegna davvero molto su se stessi.»

Il titolo è una domanda semplice ma molto diretta. Nella vita privata sei una che fa il primo passo?

«Oggi sì. Sono abituata ad andare a prendermi le cose. Da ragazza ero molto timida, insicura e chiusa. Poi la vita mi ha insegnato che bisogna esserci, essere presenti nel momento. Se questo significa esporsi e rischiare, va bene. Meglio rischiare che restare immobili. Altrimenti rimane sempre il pensiero: “Avrei potuto fare…”. No, bisogna fare. La vita va avanti. Quando ero più giovane avevo sempre l’impressione che ogni scelta fosse definitiva. Oggi invece ho capito che non è così.»

Hai parlato di una versione più audace e consapevole di te stessa. C’è stato un momento preciso in cui hai sentito il bisogno di mostrarti in modo diverso?

«Assolutamente sì. C’è stato un momento in cui mi sono resa conto che quello che ero diventata non rappresentava più la mia essenza. Non solo dal punto di vista fisico, ma anche nel modo in cui percepivo me stessa e nel rapporto con ciò che desideravo raccontare. È stato forse il momento più difficile della mia vita, ma anche quello più importante. Mi ha dato la spinta per cambiare e per capire che dovevo fare qualcosa.»

Anche dal punto di vista estetico stai proponendo un’immagine rinnovata. Cosa racconta questo cambiamento?

«In realtà il cambiamento estetico è solo la punta dell’iceberg. Tagliarsi i capelli spesso è il gesto finale di qualcosa che è già cambiato dentro. Racconta una nuova leggerezza, una maggiore freschezza. Anche questa canzone rappresenta una dimensione più dinamica e meno ancorata ai miei punti di riferimento storici. Io resto molto legata al cantautorato, alle ballad e alla teatralità. In questo pezzo ci sono comunque poesia e teatro, ma con una leggerezza diversa, più consapevole. Forse è anche questo che mi ha ricordato la Carrà. Questa canzone, scherzando, mi ha fatto venire il caschetto.»

C’è una Noemi che il pubblico ancora non conosce?

«Secondo me c’è una Noemi che ancora non conosco nemmeno io. Probabilmente è nel futuro e sono pronta a incontrarla.»

Com’è stato lavorare con Nikita Perotti e Marcello Sacchetta?

«Bellissimo. Attraverso le prove ho scoperto molto di me. Il lavoro sul corpo e sul movimento è un viaggio nell’inconscio. Mi sono accorta, ad esempio, di essere una persona che fatica a toccare gli altri. La danza ti mette in posizioni e situazioni che normalmente non vivresti e ti permette di percepirti in modo diverso. Quando abbiamo finito il videoclip avevo una consapevolezza nuova del mio corpo. Ho capito che è bello sentirsi donne, vivere la propria femminilità senza distaccarsene. Di questo devo ringraziare molto Nikita e Marcello.»

Arrivi dopo il successo di “Bianca”. Hai la consapevolezza di stare vivendo uno dei momenti più belli della tua carriera?

«Sì, sono molto felice di come stanno andando le cose. “Bianca” racconta tanto di me. Inoltre c’è stata la collaborazione con Riccardo Zanotti dei Pinguini Tattici Nucleari. Condividiamo un grande amore per Gaetano Curreri e per Lucio Dalla. Anche nella scrittura di “Bianca” ci siamo ispirati a quel mondo. Sono contenta che sia diventata una canzone importante della mia carriera, anche per il messaggio che porta. Oggi sui social tutti giudicano tutto col senno di poi. Mi sembrava interessante raccontare questa realtà.»

A proposito di social, che rapporto hai con il pubblico della rete?

«Mi piacciono, ma sono anche un campo minato. Finché non verrà affrontata seriamente la questione dell’identità digitale, continuerà a esserci una certa maleducazione e una mancanza di empatia che mi preoccupano. Allo stesso tempo i social hanno dato agli artisti una grande libertà di raccontarsi. Forse oggi siamo un po’ troppo concentrati sull’immagine e meno sui contenuti, ma credo che sia una fase. Come diceva Giambattista Vico, ci sono corsi e ricorsi storici.»

C’è anche un tour con due date speciali a Milano e Roma. Che rapporto hai con queste città?

«Sono due anime fondamentali del nostro Paese. Io sono romana, quindi sono di parte. Di Roma amo la storia e la sua capacità di generare continuamente idee. Di Milano invece adoro la velocità, l’energia e la passione per il futuro. È una città dove spesso i sogni riescono a trasformarsi in realtà.»

Se potessi scrivere un messaggio alla Noemi del 2009, quella di X Factor, cosa le diresti?

«Le scriverei: “Tieni duro, perché ne vedrai delle belle. Imparerai tantissime cose, ma soprattutto ti divertirai”.»

Ti ricordi cosa ti sei regalata con il primo guadagno della tua carriera?

«Sì, e un po’ me ne vergogno (ride). Il mio primo lavoro è stato come corista nello spettacolo di Andrea Cirielli. Con quel compenso mi comprai una Vespa Special degli anni Ottanta. Era arancione, dell’81, con il faro quadrato. Mi dava un grande senso di libertà e avevo una vera passione per le Vespe di quell’epoca.»

Ultima domanda: prendendo spunto dal titolo del singolo, Noemi, tu cosa fai questa sera?

«Questa sera? Forse mi mangio una pizza! Scherzi a parte, mi godo la serata perché sta per partire il tour.»

Il concerto di Cesare Cremonini tenutosi il 6 giugno al Circo Massimo di Roma sarà trasformato in un grande evento televisivo e andrà in onda in prima serata su Raiuno il 2 settembre. Lo speciale, intitolato “Roma, baby. Cremonini Live Circo Massimo”, racconterà la tappa inaugurale del nuovo progetto live CREMONINILIVE26, segnando l’inizio di una serie di appuntamenti che porteranno l’artista nei principali spazi all’aperto italiani. Dopo il grande successo del tour negli stadi del 2025, con numerosi sold out, Cremonini conferma la sua forte presenza sulla scena musicale nazionale con un seguito di pubblico sempre più ampio.

La trasmissione offrirà uno sguardo ravvicinato su uno degli eventi più attesi dell’anno, evidenziando un momento particolarmente importante della sua carriera artistica. I dati confermano una crescita costante, con centinaia di migliaia di spettatori coinvolti nei suoi spettacoli e una partecipazione complessiva che supera il milione di presenze nell’ultimo periodo. L’artista bolognese si distingue per la capacità di unire innovazione e spettacolo, creando concerti che diventano esperienze condivise e immersive. Il progetto live è stato pensato per superare i confini del tradizionale concerto, grazie a una struttura scenica imponente e tecnologicamente avanzata. Il palco include una lunga passerella che si estende verso il pubblico, torri sceniche di grande altezza e un ampio utilizzo di schermi ed effetti visivi. L’obiettivo è garantire una visione ottimale e un coinvolgimento totale anche per gli spettatori più distanti. Durante la serata sono previsti anche ospiti speciali come Jovanotti, Elisa e Luca Carboni, che contribuiranno a rendere l’evento una celebrazione della musica dal vivo e della sua capacità di unire il pubblico.

Cesare Cremonini annuncia a sorpresa un nuovo album

In occasione di questo grande evento, la stampa ha avuto modo di incontrare Cesare Cremonini e anche noi di SuperGuida TV eravamo presenti. Per Cremonini si tratta della prima volta al Circo Massimo: “Non conoscevo questo posto, è la prima volta per me al Circo Massimo e mi ha subito trasmesso una sensazione di calma, tranquillità e sicurezza in me stesso. Essendo un performer, le sensazioni del palco e delle location incidono molto su come sto e su come vivo l’esperienza. Mi sento grato di poter offrire ciò che so dare in un contesto come questo. Mi considero fortunato, è un momento particolarmente favorevole della mia carriera, davvero speciale. Non è semplice riempire e vivere spazi di questo tipo in questo modo, soprattutto dopo i 13 stadi dello scorso anno. Credo che questo sia il risultato più completo del mio percorso, perché significa costruire un rapporto con il pubblico che va oltre il live in sé, ma che si fonda soprattutto sulla propria storia, su ciò che si è e su quello che si trasmette quando si sale sul palco”. 

Cesare Cremonini ha poi annunciato un nuovo progetto discografico la cui uscita è prevista a fine anno: “Ho pronto un album che ho realizzato in questo periodo: è un progetto molto importante che uscirà entro la fine dell’anno. Finalmente mi sono liberato di dirlo ad alta voce, e questo rende tutti più sereni, perché è stato un lavoro davvero particolare per me. Non mi era mai successo di interrompere quella “ruota” continua che caratterizza la vita di un artista come me: da quando sono piccolo è sempre stato un alternarsi di tour, pochissime pause, nuovo album, ancora tour. In questo caso ho voluto forzare un po’ i tempi, perché la discografia mi chiamava più forte di qualsiasi altra cosa. A 46 anni è stata una scoperta importante: la vita mi ha portato a vivere qualcosa di molto profondo e la musica è arrivata in soccorso, oppure sono stato io ad andare verso di lei. Negli ultimi quattro mesi ho creato questo nuovo disco, che rappresenta anche un cambio di passo nel mio percorso live. Per questo, questo concerto non può essere raccontato senza parlare anche del futuro”. 

Poi racconta il ruolo centrale che ha avuto lo studio di uno strumento inaspettato, il sassofono, che è entrato nella sua vita in un momento personale complesso e che ha finito per influenzare profondamente la scrittura e la direzione del disco. Cremonini ha raccontato: “Il sassofono mi ha aiutato in un momento difficile. Lo studio di questo strumento è arrivato in una fase molto delicata della mia vita privata e mi ha dato un metodo, ma anche una sorta di ossessione positiva che ha sostituito per mesi le energie più negative. Mentre studiavo, soprattutto nei mesi invernali, attraversavo una difficoltà personale importante. E più si cresce, più le difficoltà non diventano più leggere: al contrario, pesano di più, perché si hanno meno “difese”. All’inizio pensavo che questo impegno mi avrebbe tolto tempo alla scrittura, invece è accaduto esattamente il contrario. Nel giro di pochi mesi, il sassofono – uno strumento che amo profondamente e al quale sento di dovere molto anche a livello umano – mi ha aiutato a incanalare tutto ciò che poteva diventare distruttivo. Ho concentrato lì energie, studio, disciplina: dalle scale agli aspetti più tecnici, fino a elementi armonici complessi. In quel periodo ho ricominciato a produrre musica con una libertà che non provavo da tempo, senza pensare troppo al percorso o agli obiettivi. Non c’è stata alcuna pressione esterna o interna, né quella tensione tipica degli artisti legata al dover dimostrare qualcosa. Questa esperienza mi ha cambiato e mi ha proiettato verso il futuro attraverso le canzoni. Le testimonianze di ciò che ho vissuto sono finite dentro il disco, quasi come una forma di salvezza personale. Posso dire che si tratta di un lavoro molto potente, che ha un’anima rock and roll nel senso più diretto del termine: un album suonato e costruito in studio, in gran parte a Londra, e profondamente legato a questo percorso umano e musicale”. 

Nel raccontare la direzione del suo prossimo progetto discografico, l’artista anticipa anche alcune scelte legate al futuro live e al rapporto tra musica, coerenza artistica e grandi palchi: “Il prossimo disco mi porterà naturalmente nei luoghi in cui dovrà essere suonato. Per questo ho chiesto che non fossero gli stadi, perché non sento che si adattino a ciò che sto costruendo. Sono consapevole di trovarmi in una posizione privilegiata e di avere i numeri dalla mia parte, ma credo che, se si guarda la cosa con lucidità, il punto non sia solo questo. Il meccanismo non può basarsi unicamente sui risultati o sui numeri: a volte è necessario anche rinunciare a qualcosa per seguire il piacere autentico della musica. Per me conta soprattutto la coerenza con il percorso artistico e con ciò che sto cercando di esprimere. Non sarà un progetto “furbo” o costruito per piacere a tutti: non è questo il disco. In questo periodo mi sono avvicinato anche al sassofono, che ho portato su grandi palchi, e che è diventato parte delle mie piccole e grandi sfide personali, legate anche alla mia vita privata. Tutto quello che ho vissuto negli ultimi sette-otto mesi mi ha influenzato profondamente e mi ha portato a scrivere un certo tipo di musica. E se quel tipo di musica non appartiene agli stadi, allora semplicemente non appartiene agli stadi”. 

Una nuova musica che è seguita ad un momento difficile per Cremonini. Circa un mese fa, l’artista aveva fatto preoccupare i fan con un messaggio condiviso sui social in cui aveva fatto una riflessione potente: il dolore viene trasformato in creatività. “Preferisco lasciare certe cose nella leggenda. La vita personale è un tema che non amo affrontare in modo troppo approfondito, non è proprio la mia modalità. Anzi, ogni volta che ci provo, finisco per sbagliare. Credo quindi che sarà il disco a parlare da sé, e ne sono convinto, perché in questi giorni ho spesso paragonato questo nuovo lavoro a “Squèrez”. Ovviamente non ho più la vita di un diciassettenne come quando lo scrissi, ora ne ho 46, ma credo che abbia la stessa forza. In fondo anche “Squèrez” era, a suo modo, un disco rock. Oggi forse lo si percepirebbe ancora di più in quella direzione. Non ho paura di lasciare spazio a interpretazioni o speculazioni. In generale, oggi le speculazioni sono talmente diffuse e quotidiane che ci si sorprende quasi solo quando si incontra qualcosa di chiaro, umano e sereno. Non ho più paura di niente. Ho vissuto abbastanza situazioni, anche mediaticamente complesse e improvvise, come molti altri colleghi. E quindi non mi sveglio la mattina controllando cosa succede sui social o se va tutto bene: proprio no”, ha spiegato Cremonini.

Proprio in riferimento a quel post che aveva scritto, Cremonini si giustifica: “Tutti gli artisti, in qualche modo, annegano il dolore dentro a un’opera. Direi il 90%, o comunque tutti quelli che ho conosciuto e ascoltato, di tutte le generazioni. Mi ha colpito però che questa cosa sia diventata oggetto di speculazione, come poi è accaduto nel mio caso. Sembrava addirittura che stessi per farmi del male, mentre in realtà io stavo semplicemente facendo il mio lavoro: trasformare il dolore in opere. Allo stesso modo, anche un palcoscenico può servire alle persone per “annegare” le proprie difficoltà dentro un grande evento collettivo. Faccio fatica a capire perché oggi, nella narrazione mediatica, questo aspetto venga letto in modo così complesso. Forse sono io che mi sono perso qualcosa, o forse sto semplicemente invecchiando. Perché il dolore è qualcosa che appartiene a tutti. Gli artisti, che siano musicisti, pittori, illustratori o creatori di scenografie, non fanno altro che lavorare su qualcosa di profondamente umano e universale. Eppure questo è diventato oggetto di speculazione, come se trasformare il dolore in un disco fosse qualcosa di strano o eccessivo. Per me, invece, è la cosa più naturale del mondo”. 

Alla domanda se in futuro tornerà di nuovo negli stadi, Cremonini non si sbilancia: “Non lo so, sicuramente la mia testa sta andando in una direzione in cui il suonare con una band allargata possa coinvolgere il pubblico. Questo necessita di luoghi ma anche di una produzione completamente diversa da questa. Ho sognato tutto questo e lo continuo a rispettare, ho sognato di entrare in uno stadio e cantare, ho sempre desiderato avere un pubblico così vasto e avere una connessione così bella che non ci sarebbe nessuna ragione se non un’esigenza artistica per cambiare rotta”.

Si intitola “Waterproof”, il nuovo album di Atarde: un progetto musicale che mescola fragilità, ironia e immagini sospese tra nostalgia e quotidianità. In questa intervista il cantautore ci racconta come nasce il disco, il rapporto con il mare e con le proprie insicurezze, il live, i social e il bisogno di restare autentici in un mondo che corre sempre più veloce. Noi di SuperGuidaTv lo abbiamo incontrato e intervistato per voi.

Intervista ad Atarde

Siamo qui con Atarde, benvenuto su SuperGuidaTV. Partiamo dal tuo nuovo album, “Waterproof”: come nasce questo titolo e questo progetto?

“Waterproof” è il primo vero disco che pubblico. In passato erano usciti solo degli EP. Il percorso che mi ha portato a questo progetto nasce da una serie di canzoni accomunate dal tema del mare. In realtà tutto è partito proprio dal titolo: una delle prime canzoni che avevo scritto era “Bonaccia” e dentro c’era una frase con la parola “waterproof”, nello specifico “mi rendo conto che l’umore non è waterproof”. Mi ha colpito subito perché mi sembrava una parola densa, evocativa, quasi iconica. Da lì si è unita all’idea del mare, anche perché io vengo da Ancona, quindi il mare fa parte della mia vita. C’è il mare più artificiale del porto, quello più grezzo e quello più naturale. Ho quindi selezionato alcune canzoni, ne ho scritte altre seguendo questa immagine e ho costruito un concept album che ha come filo conduttore l’acqua e il mare.

Il disco si muove continuamente tra fragilità e leggerezza. Quanto è importante per te raccontare le insicurezze quotidiane?

È fondamentale. Credo che nello scrivere musica sia importante essere fragili e sensibili. L’ispirazione nasce spesso dai pensieri, dalle debolezze e da ciò che ci colpisce ogni giorno. Però sono contento che il disco mantenga anche una leggerezza, perché non voglio che la musica diventi qualcosa di pesante. Facendo pop, mi piace pensare alla musica come a un veicolo capace di trasmettere certe cose in modo naturale e leggero.

Nei tuoi brani ritorna spesso la sensazione di non sentirsi abbastanza. Pensi sia un sentimento molto generazionale?

Sì, ma non credo appartenga soltanto alla mia generazione. Penso faccia parte della storia dell’umanità. Siamo sempre stati chiamati a rispettare aspettative che, anche se non esplicite, ci vengono imposte dalla società e dalla comunità in cui viviamo. È inevitabile esserne influenzati.

Nel disco c’è anche un featuring con Faccianuvola. Come nasce questa collaborazione?

Faccianuvola è uno degli artisti più talentuosi che abbiamo in Italia oggi, secondo me. Ho avuto la fortuna di conoscerlo circa due anni fa grazie a un contatto comune. Gli abbiamo fatto ascoltare una demo di quella che poi è diventata “Oblò” e lui si è dimostrato subito entusiasta di collaborare. In due momenti diversi, a distanza di quasi due anni, siamo riusciti a completare il brano. Sono molto felice perché è il primo featuring della mia discografia e poterlo fare con uno dei miei artisti preferiti è stato davvero speciale.

Hai collaborato anche con Fudasca alla scrittura di alcuni brani. Quanto ti stimola uscire dal tuo universo artistico per entrare in quello di altri?

Per me è una delle cose più divertenti in assoluto. Da nerd della canzone, lavorare anche come autore o musicista per altri è bellissimo. Ti permette di fare qualcosa di diverso e anche di vivere il processo con più leggerezza, perché poi la scelta finale appartiene a un altro artista. Il rapporto con Fudasca è iniziato tre anni fa, quando ha prodotto il mio primo singolo, “L’Home”. Da allora c’è stato uno scambio continuo. È una persona eccezionale e il fatto che mi coinvolga in progetti come quello di Mecna è per me un grande regalo, anche perché sono artisti che ascoltavo già da fan.

Oggi molti artisti sentono il bisogno di “performare” anche sui social. Tu sembri mantenere una dimensione più autentica e personale. È una scelta consapevole?

Credo che oggi un artista debba inevitabilmente scendere a compromessi. Io, però, non sono molto bravo a farlo. Sono nato nel 2001, quindi appartengo alla prima generazione cresciuta con i social, ma paradossalmente mi sento quasi “vecchio” per TikTok. Quando quel linguaggio è esploso, io ero già andato oltre anagraficamente e mentalmente. Instagram, invece, oggi è inevitabilmente la vetrina principale del nostro lavoro. Per questo preferisco pubblicare poco, ma curare ogni contenuto nel dettaglio. Monto personalmente i video, realizzo collage, trailer, cose artigianali e fantasiose. Anche la comunicazione, in fondo, è una parte creativa del lavoro.

Dal Concertone del Primo Maggio ai festival estivi, il live sta diventando sempre più centrale nel tuo percorso. Cosa scopri di te sul palco?

Io mi definisco un “topo da studio”. Mi piace stare chiuso in cameretta a fare canzoni. Però portarle davanti al pubblico è completamente diverso. Piano piano sto prendendo dimestichezza con il live e mi sto togliendo grandi soddisfazioni. Il Concertone del Primo Maggio è stata probabilmente l’esperienza più bella della mia vita. Su quel palco provi sensazioni fisiche difficili da spiegare. È quasi una sensazione di superpotenza. Adesso sto imparando, concerto dopo concerto, a trasformare quell’energia in qualcosa che riesca a portare anche nei live più piccoli.

C’è stato un artista o una canzone che ti ha fatto capire che questa poteva essere la tua strada?

Sicuramente i Twenty One Pilots. Per me sono stati fondamentali. In particolare la canzone “The Judge”, dall’album “Blurryface”. In quel brano usavano l’ukulele e io fino a quel momento non avevo mai suonato davvero strumenti a corda o tastiere. Vedere questo strumento così semplice e affascinante mi ha fatto innamorare. I miei genitori mi regalarono un ukulele e da lì ho iniziato a scrivere canzoni.

C’è qualcosa che ti spaventa di questa professione?

Già definirla una professione è complicato, perché stiamo chiedendo all’arte di produrre anche un guadagno economico. È normale, la società funziona così, ma non è semplice. Io non so se questo progetto artistico diventerà mai il mio lavoro principale. E anche se dovesse succedere, mi chiedo sempre quanto possa durare una carriera artistica: una canzone, un disco, trent’anni? Siamo tantissimi e il mercato è saturo. Per questo il mio obiettivo è continuare a fare musica finché avrò voglia di farla, senza obbligarmi a trasformarla subito in qualcosa che debba necessariamente garantirmi un guadagno.

Domanda finale: oggi Leonardo sente il bisogno di proteggersi da qualcosa? E cosa invece vuole lasciarsi attraversare completamente?

Vorrei lasciarmi attraversare dalle persone. Tendo a chiudermi molto nella mia “conchiglia”, quindi il mio desiderio è quello di farmi contaminare dagli incontri, soprattutto nel mondo della musica. Vorrei conoscere sempre più persone che scrivono, producono, vivono la musica. Per me il momento della scrittura di una canzone è uno dei momenti di divertimento massimo. Da cosa voglio proteggermi? Da tutto ciò che oggi non funziona nella nostra società. E allora penso che rifugiarsi nella propria cerchia di affetti, amicizie e amore sia una forma di protezione importante.

Nella splendida cornice settecentesca di Villa Clerici, tra luci soffuse, candele bianche e atmosfere cinematografiche, Sal Da Vinci ha celebrato il release party del suo nuovo album Per Sempre Sì, pubblicato da Atlantic Records Italy, Warner Music Italy e Cose Production, prodotto da Adriano Pennino, trasformando Milano in un luogo sospeso tra musica, emozioni e condivisione.

Sal Da Vinci presenta il disco “Per Sempre Sì”

Il disco arriva in uno dei momenti più importanti della carriera di Sal Da Vinci, dopo il successo brano “Per sempre sì”, vincitore del Festival di Sanremo e successivamente presentato in gara all’Eurovision Song Contest.

L’evento, curato nei minimi dettagli, aveva il sapore di una vera e propria esperienza immersiva. All’interno della villa, un pianoforte bianco dominava la scena circondato da decine di candele, mentre un coro di ragazzi ha accolto gli ospiti reinterpretando alcuni dei brani più amati dell’artista.

Successivamente Sal Da Vinci è salito sul palco per esibirsi sulle note di alcuni brani del nuovo progetto, regalando agli invitati un’anteprima emozionante di “Per Sempre Sì”. Un album che rappresenta un nuovo capitolo per il cantante.

Tra gli ospiti presenti anche Ambra Angiolini, arrivata insieme a Pico Cibelli, presidente di Warner Music Italy. Presenti inoltre numerosi giornalisti, addetti ai lavori e amici dell’artista arrivati da tutta Italia per celebrare questo importante traguardo.

Con “Per Sempre Sì”, Sal Da Vinci inaugura una nuova fase della sua carriera. «Mi sorprende e mi rende felice che sia arrivato qualcosa di veritiero», ha raccontato l’artista durante la presentazione dell’album alla stampa. «Questo disco parla di logiche che fanno parte della nostra vita, racconta il dolore, il rapporto tra un padre e un figlio. Ho sempre cercato di impegnarmi per essere felice, imparando il mestiere dell’amore. La fedeltà è la costruzione di un qualcosa, non una parola vuota. È la dimostrazione di qualcosa di speciale».

Le collaborazioni nell’album

“Per sempre sì” è un racconto quotidiano di emozioni costruito lungo il percorso umano e artistico del cantante. All’interno ci sono soprattutto gli affetti familiari. Tra i momenti più significativi spiccano le collaborazioni con il figlio Francesco Da Vinci nel brano “Somigli a me” e con Serena Brancale in “Dimmelo”, due incontri artistici che aggiungono ulteriore profondità emotiva al progetto.

Nel corso dell’incontro con la stampa, Sal Da Vinci ha affrontato anche il tema delle etichette musicali e della definizione di “neomelodico”, spesso associata alla sua carriera «Quando si parla di neomelodico sembra che si parli di un genere a parte che non fa parte della cultura del nostro Paese», ha raccontato. «Se analizziamo la parola, nuovo melodico non è un termine negativo. Il problema è quando si usa per ghettizzare, e questa cosa va chiarita. Io faccio musica pop, che arriva al cuore della gente e che racconta i sentimenti che possono provare tutti. In questo album non ho fatto altro che raccontare me stesso, il mio modo di fare musica e di vivere».

Nel disco è presente “Voglio ancora amarti”, canzone dedicata al padre: «È una canzone nata nel dolore, un dolore insopportabile che non passa col tempo. All’inizio non riuscivo a cantarla. Poi qualche anno fa, durante uno spettacolo, il regista Luca Miniero mi convinse a eseguirla dal vivo. C’era una commozione generale. Il dolore si è trasformato così in altro. Ho voluto cantarla per esorcizzarlo, perché tutti noi, prima o poi, passiamo da lì. La musica aiuta a superare anche queste cose» – Ha dichiarato l’artista.

L’obiettivo è di creare una connessione autentica con il suo pubblico. «Quando si parla di canzone popolare, Roberto Vecchioni ha spesso riflettuto sul significato di “canzone alta”, che non deve essere necessariamente intellettuale ma capace di abbracciare più persone possibile. Se anche una sola canzone di questo album riuscisse a far riflettere qualcuno, avrei raggiunto il mio scopo. È un disco di pancia, fatto con amore, che aiuta a riscoprire il valore dello stare insieme» – Ha aggiunto Sal Da Vinci.

Accanto alla title track, che ha già superato i 36 milioni di stream e i 25 milioni di visualizzazioni, nell’album c’è anche “Poesia”, il nuovo singolo estivo che inaugura ufficialmente la stagione musicale dell’artista.

Eurovision e Tour

Sal Da Vinci ha poi raccontato dell’esperienza vissuta all’Eurovision Song Contest: «È stato un incontro di culture, ma soprattutto di esseri umani. Un villaggio di sentimenti che porterò nel cuore per sempre. Con molti dei ragazzi che rappresentavano altre nazioni continuiamo a sentirci. Alcuni mi hanno chiesto di collaborare o di incidere “Per sempre sì” nelle loro lingue. È qualcosa di pazzesco».

L’uscita dell’album anticipa una lunga stagione di concerti che porterà Sal Da Vinci negli USA, e successivamente sui palchi italiani per il tour estivo 2026. Il percorso culminerà con i tre concerti evento all’Arena Flegrea di Napoli, previsti a settembre, prima della tournée teatrale autunnale.

Tutto pronto per il Nameless Festival 2026 in programma dal 30 maggio al 1° giugno nella nuova venue del “Bione” di Lecco. Tre giorni di musica elettronica, urban e club culture con alcuni dei più importanti artisti della scena internazionale e italiana. A guidare il festival saranno tre headliner d’eccezione: Calvin Harris, John Summit e FISHER, protagonisti rispettivamente delle giornate del 30, 31 maggio e 1° giugno.

Calvin Harris inaugura il Nameless Festival 2026

Sabato 30 maggio il pubblico del Nameless Festival 2026 potrà assistere al ritorno in Italia di Calvin Harris, uno dei producer e DJ più influenti al mondo. Accanto a lui saliranno sul palco Sonny Fodera, Andy C, Hybrid Minds, Netsky, [Ivy], A Little Sound, Andromedik, Astrality, Calvin Clarke, Frank Storm, Grace Arribas, Jaden Thompson, Kasablanca, Mason Collective, Mother Inc, Mozey, Stylophonic, Swimming Paul e molti altri. Spazio anche alla scena urban italiana con Nerissima Serpe, 18K, Aira, Davìdd, Enny P, IvanBi, Latrelle, LILCR, Lito, Low-Red, Over Lapa e yesh.

John Summit protagonista della seconda giornata

Domenica 31 maggio sarà invece la volta di John Summit, tra i nomi più richiesti della scena house mondiale. In line up anche HALÕ, Pendulum DJ Set, CINTHIE, Conrad Taylor, DEMETRA & BIANCA, Dyro x Dannic, Goodboys, Jaxx & Vega, Jay Hardway, Kevu, Kiss N’Fly, Manse, Mesto, Mousse T., Nick Havsen, Reebs, Rudeejay, The Shapeshifters, Sick Individuals, Todd Terry e Yasmin. Non mancheranno inoltre artisti della scena urban e alternative italiana come Bello Figo, Diss Gacha, FUCKYOURCLIQUE, Glasond, Hammon, Jasley, Macello e Sadturs & KIID.

Gran finale con FISHER

La chiusura del festival, lunedì 1° giugno, sarà affidata a FISHER, superstar australiana della house music. Insieme a lui si esibiranno Chris Lorenzo, SVDDEN DEATH, Brugio, CRIPTA, Emorfik, Explorers of the Internet, HoneyLuv, Isaac Carter, Liquid Stranger, Luuk Van Dijk, Merk & Kremont, MPH, Nic Fanciulli, Nostalgix, Olive F, Qobra, Ray Volpe, Salomé Le Chat, Tony Romera e ZAPRAVKA. Sul palco anche numerosi artisti italiani pop e urban tra cui CLARA, Sarah Toscano, BELS, Boro, G.Mineiro, Heva, Il Pagante, Lil Jolie, Ludwig e Mated & Ceejay.

Tornano Defected e Glitterbox

Per il terzo anno consecutivo torna la collaborazione tra NAMELESS FESTIVAL e i brand Defected e Glitterbox, che avranno un palco dedicato caratterizzato da ballerini, scenografie spettacolari e produzioni immersive. Per Glitterbox, domenica 31 maggio, si esibiranno CINTHIE, Mousse T., The Shapeshifters, Todd Terry e Yasmin. Il 1° giugno sarà invece il turno di Defected con HoneyLuv, Isaac Carter, Luuk Van Dijk, Nic Fanciulli, Olive F e Salomé Le Chat.

Le novità dell’edizione 2026

Tra le novità più importanti dell’edizione 2026 ci sono l’eliminazione del sistema dei token e la distribuzione gratuita di acqua, due interventi pensati per migliorare ulteriormente l’esperienza del pubblico. Confermata anche l’iniziativa “Less Names”, il format introdotto lo scorso anno che prevede la presenza quotidiana di un artista segreto a sorpresa sul Main Stage.

Arriva la Lake Como Music Week

Ad anticipare il festival ci sarà la prima edizione della Lake Como Music Week, in programma dal 26 maggio al 1° giugno. Una settimana di eventi, showcase, side activities e talk diffusi tra Lecco e il territorio del Lago di Como, in una delle location paesaggistiche più suggestive d’Italia. Radio 105 sarà radio ufficiale del NAMELESS FESTIVAL 2026, mentre Billboard Italia sarà official media partner insieme al supporto di Linkiesta Etc.